10 histórias incrivelmente sombrias por trás de músicas influentes

A arte imita a vida e, de fato, a vida imita a arte. Como a vida contém momentos de tristeza e alegria, essas coisas tendem a transparecer nas obras de arte, e as canções populares não fogem à regra. Dito isto, às vezes eram necessárias ocorrências trágicas ou desastrosas para que algumas das canções mais lendárias fossem escritas.

Aqui estão 10 músicas populares com notas de rodapé com eventos infelizes. Alguns foram inspirados por catástrofes como a loucura, a destruição e a morte, enquanto outros pressagiavam infortúnios que ainda estavam por vir. Às vezes, era um caso de ambos.

10 “Smoke On The Water” do Deep Purple

Em dezembro de 1971, o Deep Purple chegou à Suíça para gravar seu álbum inovador Machine Head no Montreux Casino usando o Rolling Stones Mobile Studio. Tendo se apresentado lá no início do ano, a banda gostava do local e mantinha boas relações com seu proprietário, Claude Nobs.

Na noite anterior ao início da gravação, o Casino apresentou um concerto de Frank Zappa and the Mothers of Invention. Pouco mais de algumas horas depois do início do set de Zappa, o show foi interrompido quando um membro da plateia disparou um foguete de socorro contra um teto coberto de vime. Um incêndio começou instantaneamente e, embora ninguém tenha ficado gravemente ferido, as chamas devastaram todo o complexo do Montreux Casino, junto com todos os equipamentos de Frank Zappa e os planos de gravação do Deep Purple.

Depois de uma falsa largada em um teatro próximo chamado Pavillion, durante a qual as sessões foram prejudicadas por moradores reclamando à polícia sobre o barulho, a banda mudou-se para o Grand Hotel fora de temporada. Em meio ao caos, a primeira faixa gravada foi um rock mid-tempo ancorado por um riff simples composto por quatro acordes poderosos invertidos, inspirado em parte pela introdução do primeiro movimento da Quinta Sinfonia de Beethoven. O baixista Roger Glover criou o título “Smoke On The Water” depois de relembrar a nuvem de fumaça espalhada sobre o Lago Genebra quando o incêndio destruiu o Casino. Quase instantaneamente, ele e o cantor Ian Gillan não perderam tempo juntando palavras que contassem a história do caos que cercava as sessões de gravação, criando assim uma das canções mais amadas e memoráveis ​​da história do hard rock.

“O que adoro em ‘Smoke On The Water’”, contou o organista Jon Lord, “se você quiser conhecer a história, ouça a letra”.

9 “Castelos feitos de areia” da experiência Jimi Hendrix

A segunda faixa do segundo lado do segundo álbum do virtuoso guitarrista e lendário compositor Jimi Hendrix é uma observação astuta, mas melancólica, da natureza temporária da existência. O primeiro verso fala de um relacionamento romântico desmoronando após uma discussão de bêbados, o que é sem dúvida uma referência ao tempestuoso caso de amor entre Hendrix e Kathleen Mary Etchingham, que também inspirou “The Wind Cries Mary”. O segundo verso é sobre um índio valente morto durante o sono por um ataque furtivo às vésperas de sua primeira batalha e uma garota deficiente que encontra consolo ao decidir acabar com sua vida arruinada e amarga.

No entanto, muitos vêem “Castelos Feitos de Areia” como uma alegoria da vida interior do próprio Hendrix. Ele nasceu em uma família pobre e itinerante, seus irmãos foram colocado em um orfanato e sua mãe morreu em 1958, após anos de abuso de álcool, quando Hendrix tinha 16 anos. eclipsado quando um “ataque surpresa o matou durante o sono” se mostrou profético. Na manhã de 18 de setembro de 1970, Hendrix – que tinha ascendência Cherokee – tomou nove comprimidos de Seconal de sódio para adormecer depois de uma festa a noite toda. Ele nunca acordou , por subestimar a potência dos comprimidos que ingeriu, e morreu após vomitar e ser asfixiado enquanto estava inconsciente. Ele tinha 27 anos.

8 “Rodovia para o Inferno” do AC/DC

No início de 1979, Ronald Belford “Bon” Scott, um pequeno criador do inferno com uma personalidade grandiosa e uma voz descomunal, finalmente começou a ganhar dinheiro. Ele passou os cinco anos anteriores ganhando força gravando discos e batendo palcos com o AC/DC, uma formidável banda de rock baseada no blues originária de Sydney, Austrália, formada pelos irmãos guitarristas Angus e Malcolm Young. Naquele ano, o quinteto lançaria o inovador álbum Highway to Hell , título que chocou sua gravadora , Atlantic Records. “Eles piraram com aquele título”, lembrou Malcolm Young. Mesmo assim, a banda manteve-se firme. “Eu disse ‘besteira’”, disse Angus Young. “Estamos chamando isso de Highway to Hell e é assim.”

Apesar das conotações percebidas de satanismo que preocupavam a gravadora e os tornavam muitos inimigos entre os fundamentalistas religiosos, a música “Highway to Hell” não tinha nada a ver com a adoração do diabo e tudo a ver com os rigores de estar na estrada em um ambiente de trabalho. roupa de rock. “Quando há cinco de vocês dormindo em uma van”, disse Angus em uma entrevista , “e a meia suja do cantor está a cinco centímetros de seu nariz, isso é quase o inferno”. O baterista de longa data Phillip Rudd concordou: “Se você estivesse na estrada conosco durante todos esses anos, você teria entendido exatamente do que estávamos falando”. Na verdade, o cansaço penetrou nas letras de Scott. Numa entrevista pouco antes de seu falecimento, ele comentou: “Temos trabalhado sem parar desde que a banda começou. Só precisamos fazer uma pausa de vez em quando.”

Parece apropriado que um álbum chamado Highway to Hell seja o último que Bon Scott gravou com o AC/DC. No entanto, ainda mais agourento foi o fato de que a faixa-título do álbum foi a última música que Bon Scott tocou com o AC/DC em 9 de fevereiro de 1980 em um programa de televisão espanhol chamado Aplauso . No final da música, em meio aos aplausos do público do estúdio, é mostrado um quadro congelado no qual todos os membros do AC/DC estão presentes, exceto Bon Scott.

Na noite de 18 de fevereiro de 1980, Bon Scott saiu para beber em Londres, em um clube então chamado de Music Machine, onde bebeu medida após medida de uísque escocês. Durante a noite, sofrendo intoxicação alcoólica, morreu durante o sono após se asfixiar no próprio vômito. Ele tinha 33 anos. Como inadvertidamente previsto pelo quadro congelado no final da transmissão do Aplauso, o AC/DC se viu paralisado, sem nenhum vocalista. Eles consideraram se separar, mas com a bênção dos pais de Bon, optaram por continuar, recrutando Brian Johnson, nativo de Newcastle, para assumir o microfone. Ele daria voz ao que seria seu álbum de maior sucesso, Back in Black , que foi concebido como um réquiem para Bon, e ainda canta no AC/DC até hoje.

7 “Shine On, You Crazy Diamond” do Pink Floyd

Em 6 de janeiro de 1975, a banda britânica de rock progressivo Pink Floyd estava aproveitando uma onda de sucesso com Dark Side of the Moon , um álbum conceitual sofisticado sobre as coisas da vida que quebram o ânimo das pessoas. Eles retornaram aos estúdios de Abbey Road para começar a trabalhar em seu álbum seguinte, Wish You Were Here . Foi um álbum conceitual que abordou temas como a ausência, a corrupção no mundo da música e o colapso mental induzido pelas drogas de seu fundador e líder original, Roger Keith Barrett, mais conhecido no mundo como “Syd”. A música épica de nove partes que começa e termina o álbum, “Shine On, You Crazy Diamond”, foi sem dúvida escrita especificamente como uma homenagem a Syd. Coincidentemente, o dia em que as sessões começaram também foi o 29º aniversário de Syd Barrett.

Perto do final das sessões do álbum, enquanto os vocais de “Shine On” estavam sendo concluídos, a banda notou um homem corpulento com cabeça e sobrancelhas raspadas que havia entrado no estúdio, seu estado mental mais tarde descrito pelo baterista Nick Mason como “ inconstante e não totalmente sensato.”

“Roger [Waters, o baixista] estava lá, sentado à mesa, e eu entrei e vi um cara sentado atrás dele – um cara enorme, careca e gordo”, relembrou o tecladista Richard Wright em uma entrevista em 1984. “Eu pensei: ‘Ele parece um pouco. . . estranho . . . ‘ De qualquer forma, sentei-me com Roger na mesa e trabalhamos por cerca de dez minutos, e esse cara continuou se levantando, escovando os dentes e depois sentando – fazendo coisas realmente estranhas, mas ficando quieto. E eu disse a Roger: ‘Quem é ele?’ e Roger disse ‘Não sei’, e eu disse ‘Bem, presumi que ele fosse seu amigo’, e ele disse ‘Não, não sei quem ele é’. De qualquer forma, demorei muito e de repente percebi que era Syd, depois de talvez 45 minutos.”

Quando os outros perceberam que o homem estranho era de fato seu antigo líder, agora uma sombra de seu antigo eu, ficaram horrorizados. Waters foi até reduzido às lágrimas . Syd disse de bom grado à banda que estava feliz em prestar seus serviços a eles, mas ficou claro para todos os presentes que ele não estava em condições de se apresentar em uma banda com ninguém. Na verdade, ele já havia desistido de tocar e gravar música no ano anterior, após uma tentativa frustrada de gravação solo. Depois dessa sessão, nenhum dos membros do Pink Floyd veria Syd novamente, pois ele acabaria por se retirar permanentemente para sua cidade natal, Cambridge, na Inglaterra, onde morreu em 2006 de complicações de diabetes aos 60 anos.

6 “Buried Alive In The Blues”, de Janis Joplin e Full Tilt Boogie Band

Em setembro de 1970, Janis Joplin, uma cantora diminuta com uma grande voz de blues e atitude correspondente, viajou para Hollywood com a Full Tilt Boogie Band para gravar Pearl . Foi uma gravação longa que se tornaria sua gravação mais polida e bem-sucedida de todos os tempos, mantendo o primeiro lugar na Billboard 200 por nove semanas. Embora Janis usasse heroína durante esse período, o moral no estúdio estava sem dúvida alto. As músicas escolhidas para o álbum incluíram “Trust Me”, escrita para ela pela lenda do soul Bobby Womack, e “Me and Bobby McGee”, co-escrita por Kris Kristofferson e Fred Foster. Este último se tornaria o primeiro single número um de Janis Joplin.

Infelizmente, Janis não teve a chance de aproveitar esse sucesso. Na verdade, ela nem conseguiu terminar o álbum que consolidaria sua reputação lendária. Em 1º de outubro de 1970, Joplin levou para o estúdio para gravar a música a capella “Mercedes Benz” em um take e uma rápida serenata de aniversário para John Lennon, que logo completaria 30 anos. gravar. Dois dias depois, ela visitou o estúdio para ouvir a faixa instrumental da música “Buried Alive in the Blues”, que lhe foi presenteada pelo compositor Nick Gravenites . Satisfeita com a gravação, ela anunciou ao produtor Paul Rothchild que adicionaria seu vocal à fita no dia seguinte, antes de sair para beber no Barney’s Beanery, um bar e restaurante sofisticado em West Hollywood. Ela então se retirou para o Landmark Motor Hotel, onde estava hospedada desde sua chegada à Califórnia.

No dia seguinte, Janis estava visivelmente ausente do estúdio, para grande preocupação de Paul Rothchild. John Cooke, o road manager da Full Tilt Boogie Band, dirigiu até o Landmark Motor Hotel para ver como ela estava. No estacionamento, ele viu seu Porsche 356 conversível com capota psicodélica e, quando entrou no quarto 150, encontrou Janis morta no chão , entre a cama e a mesa ao lado, com uma nova marca de agulha no corpo. braço. Ela tinha um cigarro queimado até o filtro em uma das mãos e notas de quatro dólares na outra. Ao cair para frente em meio aos estertores da morte, ela bateu com o rosto na mesinha de cabeceira, sangrando o lábio. Pouco depois, um inquérito realizado pelo Gabinete do Médico Legista do Condado de Los Angeles determinou que Janis Lyn Joplin, 27 anos, tinha morrido de overdose de heroína agravada pelo consumo de álcool.

As sessões de seu álbum foram interrompidas abruptamente e “Buried Alive in the Blues” foi mantida como instrumental. Embora Pearl tenha ficado incompleto, tornou-se seu álbum mais vendido após seu lançamento em janeiro de 1971.

5 “A agulha e o dano causado”, de Neil Young

A triste canção de Neil Young, “The Needle and the Damage Done”, relata claramente a trágica história do amigo e colega de Neil Young de sua banda de apoio Crazy Horse, Daniel Ray Whitten, que estava viciado em heroína. Gravada ao vivo no Royce Hall da UCLA em 1971 e incluída no álbum Harvest de Young de 1972 , esta composição era caracteristicamente pessoal, em particular a frase “I hit the city and I lost my band”. Esta foi uma referência a Young optando por dispensar Crazy Horse das sessões de seu álbum de 1970, After The Gold Rush , ostensivamente por causa do abuso de drogas que prejudicou as sessões de gravação.

Infelizmente, Whitten nunca foi capaz de escapar de seus demônios. Embora em 1972 ele tenha sido convocado para tocar guitarra na turnê de divulgação do Harvest , ele compareceu aos ensaios viciado em lixo e incapaz de acompanhar o resto da banda. Em 18 de novembro, Neil Young exasperado mais uma vez demitiu Danny Whitten, dando-lhe US$ 50 e uma passagem de avião de volta para Los Angeles. Mais tarde naquela noite, Whitten teve uma overdose fatal de uma mistura letal de Valium e álcool, que ele usava para combater os sintomas de abstinência de heroína.

Neil Young sentiu uma grande responsabilidade pessoal durante anos. No encarte de sua compilação de álbum triplo Decade , ele disse sobre a música “Eu não sou um pregador, mas as drogas mataram muitos grandes homens”.

4 “Árvore Frutífera” de Nick Drake

Nicholas Rodney Drake nasceu em 19 de junho de 1948 em Rangoon, Mianmar, filho de pais ingleses e foi criado em Tanworth-in-Arden, Warwickshire , nas Midlands Britânicas, ao sul de Birmingham. Ele aprendeu a tocar saxofone, clarinete e piano enquanto era aluno do Marlborough College, mais tarde aprendendo violão aos 17 anos. Pouco antes do final da adolescência, ele começou a tocar em cafés em Londres e arredores e foi , que tocava baixo no grupo de folk-rock inglês Fairport Convention na época. descobertos por Ashley Hutchings

Hutchings ficou impressionado com a habilidade de Drake como guitarrista e o apresentou ao produtor musical Joe Boyd, nascido em Boston, que havia trabalhado no primeiro single do Pink Floyd, bem como em vários dos primeiros álbuns da Fairport Convention. Em 1968, Nick Drake assinou com a Island Records e começou o trabalho em seu álbum de estreia Five Leaves Left . Seu título veio da etiqueta de advertência escondida em pacotes de mortalhas, já que Drake era fumante de tabaco e maconha há muito tempo.

Lançado em setembro de 1969, o álbum foi elogiado como “poético” e “interessante” pela revista musical britânica Melody Maker . A inclusão da música “Time Has Told Me” em um sampler da Island Records – bem como o airplay do influente DJ John Peel – aumentou a exposição de Drake, mas Drake, tímido em publicidade, ficou insatisfeito com o lançamento do álbum. Além disso, as vendas baixas e o desempenho medíocre começaram a agravar a depressão que o atormentou pelo resto da sua curta vida.

Embora Five Leaves Left seja uma coleção de músicas particularmente forte, uma faixa que se destaca liricamente, “Fruit Tree”, parece ter um significado agourento: “A fama é apenas uma árvore frutífera, tão doentia / Ela nunca pode florescer até seu estoque está enterrado / Então homens famosos nunca encontrarão um caminho / Até que o tempo tenha voado para longe do dia de sua morte / Esquecido enquanto você está aqui, lembrado por um tempo / Uma ruína muito atualizada de um estilo muito desatualizado. Este verso de “Fruit Tree” parece prenunciar a morte de Drake por uma overdose de antidepressivos cinco anos depois, em 1974. Embora talvez Drake tenha começado a se cansar da vida durante seus dias como estudante na Universidade de Cambridge, parece que ele estava profundamente interessado. e prescientemente consciente de seu destino.

Embora os álbuns que ele lançou durante sua vida tenham atraído pouco ou nenhum interesse enquanto ele estava vivo, ele foi mais tarde elogiado como uma influência por compositores como Robyn Hitchcock dos Soft Boys, Michael Stipe do REM e Robert Smith do Cure, que alegou que ele nomeou sua banda com base em uma frase de “Time Has Told Me”. No final do século 20, a música “Pink Moon” de Drake foi usada em um comercial da empresa automobilística alemã Volkswagen, que teve um aumento exponencial nas vendas.

3 “Eu gostaria que chovesse” pelas tentações

Embora os Temptations não tenham escrito nenhum dos singles de sucesso lançados durante seu apogeu, de 1964 a 1968, o grupo continha cantores que tinham um talento especial para interpretar as músicas que lhes foram dadas com grande sentimento. Um deles foi David Ruffin, que emprestou seu tenor angustiado ao clássico de 1967 “I Wish It Would Rain”, uma balada sobre um homem de coração partido, desprezado por sua esposa, que deseja que as nuvens rebentem e que as gotas de chuva escondam as lágrimas que chorou. por seu amor perdido.

Embora as músicas da Motown sejam conhecidas por sua urgência poderosa, “I Wish It Would Rain” provou ser uma música repleta de emoções genuínas e formidáveis. O letrista Roger Penzabene, que também compôs o hit número 3 do Temptations, “You’re My Everything”, escreveu “I Wish It Would Rain” pouco depois de descobrir que sua própria esposa havia sido infiel a ele. Profundamente perturbado, ele tirou a vida dele em 31 de dezembro de 1967, apenas 10 dias depois de “I Wish It Would Rain” ter sido lançado como single.

2 “Pessoas que morreram”, da Jim Carroll Band

Apesar do fato de que esses blues punk de doze compassos soam extremamente otimistas, as letras são tão reais e diretas quanto tristes. Jim Carroll cita o nome dos numerosos amigos com quem cresceu no Lower East Side de sua cidade natal, Nova York, e perdeu devido a desventuras, suicídio, doença, abuso de drogas, guerra e assassinato. Duas das pessoas mencionadas – Teddy, que caiu de um telhado para a morte depois de cheirar cola, e Eddie, que sofreu uma facada na veia jugular – também referido respectivamente nas obras literárias de Carroll, The Basketball Diaries e The Book of Nods. .

Em 1982, “People Who Died” foi usado pelo diretor Steven Spielberg em seu filme ET the Extra-Terrestrial , possibilitando a Jim Carroll receber royalties substanciais. Embora a poesia, a prosa e as canções de Carroll lhe rendessem um culto considerável e devotado, ele se juntaria a seus amigos na morte em 11 de setembro de 2009. Ele sucumbiu à insuficiência cardíaca aos 60 anos, após décadas de vício em heroína.

1 “Gimme Shelter” dos Rolling Stones

Keith Richards começou trabalhando na música “Gimme Shelter” na época em que seu parceiro de composição, Mick Jagger, estava atuando no bizarro filme de gangster britânico Performance . Após seu retorno, Jagger adicionou letras assustadoras ao instrumental melancólico de Richards, inspirado pela situação arriscada da situação mundial durante o final dos anos 1960 por conta da Guerra do Vietnã. Por sugestão do produtor Jimmy Miller, que também fez percussão na faixa, o cantor de soul Merry Clayton foi contratado para cantar um dueto com Jagger. Sua soprano arrepiante fez dessa música um destaque entre os clássicos dos Rolling Stones.

A música se tornou sinônimo de catástrofe iminente. O diretor de cinema Martin Scorsese usou -o com grande efeito durante cenas de seus filmes de gângster Goodfellas , Casino e The Departed , que pressagiavam o desastre. O nome da música também foi usado como título do documentário de Albert e David Maysles sobre a turnê de 1969 dos Rolling Stones para divulgar o álbum Let It Bleed .

O título do álbum provou ser ainda mais adequado quando, no final da turnê, sangue foi derramado em 6 de dezembro de 1969 no Altamont Free Concert. Uma adolescente chamada Meredith Curley Hunter, vestida com um chamativo terno verde-limão e sob efeito de metanfetamina, começou a brandir um revólver perto do palco durante a apresentação dos Stones. Ele foi rapidamente atacado por membros do Hell’s Angels Motorcycle Club, que foram chamados para fornecer segurança no evento. Hunter foi esfaqueado e pisoteado até a morte pelos Anjos enquanto as câmeras rodavam. Para muitos, essa fatalidade parecia sinalizar o fim do Sonho Flower Power, mas para os Hell’s Angels, tudo continuou como sempre.

Talvez a circunstância mais sinistra em torno da gravação de “Gimme Shelter” tenha sido o fato de Clayton, grávida durante as sessões, ter sofrido um aborto espontâneo ao retornar a Nova Orleans das sessões com os Stones em Londres, culpando a tremenda tensão da gravação. depois de seu intenso dueto com Jagger. Estimulada por sua educação cristã, Clayton foi filosófica sobre sua tragédia pessoal e até lançou sua própria versão da música pouco depois de a gravação dos Stones subir nas paradas.

“Aquele foi um período muito sombrio para mim, mas Deus me deu forças para superá-lo”, ela lembrou em uma entrevista de 1986 ao The Los Angeles Times . “Eu virei isso. Eu tomei isso como vida, amor e energia e direcionei em outra direção, então realmente não me incomoda cantar ‘Gimme Shelter’ agora. A vida já é curta e não posso viver ontem.”

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