10 vezes que diretores famosos fizeram filmes surpreendentes e inesperados

De vez em quando, um filme nos pega dormindo. Cada diretor tem sua visão, seu processo e sua obra. Mas mesmo o mais visionário dos autores pode estar propenso a tentar algo novo – danem-se as expectativas!

Seja bom ou terrível, para melhor ou para pior, muitos cineastas exibiram sua súbita mudança de opinião na tela grande para que todos vissem, lançando um filme solitário que não representa, e muitas vezes contraria, seus outros trabalhos. Não importa se foram obrigados a fazê-lo por forças externas, se deviam um favor ao produtor ou à família ou simplesmente queriam uma mudança de ritmo, 10 cineastas sérios nos deixaram com esses filmes que surgiram do nada.

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10 Hugo (2011)

Embora seu alcance seja vasto, abrangendo muitos assuntos, gêneros e períodos de tempo, Martin Scorsese é um diretor mais conhecido por filmes que mergulham no submundo decadente da América com temas importantes de redenção, relações de classe e catolicismo romano. Na maioria das vezes liderados por Robert De Niro ou Leonardo DiCaprio, os épicos policiais contundentes de Scorsese abrangem sua carreira e incluem títulos conhecidos como Goodfellas (1990), Os Infiltrados (2006) e O Irlandês (2019).

No entanto, em 2011, Scorsese jogou a cautela (ou o bom senso) ao vento e lançou uma adaptação de livro infantil, filmada em 3D e ambientada na Paris dos anos 1930. Hugo é a história de Hugo Cabret (Asa Butterfield), um jovem que vive dentro dos muros da Gare Montparnasse, cuidando dos relógios da estação, evitando as autoridades e consertando um autômato quebrado no sótão. Nada de DiCaprio, nada de De Niro, nada de cocaína ou ataques da máfia.

Mas por que essa mudança de ritmo para o diretor veterano com mais de 40 anos de carreira? Segundo o próprio homem, sua esposa queria que ele fizesse um filme que sua filha de 12 anos pudesse ver – e ele o fez! [1]

9 A História Direta (1999)

David Lynch pode ser o diretor de Duna menos favorito de todos , mas você teria que ir longe para encontrar alguém que não o proclamasse o mestre do cinema surrealista sonhador, mas meticulosamente complexo. Seja rejuvenescendo o terror em preto e branco com Eraserhead (1977); conquistando um nicho neo-noir em Blue Velvet (1986), Lost Highway (1997) e Mulholland Drive (2001); ou disputando Nic Cage no subgênero romance policial de Wild at Heart (1990), a abordagem formalista e desarticulada de Lynch ao cinema está visceralmente presente o tempo todo.

Então, como o atual campeão de travessuras narrativas, temas multidimensionais e perspectivas não confiáveis ​​mantém as coisas atualizadas? Fazendo um filme que não contém absolutamente nada do que foi dito acima. The Straight Story segue Alvin (Richard Farnsworth), um veterinário da Segunda Guerra Mundial que faz uma viagem de 390 quilômetros em um trator de gramado John Deere para visitar seu irmão distante.

Este faz o que diz na lata, com um road movie simples sobre conexão e humanidade simples. The Straight Story não é apenas uma raridade por sua narrativa realista, mas porque é o único filme de Lynch para o qual ele não escreveu o roteiro. Assim como no caso de Scorsese, foi uma mulher quem lhe vendeu a ideia – a então namorada de Lynch, Mary Sweeney, escreveu o filme e o ajudou a se apaixonar por ele. [2]

8 Escola de Rock (2003)

Richard Linklater é conhecido por filmes experimentais como A Scanner Darkly (2006) e Boyhood (2014) e dramas adultos mais importantes que se envolvem em filosofia, como a trilogia Before (1995-2013) e Waking Life (2001). Embora as escolhas genéricas do diretor sejam tipicamente reflexivas e frequentemente busquem novas abordagens para narrativa e narrativa, ele não hesita em fazer algo convencional para ser apreciado pelas massas.

School of Rock é a única comédia musical infantil do diretor até o momento, centrada no exuberante rock ‘n’ roll Dewey Finn (Jack Black) e na conexão que ele faz com uma turma de alunos enquanto finge ser seu professor substituto. Tanto do ponto de vista narrativo quanto técnico, é difícil reconhecer School of Rock como um filme de Linklater. No entanto, cortes rápidos, tomadas criativas e um roteiro bem elaborado fazem dele uma aula magistral de cinema bom e sólido.

Ninguém – incluindo o próprio Linklater – queria que o diretor fizesse o filme, temendo que isso significasse a morte do projeto. Mesmo assim, o produtor Scott Rudin persistiu, acreditando que ele era o único homem para o trabalho, e (para nossa sorte!) acabou conseguindo o que queria. [3]

7 Eternos (2021)

Chloé Zhao fez sucesso na indústria cinematográfica em 2020 com seu hit indie temperamental Nomadland . Isso ocorreu graças ao seu retrato inabalável da vida à margem da sociedade, misturando realismo social com visuais profundos e sombrios, um elenco em grande parte formado por pessoas reais e uma atuação principal silenciosamente consumida de Frances McDormand. Isso se baseia nos ideais estéticos, temáticos e voltados para os personagens dos filmes anteriores de Zhao, estabelecendo uma linha consistente desde seus curtas anteriores até o presente.

Sua entrada inesperada no Universo Cinematográfico Marvel, Eternos , mudou tudo. Com um orçamento de US$ 200 milhões e um elenco de estrelas, incluindo Angelina Jolie e Salma Hayek, o filme opera em escala global com grandes cenários de ação e CGI fora de controle. Os fãs de Zhao que esperavam um drama de super-heróis terno e cheio de nuances nos moldes de Nomadland ficaram profundamente desapontados, e a reação crítica foi imediata e severa.

Mas Zhao não reconhece a distinção entre Eternos e seus trabalhos mais amplos, afirmando que o filme é um desenvolvimento de seu estilo, não se enquadrando nem no formato independente nem no grande estúdio, mas fundindo ambos. [4]

6 Aladim (2019)

Guy Ritchie ganhou destaque nas costas de Lock, Stock and Two Smoking Barrels (1998), um filme de gangster londrino que transformou o jogador de futebol Vinnie Jones e o mergulhador Jason Statham em estrelas de uma só vez. Ritchie consolidou sua reputação com o elogiado Snatch dois anos depois e passou a maior parte dos anos desde então transformando a nata do talento da atuação britânica em homens durões cockney.

Até 2019, o estilo e os temas de Ritchie eram um caso de amor com a criminalidade, a masculinidade tradicional e o lado mais leve da violência extrema. Seja nas ruas cruéis da Londres contemporânea, nas profundezas do mundo de Sherlock Holmes ou atravessando o reino do Rei Arthur, seus filmes são definidos por personagens machistas presos em tramas brutais e cheias de ação. Até Aladim .

O remake live-action do filme da Disney de 1992 prova que há poucas portas que a carteira da House of Mouse não pode abrir. Como Scorsese e Lynch antes dele, o fascínio de fazer algo que toda a sua família pudesse desfrutar era demais, e Ritchie cedeu ao conglomerado de entretenimento. O estilo do diretor dá lugar à encenação simples e à estética suave e carregada de CGI que se tornou o padrão do cinema de grande sucesso moderno – e não há nenhum cockney desbocado à vista. [5]

5 O Guia do Mochileiro das Galáxias (2005)

Como muitos diretores da Geração X que ainda trabalham hoje, Garth Jennings surgiu através de videoclipes, filmando clipes para grandes artistas como Pulp, Blur e REM. Mas sua carreira depois disso foi tudo menos típica. Seus créditos incluem a comédia independente Son of Rambow (2008), o musical de animação Sing (2016) e sua sequência Sing 2 (2021). Ainda assim, a mais notável de suas realizações é a adaptação da obra-prima de Douglas Adams, O Guia do Mochileiro das Galáxias .

A absurda comédia de ficção científica mostra Arthur Dent (Martin Freeman) saindo de sua vida monótona na Inglaterra e entrando em uma aventura intergaláctica na companhia de andróides deprimidos, homens de duas cabeças e, é claro, caronas do espaço sideral. Carregado com a sensibilidade da comédia britânica, um elenco de primeira linha e uma consideração afetuosa pelo material original, este é o filme que deveria ter definido a carreira de Jennings.

Mas isso não aconteceu. O trabalho de Jennings tem sido fragmentado desde então, e ele não voltou a nada remotamente parecido. Talvez porque ele nunca quis fazer isso, pois estava trabalhando em Son of Rambow e sentiu que o sistema de Hollywood arruinaria tal tesouro cultural. Mas o roteiro o levou, e o resto é história. [6]

4 O Império Contra-Ataca (1980)

O diretor Irvin Kershner já foi conhecido por seus dramas e comédias humanas – filmes idiossincráticos como The Hoodlum Priest (1961), que valorizou o personagem em vez do espetáculo em que muitos de seus alunos da USC trabalharam. Isso foi até que George Lucas apareceu, não apenas influenciando a produção cinematográfica de Kershner mas também mudando sua vida.

Quando chegou a hora de Lucas filmar o segundo filme da saga Star Wars , O Império Contra-Ataca , ele não sentiu mais que dirigir era para ele. Ele lamentou as inúmeras lutas diárias que o colocaram em conflito com o processo artístico e o deixaram incapaz de cumprir a sua visão. Assim, buscou os talentos de seu antigo tutor de cinema.

Lucas forneceu a história e a supervisão como produtor, enquanto Kershner assumiu o comando das câmeras, e a dupla reescreveu o roteiro e editou a versão final juntos. Essa combinação resultou no melhor filme de toda a franquia, mas mudou a produção de Kershner para filmes de estúdio de grande porte – embora ele nunca mais tenha feito um longa-metragem espacial. [7]

3 A casa com um relógio nas paredes (2018)

Antes de 2018, Eli Roth era o príncipe herdeiro do subgênero de terror splatter. Ele nos trouxe Cabin Fever (2002), dois Hostels (2005; 2007) e The Green Inferno (2013), todos exibindo um total desrespeito ao bom gosto e desafiando a tolerância dos espectadores ao sangue na tela. No entanto, de alguma forma, o diretor estava disposto a abandonar isso para fazer uma comédia infantil de fantasia com Jack Black.

A Casa com um Relógio nas Paredes segue o órfão Lewis (Owen Vaccaro), de 10 anos, enquanto ele vai morar na casa mágica de seu excêntrico tio Jonathan (Jack Black), onde acidentalmente acorda os mortos. Em teoria, esse assunto não deveria estar a um milhão de quilômetros do repertório típico de Roth – algo que o próprio diretor admite.

Ele disse que se inspirou diretamente em filmes como ET e Poltergeist , vendo não apenas uma conexão entre seu trabalho de terror e filmes de fantasia familiar, mas também entre esses gêneros em geral. E Stephen Spielberg, um fã secreto de Hostel e fundador da produtora Amblin Entertainment de The House with a Clock in Its Walls , concordou. Mas o filme não se enquadra exatamente em sua filmografia. [8]

2 Avatar: O Último Mestre do Ar (2010)

Neste ponto, M. Night Shyamalan é tão conhecido por suas reviravoltas que nem é preciso dizer. Desde aquela grande surpresa narrativa no final de O Sexto Sentido (1999), o diretor adquiriu o hábito de tensos thrillers psicológicos e horrores que levam os espectadores pelo caminho do jardim, dão tapinhas em seus ombros e fogem.

E, que se danem os críticos, ele tem feito o que faz de melhor desde então, exceto aquela vez em que fez um blockbuster de Hollywood: Avatar . Não *aquele* filme de Avatar – o outro. Avatar: O Último Mestre do Ar . Baseado na série animada infantil de mesmo nome, o filme não conseguiu traduzir as aventuras de Aang, o Avatar, para a tela prateada com sucesso.

Shyamalan não apenas não acabou fazendo uma sequência planejada, mas também não fez nada do mesmo tipo desde então. E há uma boa razão para isso – o diretor admite que fez Avatar principalmente para escapar da crítica que estava recebendo por fazer os thrillers de terror carregados de reviravoltas que ele adora, procurando equivocadamente “juntar-se ao sistema” e seguir os limites. [9]

1 Guerra nas Estrelas: Os Últimos Jedi (2017)

Poucos diretores contemporâneos criaram um nicho tão grande no gênero de mistério quanto Rian Johnson. Sua estreia no cinema, Brick (2005), transferiu o mistério neo-noir para uma escola secundária dos EUA antes de fazer a aventura misteriosa The Brothers Bloom (2008), o quebra-cabeça de ação sobre viagem no tempo Looper (2012) e dois mistérios de assassinato de Knives Out (2019, 2022). ). Então, por que ele foi escolhido para liderar um dos maiores sucessos de bilheteria espaciais de todos os tempos?

Os Últimos Jedi pega os fios que JJ Abrams espalhou pelo universo no antecessor do filme, O Despertar da Força (2015), e os amarra em nós. O filme chocou o público e a crítica ao desprezar a convenção de Star Wars , matando o Big Bad no meio da trilogia e transformando seu herói em zero.

Embora Johnson tenha sido anunciado para o cargo em 2014 – antes de O Despertar da Força chegar às telas – ele não foi a primeira escolha. A produtora Kathleen Kennedy inicialmente abordou Abrams, na esperança de contratá-lo para toda a trilogia, mas quando ele recusou, ela teve que procurar outro lugar.

Foi irônico, então, que Abrams acabou sendo convencido a voltar a fechar a trilogia. The Rise of Skywalker (2019) tentou atender uma minoria vocal de fãs que recusaram a abordagem de Johnson. Com todo o furor, não podemos culpar Johnson por não voltar a chegar perto da ficção científica. [10]

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