Grandes diretores são frequentemente definidos na mente do público por dois ou três filmes – geralmente seu grande sucesso e seu grande fracasso. Spielberg tem sua Lista de Schindler e 1941. Michael Cimino tem The Deer Hunter e Heaven’s Gate. Francis Ford Coppola tem O Poderoso Chefão e Aquele que vem do coração. Mas no meio há frequentemente vários filmes que tiveram sucesso moderado ou fracasso moderado. Como resultado, eles tendem a escapar pelas rachaduras. Isso é lamentável, porque quase todo grande diretor tem uma joia escondida aqui ou ali; e às vezes são melhores do que suas obras-primas mais famosas e influentes. Aqui, sem nenhuma ordem específica, estão dez dos melhores. Se você ainda não os viu – e provavelmente não viu – vá para o Netflix; assisti-los combina o prazer de um grande filme com a emoção da descoberta.
Sam Peckinpah é agora famoso como um dos cineastas mais influentes de todos os tempos. Seus filmes intensos e explicitamente violentos puseram fim à pesada censura que marcou a história de Hollywood até começar a se desgastar durante a década de 1960 e definiram a estética da câmera lenta ainda seguida por quase todos os filmes de ação hoje. Mas entre os filmes sangrentos que o tornaram famoso, há um punhado de pequenos filmes não violentos e muitas vezes lindamente renderizados que testemunham a habilidade de Peckinpah como um artista sutil e até delicado.
A Balada de Cable Hogue é a melhor delas. Sentimental no melhor sentido, é um faroeste doce, irônico e trágico-cômico que conta a história de um garimpeiro grisalho (Jason Robards) que encontra água no deserto e com a ajuda de um pregador dissoluto (David Warner) constrói um negócio próspero. até que seu desejo de vingança acabe com tudo. A cena final, magnificamente teatral, em que Warner faz um solilóquio que parece ser tanto sobre o personagem principal quanto sobre o próprio Peckinpah, é um dos grandes cenários da carreira do cineasta. Se você não chorar no final, você não tem coração.
Akira Kurosawa é justamente reverenciado como um dos grandes diretores de todos os tempos; lendário por seus filmes de samurai que deram origem ao Spaghetti Western, ao filme de ação moderno e – sim – Star Wars. Esta foto foi seu grande avanço naquela época, mas agora foi completamente ofuscada por seus épicos de samurais. Isso é lamentável, porque é simplesmente um filme extraordinário. A história de um médico alcoólatra (Takashi Shimura, regular de Kurosawa, agora mais conhecido por seus papéis em Sete Samurais e no Godzilla original) que preside uma favela decrépita após a Segunda Guerra Mundial, contém uma atuação titânica de Toshiro Mifune – em um de seus primeiros papéis – como um jovem gangster morrendo de tuberculose. É trágico, corajoso e comoventemente agridoce, tudo ao mesmo tempo. Se você quiser ter uma noção da amplitude do talento de Kurosawa, este é o lugar certo para ver.
Entre críticos e fãs de rock, este filme é reverenciado como um dos maiores documentários de concertos de todos os tempos, mas é praticamente desconhecido do público em geral. Narrando o último concerto da The Band, um dos conjuntos mais queridos das décadas de 1960 e 1970, é também um olhar comovente sobre a intensa relação que os músicos partilham entre si e a sua vida muitas vezes destrutiva na estrada.
Ao mesmo tempo, é um retrato triste mas comovente do fim de uma era em que a música se tornou um marco cultural definidor para uma geração e ainda assim permaneceu pequena o suficiente para que os fãs apreciassem a humanidade por trás dos ícones que adoravam. O membro da banda Levon Helm afirmou que todo o documentário é uma mentira e de certa forma ele está certo – no melhor sentido. Scorsese descarta os valores do cinema vérité e cria um filme cuidadosamente elaborado e teatral. Embora provavelmente não tenha nenhuma semelhança com o concerto real, evoca um evento cinematográfico próprio através de sua elegante edição e cinematografia. É tanto uma homenagem aos musicais clássicos de Hollywood quanto um filme-concerto. Quando eu vi no teatro, o público cantou junto com cada letra e aplaudiu após cada número como se tudo estivesse acontecendo bem na frente deles.
Último filme de Orson Welles e talvez o mais inusitado e inovador, este é mais um documentário que foge do realismo e aposta numa experiência puramente cinematográfica. Nascido de um documentário da BBC sobre falsificação de arte, Welles usa imagens existentes – combinadas com as suas próprias – para desconstruir os conceitos de arte, autoria e, de uma forma atrevida e indireta, o significado da vida. Ele contém um impressionante monólogo de Welles sobre a beleza da catedral de Chartres, e os vinte minutos finais são um tour de force que combina todos os talentos de Welles como ator, escritor, editor e diretor para criar o que equivale a um truque de mágica espetacular que te pega completamente de surpresa. Se alguma vez houve um filme que merecesse uma redescoberta, é este.
Este pode ser o filme menos conhecido da lista, mas também é um dos melhores. O diretor Robert Towne é mais conhecido pelo roteiro que escreveu para Chinatown e pelas cenas que adicionou sem créditos a O Poderoso Chefão, mas ao longo do caminho dirigiu alguns filmes excelentes de sua autoria. Esta cinebiografia do campeão de atletismo Steve Prefontaine é provavelmente a melhor delas. Alguns deles são teatros genéricos de filmes esportivos, mas também têm Donald Sutherland e Billy Crudup talvez nas melhores atuações de suas respectivas carreiras. E talvez único entre os filmes de esportes, trata-se de um atleta cujo objetivo não é vencer, mas transformar seus esforços em uma obra de arte. É um filme fascinante sobre um indivíduo fascinante e o homem que o treinou e lutou em cada passo do caminho.
Brian DePalma está passando por uma crise ultimamente, mas antigamente ele dirigiu alguns grandes thrillers. Este é um de seus primeiros thrillers e o menos conhecido. É uma história estranha, grotesca e às vezes surrealista sobre uma mulher que parece normal, mas parece explodir em ataques de fúria psicopática e assassina sem aviso prévio. Mas ela não é tudo o que parece ser. Em uma reviravolta incomum entre os thrillers, seu final não é um cenário de ação, mas uma jornada psicológica: DePalma mostra sua genialidade visual combinando diferentes filmes e lentes, bem como uma trilha sonora dissonante para entrar na mente perturbada do protagonista e revelar seu segredo obscuro.
Woody Allen é mais conhecido por suas comédias e, embora este filme seja engraçado, é também um tributo melancólico ao jazz e ao romance agridoce. Ambientado na década de 1930, Sean Penn interpreta um guitarrista incrivelmente talentoso que também é arrogante, egocêntrico e condenado à solidão. Allen claramente adora o mundo do jazz, e este filme evoca lindamente uma época passada, quando era uma forma musical vital. Ao longo do caminho, grandes nomes da vida real como Django Rheinhardt aparecem, e o filme termina como uma meditação sobre o preço que os artistas costumam pagar para criar seus melhores trabalhos.
Todo mundo se lembra de O Exorcista, mas quase ninguém sabe que William Friedkin deu continuidade ao clássico conto de terror com um filme que afundou sua carreira e pode ser sua obra-prima. Um remake solto do thriller francês The Wages of Fear, o filme segue quatro fugitivos escondidos em uma vila sul-americana que devem transportar uma carga de explosivos pela selva se quiserem escapar do inferno esquálido em que estiveram. encurralado. A qualquer momento, eles podem morrer numa explosão de fogo ou nas mãos da natureza impiedosa que os rodeia. Quando o filme atinge seu clímax, ele atinge um ponto de tensão tão alta que você nem consegue se mover enquanto assiste. Lançado logo após Star Wars, a visão sombria de Sorcerer sobre os caprichos do destino se perdeu em um verão dedicado ao otimismo e à ação de ficção científica, mas Friedkin nunca fez um filme melhor, e merecia e merece melhor.
Nicholas Roeg pessoalmente pode ser a imagem do cavalheiro inglês, mas em seus filmes ele tem sido um artista diabolicamente subversivo e controverso. Este é provavelmente o seu filme mais ousado e perturbador. A história de uma relação sexual obsessiva entre dois americanos em Viena, contém ótimas atuações de Theresa Russell e – entre todas as pessoas – do cantor Art Garfunkel, que consegue interpretar um personagem difícil que é ao mesmo tempo um acadêmico refinado e um sádico violento. Mas junto com ele está Harvey Keitel, que rouba todas as cenas em que aparece como um policial vienense que joga um perigoso jogo de gato e rato com o arrogante Garfunkel, que esconde um segredo horrível. Enquanto isso, a câmera lenta e implacável de Roeg paira sobre tudo enquanto o diretor alterna entre o presente e o passado; revelando lentamente um crime terrível que no final parece inevitável. É um dos retratos mais impiedosos da sexualidade e da violência humana já cometidos no cinema. Desanimados com o seu conteúdo explícito e chocante, o público manteve-se afastado e os críticos denunciaram-no como doentio e pervertido. Sua reputação melhorou ao longo dos anos, mas ainda permanece em grande parte desconhecido ao lado dos filmes de maior sucesso de Roeg, como Don’t Look Now.
Hoje, Steven Soderberg é um diretor aclamado e vencedor do Oscar. Mas depois de sua estreia de sucesso com Sex, Lies, and Videotape, que muitos consideram ter desencadeado o movimento do cinema independente americano, ele passou por um longo período de luta e obscuridade. Este estranho pequeno thriller foi um dos resultados. Mal foi lançado naquela época, mas vale a pena dar uma segunda olhada. Uma homenagem aos filmes de vingança dos anos 60, como Get Carter, e aos experimentos subversivos de Jean-Luc Godard, como Breathless, tem uma das melhores performances do veterano ator britânico Terence Stamp e um retorno surpreendentemente superior à tela do ícone dos anos 60, Peter Fonda. Embora à primeira vista pareça uma simples história de um homem em busca de vingança, acaba sendo o estudo do personagem de um criminoso idoso que percebe, pela primeira vez em sua vida, o preço que outras pessoas pagaram por seus crimes. Mais cedo ou mais tarde, receberá o crédito que merece.
