Eu adoro musicais. Lá. Eu já disse isso. E talvez isso faça de mim uma das almas mais raras do mundo, porque os musicais têm se tornado cada vez menos populares (e cada vez menos comuns) desde a década de 1960. Nos últimos tempos, os musicais ficaram quase totalmente restritos aos teatros. Algo que tenho certeza que todos vocês estão profundamente tristes.
Aqueles que são convertidos em filmes são muitas vezes completamente incapazes de suportar o peso de um musical de palco ou de traduzir o melodrama em algo com o qual o público possa se identificar. Isto levou a muitos fracassos: Os Produtores (2004), O Fantasma da Ópera (2005) e RENT (2005), para citar talvez os mais conhecidos. Gostei dos três filmes, mas mais por um preconceito arraigado do que por serem bons exemplos do que um musical deveria ou poderia ser.
Portanto, eles não aparecem nesta lista. O que estarão aqui são exemplos de filmes musicais que deram nova vida a uma antiga forma de entretenimento, ou simplesmente foram alguns dos melhores exemplos de teatro musical já trazidos para a tela. Eles foram elogiados tanto pela crítica quanto pelo público, alguns até atraindo a atenção do Oscar (e alguns realizando o próprio Oscar), e durarão e ainda serão lembrados daqui a dez, vinte e até cinquenta anos. Não se esqueça de segurar os aplausos até o final.
Lançado em 1952, em meio ao que muitas vezes é apelidado de “Era de Ouro dos Musicais”, Cantando na Chuva tem sido um dos exemplos mais duradouros do cinema musical. Estrelado por Gene Kelly, Donald O’ Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen e uma curta, mas extraordinária participação especial de Cyd Charisse, este musical apresenta algumas das melhores danças de seu tempo. Não só isso, mas talvez possua uma das cenas mais reconhecidas do cinema até hoje. Foi indicado a dois Oscars, incluindo uma indicação de Melhor Atriz Coadjuvante pela atuação de Jean Hagen como a astuta Lena Lamont.
Conta a história do nascimento dos ‘talkies’ (ou imagens faladas) na América. O ano é 1927, e The Jazz Singer se tornou um grande sucesso como o primeiro filme a mostrar seus atores cantando e conversando. Don Lockwood (Gene Kelly) é a estrela da Monumental Pictures e vem produzindo sucessos com sua horrível co-estrela Lena Lamont desde sua descoberta pelo estúdio, quando ele era apenas um humilde dublê. Fazer um filme falado não seria uma tarefa tão difícil se não fosse pela total falta de talento ou graça de Lena na tela, agora que a implacável adição de som revelou sua pior qualidade.
Cena memorável: Embora a dança de Gene Kelly na chuva seja fantástica, há muitas outras performances brilhantes. É impossível ignorar Cyd Charisse no papel de uma dançarina sem nome na montagem “Broadway Melody”. Ela seduz o personagem de Gene Kelly antes de partir seu coração, e o público está inegavelmente certo disso, mesmo que nenhuma fala seja dita. Seu número de dança alegre e sedutor em um vestido verde esmeralda é quase picante.
Este musical foi um enorme sucesso de bilheteria após seu lançamento em 1953, mas cinquenta e oito anos depois, a atuação ardente de Marilyn como Lorelei Lee, uma dançarina caçadora de ouro, ainda é amplamente popular e famosa. Principalmente graças à cena em que ela canta “Diamonds Are a Girl’s Best Friend”, enquanto usava seu icônico vestido rosa. O musical também apresenta outro símbolo sexual, embora menos conhecido, Jane Russell, que faleceu no início deste ano.
O filme está praticamente transbordando do apelo sexual das duas mulheres, dos figurinos e dos números musicais espetaculares. Foi amplamente comemorado, não apenas por estas razões, mas porque consolidou o status de Marilyn como estrela. Antes de Gentlemen Prefer Blondes, ela era considerada uma atriz relativamente pequena, que não estava no mesmo nível de outros símbolos sexuais, como Jane Russell e Betty Grable. Depois, porém, ela alcançou fama mundial.
Cena memorável: sem dúvida Marilyn cantando “Diamonds Are a Girl’s Best Friend”. Ela raramente esteve tão bonita ou pareceu tão controlada durante uma apresentação. Apesar de não ser dançarina ou cantora, ela irradia graça (e praticamente transborda de apelo sexual) e apresenta uma voz surpreendentemente boa. O figurino e o cenário são deslumbrantemente brilhantes, mas o diretor tem o cuidado de garantir que nada nem ninguém supere Marilyn em sua performance mais icônica, o que é mais óbvio por sua escolha de cobrir o rosto das dançarinas com uma rede preta.
The King and I praticamente exemplifica o grandioso e arrebatador musical de palco que o público do cinema odeia, mas, apesar disso, foi um dos poucos desse tipo que não apenas se traduziu extremamente bem para a tela, mas também alcançou altas bilheterias e resultados positivos. reações do público e da crítica. Baseado no século XIX, conta a história de Anna Leonowens (Deborah Kerr), uma professora inglesa contratada para ensinar e cuidar dos filhos do rei do Sião (Yul Brynner). Apesar de às vezes apresentar os estereótipos raciais frequentemente aceitos de sua época, The King and I também apresenta muitas canções que ainda são amadas e amplamente reconhecidas: “Getting To Know You”, “Shall We Dance?” e “I Whistle A Happy Tune”, para citar alguns.
The King and I foi indicado a um total de nove Oscars (incluindo Melhor Filme, Melhor Diretor e Melhor Atriz) e ganhou 5 das categorias em que foi indicado, incluindo o prêmio de Melhor Ator pela atuação de Yul Brynner.
Cena memorável: A cena mais esplêndida visual e musicalmente deve, sem dúvida, ser a cena em que o Rei e Anna valsam (bem, fazem a polca) ao som da música “Shall We Dance?” Praticamente exala tensão sexual. É a óbvia atração e amizade entre o Rei e Anna que ajuda a tornar o filme tão fascinante, já que claramente teria sido amplamente condenado que os dois estivessem romanticamente envolvidos na época em que o filme se passa (ou mesmo durante o tempo em que foi). lançado) e torna o filme poderoso e visualmente deslumbrante.
O início de My Fair Lady foi controverso. Julie Andrews, que interpretou Eliza Doolittle na produção teatral, foi considerada pela primeira vez para o papel no cinema antes de ser quase imediatamente desconsiderada. As razões são especulativas; a explicação dos produtores foi que eles achavam que escalar uma atriz de teatro para uma produção multimilionária era muito arriscado. No entanto, é provável que ela simplesmente não tenha sido considerada detentora de poder estelar suficiente para um grande musical de Hollywood. Audrey Hepburn era amplamente considerada uma beldade e já era uma atriz consagrada após suas atuações em outros clássicos como Breakfast At Tiffany’s (1961) e Paris When It Sizzles (1964).
Outras controvérsias se seguiram, principalmente centradas na escolha de dublar 90% das partes cantadas de Audrey Hepburn com a voz de Marni Nixon. Uma escolha que incomodou Audrey e é considerada uma das razões pelas quais ela foi rejeitada na indicação ao Oscar.
No entanto, apesar desses contratempos, o lançamento de My Fair Lady arrecadou US$ 72 milhões de bilheteria e foi indicado a doze Oscars (incluindo Melhor Ator Coadjuvante e Melhor Atriz Coadjuvante). Ganhou impressionantes oito dessas indicações. Essas vitórias incluíram Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Fotografia e um prêmio de Melhor Ator pela atuação de Rex Harrison como Henry Higgins, o arrogante professor de fonética que aposta em ser capaz de transformar uma florista Cockney em uma “dama de verdade”.
Cena memorável: My Fair Lady satiriza brilhantemente a diferença de classe, mas nunca mais perfeitamente do que na “cena da pista de corrida”, onde a verdadeira natureza de Eliza é infelizmente revelada através de sua incapacidade de manter conversa fiada, em vez disso embarcando em uma história de como sua tia era “ feito em ”sobre um chapéu de palha, e depois perdendo completamente a cabeça quando a corrida começa.
Apesar do que muitos poderiam dizer que foi um ato bastante frio por parte dos produtores de My Fair Lady, Julie Andrews estrelou um musical de sua autoria muito popular e bem-sucedido, no mesmo ano em que My Fair Lady foi lançado. Mary Poppins realmente dispensa apresentações, porque tenho quase certeza de que a maioria das pessoas conheceria essa história. Caso contrário, trata-se de uma família na Inglaterra eduardiana que é visitada por algo que só pode ser descrito como uma “babá mágica”.
Como uma produção da Disney, Mary Poppins teve quase garantida uma resposta calorosa nas bilheterias, mas duvido que alguém pudesse ter percebido o quão duradouro o filme seria. A música é excelente, e por que não seria com uma voz como a de Julie Andrews no papel-título? É duvidoso que o musical tivesse o mesmo brilho sem Julie Andrews. Sua bela voz é atemporal e carrega cada música sem esforço. Também se pode perdoar o sotaque cockney terrivelmente ruim de Dick Van Dyke e, em vez disso, focar no calor e no humor que ele trouxe ao personagem Bert.
É impossível dizer se um musical será abraçado como este, mas penso que a sua capacidade de entreter crianças e adultos é um dos seus muitos pontos de venda. Os cenários intrincados ajudam a criar a atmosfera abafada da Londres eduardiana, e as performances entusiasmadas e comprometidas de todo o elenco, até mesmo dos dois filhos Jane (Karen Dotrice) e Michael (Mathew Garber), transformam o que poderia ter sido um musical muito esquecível em algo. duradouro e amado por muitas pessoas.
Superou My Fair Lady nas indicações ao Oscar, garantindo treze indicações, incluindo Melhor Filme e Melhor Diretor, mas só conseguiu ganhar cinco. No entanto, foi, e ainda é, o maior número de Oscars já ganho por um filme da Disney. Julie Andrews levou o prêmio de Melhor Atriz, um tanto ironicamente, visto que Audrey Hepburn nem havia recebido uma indicação por seu papel em My Fair Lady.
Cena memorável: tantos para escolher. A cena da corrida de cavalos onde Mary, Bert e as duas crianças pulam magicamente em um dos desenhos de Bert é adorável e tem dois de seus muitos números musicais adorados: “Jolly Holiday” e, claro, “Supercalifragilisticexpialidocious” (sim, eu copiei e colei isso). Mas acho que outro destaque é “Step In Time”, quando eles escapam pelos telhados de Londres e encontram os sujos amigos limpadores de chaminés de Bert. É uma ótima sequência de dança. Estou começando a perceber que, se você ainda não viu esse filme, pode estar começando a soar como uma fantasia movida a drogas de alguém, mas garanto que é um pequeno filme muito charmoso e engraçado, e bastante adequado para crianças.
Tudo bem, eu menti. Nem todos os filmes desta lista tiveram um bom desempenho quando foram lançados nos cinemas. Rocky Horror, por exemplo, se saiu muito mal. Na verdade, foi um fracasso total. No entanto, muito em breve expiou isso seriamente. No final da década de 1970, começou a ser exibido nas infames exibições da meia-noite e rapidamente reuniu um enorme culto de seguidores em todo o mundo. Desde então, tornou-se o filme mais antigo da história do teatro e ainda hoje é exibido nos cinemas de todo o mundo todas as semanas.
É, no entanto, sem dúvida, uma fórmula estranha para um musical: duas “crianças normais e saudáveis” (na verdade, um casal de noivos) que se vêem envolvidas num bizarro jogo de gato e rato com o excêntrico cientista Doutor Frank-N-Furter. interpretado por Tim Curry. Mas não há dúvida de que a longevidade deste musical foi cimentada através deste total desrespeito pela realidade ou pelo cinema convencional. Ele satiriza uma série de outros filmes, como filmes B, ficção científica, filmes de terror e até outros musicais, ao mesmo tempo que cria suas próprias músicas brilhantemente cativantes.
Os personagens principais, simples e práticos, Janet (Susan Sarandon) e Brad (Barry Bostwick) são ridicularizados impiedosamente enquanto são jogados em uma situação que é cada vez mais desconfortável e bizarra. Tim Curry é perfeito como o promíscuo e completamente perturbado Dr. Frank-N-Furter.
Cena Memorável: A cena “Doce Travesti”. O que mais? Tim Curry explode na tela vestindo muito pouco, horrorizando completamente os dois recém-chegados, Brad e Janet. Há algo a ser dito sobre um homem que fica bem de náilon. E quem consegue cantar tão bem usando saltos tão altos. Também darei menções honrosas a “The Time Warp”, que continua sendo um dos favoritos nas festas escolares em todos os lugares, e “Hot Patootie”, que estrela Meat Loaf como um ex-entregador descontente.
Sem dúvida o musical de maior bilheteria da década de 1970, Grease é outro filme musical que é muito querido há décadas. Isto pode ser devido, em parte, ao seu poder estelar. Com Olivia Newton-John e John Travolta no comando como Danny Zuko e Sandy Olsen, foi abençoado com longevidade, já que muitas outras estrelas musicais podem cair na obscuridade.
Mas, além disso, também trouxe para a tela o musical teatral em que foi baseado, com entusiasmo e ousadia, não hesitando em retratar alguns dos temas mais polêmicos, como beber e fumar entre adolescentes e a suspeita de gravidez não planejada do personagem Rizzo. Ele também tinha uma trilha sonora muito apreciada, músicas como “Summer Nights”, “Greased Lightning” e “You’re The One That I Want”. Na verdade, “Summer Nights” e “You’re The One That I Want” foram ambos sucessos número 1 no Reino Unido, e a música título, “Grease” de Frankie Valli, foi um hit número 1 nos EUA e foi especialmente escrito para o filme.
Cena memorável: Novamente, há tantos neste filme. É sem dúvida um dos mais reconhecidos pelo público pelo seu cenário icónico dos anos 50 e pelas muitas canções clássicas que produziu. A cena do baile se destaca, porém, não só por dar vida à música e ao clima dos anos 1950, mas pela mistura de drama e humor. A comoção de Sandy ser usurpada por Cha-Cha logo é atenuada quando alguns dos jovens mais turbulentos decidem dar um novo significado à música “Blue Moon”.
Este musical é um pouco diferente, não só porque é obviamente uma animação, mas porque é o único filme da lista que originalmente era um filme e depois foi adaptado para o palco. A produção teatral é magnífica, mostrando não apenas o brilhantismo na atuação e no canto, mas também nos figurinos complexos que dão vida às planícies africanas. O musical ganhou prêmios no palco e na tela, incluindo dois Oscars.
Muitas vezes citado como uma das melhores criações da Disney até hoje, ele se concentra no jovem leão, Simba, que entra em conflito depois que seu malvado tio Scar garante a morte de seu pai. É baseado na peça Hamlet de Shakespeare. O filme apresenta uma ampla gama de talentos: Mathew Broderick, Nathan Lane, Rowan Atkinson e Whoopi Goldberg, para citar alguns, e os produtores estavam claramente dedicados a serem tão realistas e leais quanto possível na sua representação de África.
A história também se destaca por sua tragédia e realismo. A morte nunca está longe nas planícies africanas que Simba vagueia, e existem alguns personagens verdadeiramente maus e destrutivos que desejam mal ao jovem príncipe. Suas raízes shakespearianas ajudam a encontrar um enredo verdadeiramente comovente e dramático, enquanto a música é simplesmente linda. Não parece que foi adicionado posteriormente, como acontece em muitos outros filmes de animação, mas parece profundamente enraizado no enredo.
Cena Memorável: Acho necessário mencionar um momento musical e não musical. Eu particularmente acho que a música “Be Prepared” é uma cena brilhantemente eficaz e visualmente rica, que também serve para deixar bem claras as intenções de Scar para o público. Uma cena não musical que frequentemente capturou a imaginação do público é aquela logo após a desventura de Simba com as hienas, onde seu pai Mufasa descreve as estrelas para Simba como “reis do passado” e ensina Simba sobre seu futuro como rei.
Moulin Rouge é outra exceção nesta lista. Não foi, e ainda não é, um musical de palco, mas é certamente um musical digno de nota. Estrelado por Nicole Kidman e Ewen McGregor, este musical quebra os moldes do musical tradicional, injetando música moderna para criar o que é conhecido como “musical jukebox”. Embora esses musicais sejam frequentemente criticados por dependerem demais de músicas já estabelecidas ou simplesmente por adicionarem música à mistura, o Moulin Rouge usou habilmente a música moderna para melhorar o enredo e criar o ambiente vívido e colorido do bordel parisiense, o Moulin Rouge. .
A história gira em torno de Christian, o arquetípico “escritor sem um tostão” que acredita na verdade, na beleza, na liberdade e, acima de tudo, no amor. Ele se apaixona por Satine, uma bela cortesã que trabalha no Moulin Rouge, mas não é seu único admirador. Um dos aspectos mais refrescantes deste musical é que toda a cantoria é feita pelos próprios atores. Os vocais de Nicole e Ewan são surpreendentemente bons e carregam as músicas extremamente bem. No estilo característico de Baz Luhrmann, os números musicais são arrebatadores e dramáticos, e o cenário é tão vívido e esplêndido que é quase claustrofóbico. Há tanta coisa para ver que quase se torna avassalador, mas isso incorpora perfeitamente a atmosfera de como deveria ser a vida noturna de Paris em 1900.
Foi indicado a oito Oscars, incluindo Melhor Filme, Melhor Atriz e Melhor Fotografia, e também ganhou vários outros prêmios, incluindo três Globos de Ouro e um BAFTA pela atuação de Jim Broadbent.
Cena memorável: O final é notável por sua música arrebatadora e visuais impressionantes, bem como por seu crescendo dramático e trágico. A introdução de Christian ao submundo de Paris também é uma cena brilhante, tanto pela cor e magnificência dela quanto pela reação apropriada de “coelho nos faróis” de Ewen McGregor à sua primeira visão de Satine. Nicole Kidman presta homenagem a Marilyn Monroe, cantando “Diamonds Are a Girl’s Best Friend”, mas adotando uma abordagem mais alegre e moderna do clássico.
Único musical desde 1968 a ganhar o prêmio de Melhor Filme, Chicago renovou o interesse do público pelos musicais e seguiu o exemplo do Moulin Rouge de tornar os musicais mais corajosos, mais sexy e, portanto, mais atraentes para os cinéfilos modernos. No comando estavam Renee Zellweger, Catherine Zeta-Jones e Richard Gere, que não apenas cantaram sozinhos, mas também passaram por treinamento para que pudessem dançar sozinhos. Eu chegaria ao ponto de dizer que isso foi melhor do que a produção teatral. Tem uma aspereza e uma escala grande que parece um pouco estranha e comprimida no palco.
A própria história fala de duas assassinas, Velma Kelly (Catherine Zeta-Jones) e Roxie Hart (Renee Zellweger), que são enviadas para a prisão do condado de Cook por assassinato. Velma é uma dançarina de boate que é presa por atirar no marido e na irmã depois de encontrá-los na cama juntos, e Roxie é uma aspirante a estrela que mata o namorado a tiros depois que ele não cumpre sua promessa de torná-la famosa. Sob o olhar atento da Matrona “Mama” Morton (Queen Latifah), ambas traçam planos para escapar das garras da lei, com a ajuda do advogado Billy Flynn (Richard Gere).
É quase certo que este musical teve sucesso devido ao uso sábio de números musicais. Muitas pessoas não gostam do uso de “diálogo cantado” fora do teatro e, como os outros musicais desta lista, Chicago usou a música para colorir o ambiente e proporcionar entretenimento, em vez de apenas para avançar o enredo, que muitas vezes pode ser enfadonho e lento. . Seus números são alegres, provocativos e extremamente cativantes.
Os números notáveis são: “Funny Honey”, onde Roxy canta sobre como ela sempre pode contar com seu marido estúpido para assumir a culpa por ela, “All That Jazz”, uma introdução às travessuras picantes de Velma Kelly em sua noite. club, “Cell Block Tango”, uma montagem de todas as mulheres do corredor do assassinato e seus vários crimes violentos, e “Hot Honey Rag”, o final de Velma e Roxy. Mas quase todos os números são cativantes e visualmente interessantes; não há a sensação de que nenhuma música em particular seja um “número chato”. Talvez porque haja muito pouco sentimentalismo neste filme, e ainda menos dependência de usar a música apenas para avançar a história.
Como disse antes, este filme conquistou o prêmio de Melhor Filme em 2002. Algo que desde então incomoda muita gente, o que é um bom exemplo da recepção com que a maioria dos musicais é recebida. Muitas vezes são jogados na mesma cesta das comédias quando se trata do Oscar e certamente não são populares na Academia desde o final dos anos 1960.
Cena Memorável: Acho difícil escolher uma, mas acho Cell Block Tango excelente. Tem a quantidade certa de apelo sexual e fator de choque, e a dança é brilhante. Todo o elenco é extremamente talentoso.
Se eu fosse forçado a escolher um musical favorito desses, provavelmente escolheria Sweeney Todd. Enfatizo que “provavelmente”. Este é outro exemplo do gênero “musicais para quem odeia musicais” ao qual pertencem Chicago e Moulin Rouge. Mas em vez de sexo, usa sangue para atrair o público. Muito e muito sangue. Embora, é certo, isso seja provavelmente mais resultado de ter Tim Burton como diretor, que nunca foi tímido quando se trata de violência horrível.
De qualquer forma, Sweeney Todd traduziu extremamente bem suas origens no palco, em que Angela Lansbury (o bule de “A Bela e a Fera” para aqueles que não acompanham avidamente as intermináveis reprises de “Murder, She Wrote” ”) interpretou a Sra. Lovett. O filme tem um elenco próprio absolutamente soberbo, apresentando alguns grandes jovens talentos ingleses, bem como alguns talentos bem estabelecidos: Johnny Depp e Helena Bonham Carter no comando, com Alan Rickman, Timothy Spall e Sacha Baron Cohen (sim, o cara que interpretou Borat) como co-estrelas igualmente excelentes.
A história se passa na Londres vitoriana e Tim Burton criou com amor o mundo mais sombrio, sombrio e sombrio que ele poderia imaginar. Sweeney Todd voltou da Austrália depois de cumprir quinze anos por um crime não identificado que não cometeu. Ele foi condenado injustamente pelo juiz Turpin (Alan Rickman), um desviante sexual extremamente rico e poderoso, que estava de olho na esposa de Sweeney. Sweeney retorna a Londres apenas querendo reencontrar sua esposa, mas ao retornar encontra sua casa vazia, sua esposa morta e sua filha nas garras do homem que destruiu sua vida. Sweeney fica furioso e começa a fazer planos para massacrar o juiz e qualquer outra pessoa que tenha a infelicidade de ficar em seu caminho.
Está extremamente escuro. Ao contrário de muitos outros musicais, não foge do sangue, da violência e de temas extremamente sombrios. Mas, apesar de sua severidade, há muitas coisas visualmente esplêndidas neste filme. Pode parecer estranho afirmar isso, porque o cenário parece bastante monótono e desbotado, mas a vingança sangrenta de Sweeney sobre cada homem que tem a infelicidade de ir até ele para fazer a barba é quase artística em sua violência e sangue.
Cena memorável: A montagem de Sweeney cortando a garganta de seus clientes enquanto cantava sobre sua dor ao perder sua esposa e filha é assustadora, mas também muito engraçada, mas “A Little Priest” é um exemplo brilhante da capacidade de Johnny Depp de se perder quase completamente em seu personagem. Nessa cena ele e a Sra. Lovett traçam um plano para se livrarem dos corpos que podem começar a se acumular se não encontrarem uma forma adequada de eliminá-los. Felizmente, a Sra. Lovett tem um plano delicioso.
