A vanguarda é apenas a norma que ainda não aconteceu. Certamente esse parece ser o caso da maioria das obras históricas de “vanguarda” que até agora foram nomeadas para o Registro Nacional de Filmes da Biblioteca do Congresso.
O National Film Registry reconhece anualmente filmes produzidos nos Estados Unidos que foram considerados “culturalmente, historicamente ou esteticamente importantes” e, portanto, que necessitam de preservação permanente pela maior biblioteca do país. O que entra na lista a cada ano é a decisão do Bibliotecário do Congresso com as recomendações do National Film Preservation Board, grupo de 44 membros formado por profissionais da indústria cinematográfica americana. Votos públicos também são aceitos e considerados em todas as discussões.
Desde 1989, quando o Registro foi fundado, pelo menos 25 filmes foram adicionados todos os anos. Hoje, mais de 500 filmes estão no Registro, incluindo ‘E o Vento Levou’, ‘ET’, ‘Branca de Neve’, o filme de Zapruder, ‘Cidadão Kane’ e ‘O Mágico de Oz’, juntamente com notícias, documentários e clássicos mudos.
Desde a sua criação, o Bibliotecário e o Conselho têm trabalhado para incorporar obras de vanguarda no Registro, reconhecendo o importante papel que os cineastas experimentais desempenham no avanço da arte da produção cinematográfica. Embora, quando vistos hoje, muitos deles ainda pareçam estar na vanguarda, neles também se pode reconhecer técnicas de cinema e de contar histórias que agora são comuns entre cineastas populares e contemporâneos.
Oskar Fischinger, nascido na Alemanha, foi um pintor, cineasta e animador cujo trabalho envolveu cores brilhantes e formas abstratas, bem como técnicas inventivas de fotografia e cinema para capturá-las. A sua ‘Pintura em Movimento N.º 1’ é composta por uma série de pinturas a óleo sobre vidro acrílico repetidamente sobrepostas umas sobre as outras que depois, através da fotografia stop-motion, fazem com que pareçam mover-se e transmutar-se, multiplicar-se e recuar. As pinturas “em movimento” são sincronizadas com os acordes do Terceiro Concerto de Brandemburgo de Bach. O filme finalizado de Fischinger influenciaria cineastas e animadores nas gerações futuras. Entre eles: Norman McLaren, Jordan Belson e Harry Smith. Você pode assistir ao filme aqui .
Artista e escultor americano, conhecido por suas montagens únicas, Robert Cornell mais tarde traria seu olhar artístico para a produção de filmes experimentais. Seu primeiro trabalho concluído foi ‘Rose Hobart’. ‘Rose’ é composto de filmagens ‘encontradas’ que Cornell comprou em lojas de lixo e outros lugares, muitas delas retiradas do filme de 1931 ‘East of Borneo’, estrelado pela atriz Rose Hobart. Concebido como uma ‘homenagem’ ao luminoso Hobart, o filme intercala imagens muitas vezes lentas e não lineares da atriz com imagens de um eclipse e um vulcão, entre outras tomadas fora de contexto. Cornell – como poderia ter feito numa das suas caixas montadas – está a brincar com combinações, contradições e percepções, interrompendo o surrealismo numa forma cinematográfica.
O conto clássico do macabro de Edgar Allen Poe serve de base para este filme de vanguarda de 13 minutos de James Sibley Watson e Melville Webber. Surpreendentemente estilizado em composição, figurino e cenografia, esta versão do clássico do terror está tão interessada nos fundamentos psicológicos do conto quanto em sua história assustadora. Repleto de trabalhos inovadores de edição, iluminação e câmera, ‘Usher’ parece tão moderno hoje quanto quando estreou no Film Arts Guild em 1929.
O filme experimental de 14 minutos de 1943, dos cineastas marido e mulher Maya Deren e Alexander Hammid, é hoje reconhecido como um dos clássicos do cinema de vanguarda. De estilo noir e narrativa multifacetada, muitas vezes são necessárias visualizações repetidas para desconstruir suas imagens e interpretar seu denso simbolismo. Sua narrativa visual aventureira distorce as convenções convencionais do cinema e, ao mesmo tempo, reinterpreta vários aspectos da própria “realidade”.
De certa forma, tanto um exercício de matemática quanto um estudo de filme, ‘Powers of Ten’ foi produzido pela visionária dupla de designers Charles e Ray Eames. Seu curta faz excelente uso do meio para transmitir conceitos de escala, tempo e distância. Começando com a foto de um jovem casal fazendo um piquenique, uma câmera suspensa, posicionada a um metro do objeto, começa a se afastar lentamente em incrementos de 10 x 10 – 10 metros a cada 10 segundos. Com o tempo, o casal se torna apenas uma visão distante, à medida que são ofuscados primeiro por sua vizinhança, depois por sua cidade, depois por seu continente e depois pelo planeta. O filme posteriormente inverte e amplia, eventualmente atingindo o nível molecular. Anunciado no início como “um filme sobre o tamanho relativo das coisas no universo”, no final dos seus nove minutos, “Powers of Ten” revelou o mundo simultaneamente como um lugar muito grande e muito pequeno.
‘Salome’ é a interpretação impressionista e surrealista da atriz/produtora Alla Nazimova do clássico decadente de Oscar Wilde. Nascida em Yalta em 1879, Nazimova (como muitas vezes era simplesmente chamada) começou sua carreira nos palcos russos antes de vir para a América em 1906. Ela fez sua estreia no cinema em 1916 e rapidamente se estabeleceu como uma das artistas mais aclamadas da era do cinema mudo. . Conhecida por sua atuação estilizada, a atuação descomunal de Nazimova combina com os figurinos, cenários teatrais e humor às vezes bizarros deste filme. Um fracasso crítico e financeiro na sua época, ‘Salomé’ é hoje reconhecido como um dos grandes ‘filmes de arte’ do cinema, progressista no seu estilo e imagem.
Marie Menken foi pintora, cineasta e boêmia versátil. Em seu casamento volátil com o colega cineasta Willard Mass, ela supostamente também foi a inspiração para a personagem Martha em ‘Quem tem medo de Virginia Woolf?’, de Edward Albee. Seu apropriadamente intitulado ‘Glimpse of the Garden’ parece inspirado em suas pinturas. Para ‘Glimpse’, Menken foca sua câmera nas flores e plantas de um jardim, às vezes em close-up extremo, com imagens mutáveis editadas ao som dos pássaros da região que atuam como a única trilha sonora do filme. Seu olhar aguçado e sua edição elevam esta filmagem de um jardim ‘comum’ a um poema de tom memorável.
Talvez a primeira declaração pró-tabagismo do cinema, o filme silencioso de aproximadamente cinco minutos ‘Princess Nicotine’ mistura ação ao vivo, animação e alguns impressionantes efeitos especiais iniciais para contar sua história simples (quase um conto de fadas) da interação de um fumante de charuto com um pequeno sprite – a fada mágica padroeira dos cigarros, pode-se adivinhar. O filme também é, provavelmente, o primeiro exemplo de colocação de produto bem-sucedida – os cigarros e charutos Sweet Corporal são amplamente apresentados. O filme foi dirigido por J. Stuart Blackton.
Depois de conquistar o mundo da arte “tradicional” com seus retratos radicais de objetos do cotidiano, como latas de sopa e garrafas de Coca-Cola, o excêntrico artista americano Andy Warhol acabou expandindo seu trabalho para incluir a fotografia e a produção de filmes. Embora alguns de seus filmes possuam alguns traços tênues de enredo, outros dizem respeito mais à desconstrução radical do processo de produção cinematográfica. Isto é especialmente verdadeiro em sua série ‘Screen Tests’, uma coleção de close-ups extremos de famosos e infames, sem som ou, aparentemente, propósito além de determinar o carisma de um indivíduo. Warhol aplicou essa mesma filosofia em seu filme ‘Empire’, de 1964, um single de seis horas de duração, uma tomada estática do Empire State Building, em Nova York, tirada de um prédio do outro lado da rua. Embora considerado por muitos uma novidade banal, ‘Império’ provou ser profético – prefigurando tudo, desde protetores de tela de computador até webcams.
Depois de ser ator infantil durante a ‘Idade de Ouro’ de Hollywood, mas antes de se tornar um notório autor dos livros ‘Hollywood Babylon’, Kenneth Anger foi um cineasta experimental. Sua ‘Ascensão do Escorpião’ (1963) mistura imagens do catolicismo, do nazismo, do homoerotismo e do ocultismo de uma maneira que ainda hoje é controversa. Seu ‘Eaux D’Artifice’ de 1953 é menos turbulento, mas não menos convincente. No filme fortemente azulado, uma mulher (com o rosto escondido) em trajes do século XVIII vagueia entre as fontes de uma aldeia italiana. Tempo, narrativa e até proporção são questionados no filme de Anger, que tem como trilha sonora “Inverno” de Vivaldi.
