A Hollywood que reconhecemos hoje teve origem em 1908. Naquele ano, foi lançado o filme O Conde de Monte Cristo e a indústria partiu para a corrida. Apenas três anos depois, o primeiro estúdio de cinema foi estabelecido em Sunset Boulevard, em Hollywood. Rapidamente, atraiu muitas outras empresas cinematográficas para a Califórnia.
Em 1920, a tecnologia sonora foi introduzida no cinema. Quase imediatamente, isso levou a uma mudança nos objetivos dos estúdios de cinema. Os atores começaram a trabalhar para eles, em vez de de forma independente. Durante esse período, a MGM Films, a Twentieth Century Fox e a Paramount foram consideradas os estúdios mais proeminentes da indústria. Eles pagaram bem às suas maiores estrelas. Mas eles também controlavam suas vidas nos mínimos detalhes.
O chefe do estúdio, Eddie Mannix, da MGM, foi uma das figuras-chave da indústria cinematográfica que trabalhou duro para salvaguardar a reputação de suas celebridades. E ele não foi o único. A Hollywood de antigamente era conhecida por seu brilho e glamour. Havia rumores de que homens como Mannix tinham a capacidade de encobrir qualquer acidente que ocorresse com seus atores. Isso incluiu incidentes menores, como acidentes de carro e gravidezes inesperadas. Também incluiu escândalos muito maiores.
Durante toda a Era de Ouro de Hollywood, da década de 1920 até a década de 1950, os estúdios e seus chefes exerceram um controle quase inacreditável sobre suas estrelas. Ao longo desses anos dourados, os manipuladores de Hollywood obrigaram suas celebridades a obedecer a regras rígidas e exigências de cair o queixo. Nesta lista, veremos 12 das regulamentações mais rigorosas que foram impostas às estrelas e celebridades do cinema durante a Idade de Ouro de Hollywood.
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12 Assine um contrato de longo prazo ou então
No início da agitada década de 1920, os estúdios de cinema de Hollywood enviaram seus caçadores de talentos para encontrar novos atores para transformar em celebridades. Esses olheiros procuraram artistas promissores e assinaram contratos com eles. Os documentos legais muitas vezes duravam vários anos ou mais e destinavam-se a salvaguardar os interesses financeiros dos estúdios, muito mais do que os dos artistas. Sob esses acordos, os atores normalmente ficavam restritos a trabalhar com um estúdio específico para muitos filmes futuros.
Essencialmente, eles não foram autorizados a rescindir o contrato, a menos que fossem liberados depois que o estúdio considerasse que não eram lucrativos. E quando estavam cansados de trabalhar ou exaustos, os estúdios faziam o que quisessem para mantê-los funcionando. Se a relação do ator com o estúdio não fosse satisfatória, ele ficava preso ao contrato pelo prazo estipulado pelo estúdio. Nada os tiraria do acordo, e eles tiveram que segui-lo à risca para serem pagos.
Agora, à primeira vista, pode ter parecido que essas celebridades foram generosamente compensadas pelo seu trabalho na tela. Alguns ícones de Hollywood ganhavam até US$ 5.000 por semana. Isso é uma tonelada de dinheiro em dólares da década de 1920! No entanto, à medida que a fama de um ator aumentava, seu salário normalmente não acompanhava. Os contratos fixavam suas taxas e eles ficavam presos lá, não importando o quão bem-sucedidos se tornassem. Esses contratos também não se limitaram aos atores.
Eles também se aplicavam a diretores, escritores, produtores, cineastas, diretores de arte e técnicos. Todos nos bastidores foram obrigados a acordos muito limitados e adequados ao estúdio. Se não assinassem, não funcionavam. Essa “autossuficiência de estúdio”, como era conhecida, agilizou o processo de produção por um tempo. Mas isso aconteceu às custas das liberdades artísticas dos atores. Ainda assim, durante décadas, as estrelas pouco puderam fazer em relação ao sistema existente. [1]
11 Permaneça leal ou entre na lista negra
Como vimos, durante a Era de Ouro de Hollywood, os atores estavam vinculados por contratos a estúdios cinematográficos específicos. Isto tornou muito difícil para eles explorarem novas funções e oportunidades com empresas rivais. Embora esses contratos muitas vezes trouxessem regalias e benefícios, eles também exigiam um nível de lealdade que limitava o alcance artístico dos A-listers.
Em casos raros, houve ocasiões em que os atores receberam liberação temporária para trabalhar com outros estúdios em determinados filmes. Este acordo, denominado “empréstimos”, seria monitorado de perto pelo estúdio principal para garantir que os atores mantivessem uma imagem positiva.
Um excelente exemplo disso foi Elizabeth Taylor, que esteve sob contrato com a MGM até 1960, mas teve a liberdade de assumir uma variedade de projetos com outros estúdios. Esses projetos incluíam temas mais ousados, como gravidez extraconjugal, homossexualidade e canibalismo. Eles mostraram um lado diferente da atriz em seu trabalho com Metro Goldwyn Mayer.
Mas esse nível de “liberdade”, por mais limitado que fosse, não aconteceu com a maioria das estrelas. Na realidade, os atores estavam vinculados aos seus contratos e eram estreitamente ligados aos estúdios. Se eles não se alinhassem, poderiam ser completamente excluídos da indústria. Veja o caso de Olivia de Havilland, que alcançou a fama por seu papel em E o Vento Levou . Para de Havilland, que tinha contrato com a Warner Bros. desde 1935, ela rapidamente se cansou dos personagens limitados e superficiais que lhe eram oferecidos. Logo, ela recusou as peças que o estúdio lhe daria.
As repercussões de suas ações foram graves. Durante anos, de Havilland foi efetivamente excluído da indústria. Nos bastidores, os executivos da Warner Bros. espalharam a palavra a outros estúdios para não lhe darem emprego por causa de sua atitude difícil. Tudo porque ela queria ter o mínimo de escolha nos filmes que filmaria! Hollywood pode ter parecido um lugar onde as estrelas vivem os seus sonhos, mas a situação nos bastidores era muitas vezes tensa e desconfortável. [2]
10 Nunca recuse um papel!
Dessa forma, os atores ficaram presos em acordos vinculativos com seus estúdios. Isso lhes deixou pouco ou nenhum controle sobre as funções que lhes foram atribuídas. Muitos optaram por cumprir o status quo, pois não queriam perder o emprego. Mas de Havilland adotou uma abordagem diferente. Desafiando a Warner Bros, o estúdio que a contratou em 1935, de Havilland recusou-se a aceitar os personagens simples que lhe eram oferecidos.
Numa entrevista anos mais tarde, a estrela de longa data lamentou como “esses papéis foram concebidos simplesmente para preencher a função rotineira de ‘A Garota’”. E de Havilland queria mais. Como resultado, ela começou a recusar papéis. Isso era inédito nas décadas de 1930 e 1940 e enfureceu os chefes dos estúdios. Imediatamente, a Warner Bros. suspendeu-a do set sem remuneração. Isso ocorreu no auge de sua carreira, quando ela ainda tinha menos de 30 anos. Assim, de Havilland perdeu dinheiro, fama e influência consideráveis ao escolher defender seus princípios.
No entanto, de Havilland estava determinado. Ela também sabia que o sistema era injusto. Não podendo recusar um papel que se opunha a tudo o que deveria ser bom e justo, ela quis revidar. Ela usou o conhecimento jurídico fornecido por seu pai advogado e levou a Warner Bros ao tribunal. Depois de anos, ela saiu vitoriosa. Em 1943, a Secção 2855 do Código do Trabalho – popularmente conhecida como “Lei de Havilland” – entrou em vigor.
Também era conhecida como a “regra dos sete anos” nos contratos e ajudou a desmantelar o sistema de estúdio. Os atores não seriam mais forçados a trabalhar para sempre nos estúdios, não importa o que acontecesse. Claro, sete anos ainda era muito tempo. (E isso também mudaria em breve.) Mas as regras sobre nunca recusar um papel, que vigoravam há décadas, estavam começando a quebrar. Como um biógrafo de Havilland observou sucintamente mais tarde, “foi um grande tijolo na queda do controle do sistema de estúdio”. Mas isso ainda não significava que a vida fosse fácil para as estrelas de Hollywood. [3]
9 Mude seu nome para a fama
Ao longo da Era de Ouro de Hollywood, era comum os atores terem seus nomes alterados pelos estúdios que os levaram à fama. Judy Garland, Marilyn Monroe e Natalie Wood estavam entre as inúmeras estrelas cujas identidades lendárias foram fabricadas pela indústria. As motivações por trás dessas mudanças de nome foram variadas. No entanto, muitas vezes isso era feito para criar uma determinada imagem ou persona.
Na época, muitos estúdios queriam apenas estrelas brancas – com pelo menos a aparência de histórias de fundo tradicionalmente brancas. Por exemplo, Margarita Cansino, a atriz que interpretou Gilda, mudou de nome para se distanciar de sua herança espanhola. Os chefes do estúdio exigiram que ela parecesse mais “totalmente americana” na tela. Essa reformulação da marca apagou efetivamente qualquer vestígio de sua origem étnica. E ela estava longe de ser a única.
A atriz Lucille LeSueur foi forçada a mudar seu nome por um executivo de alto escalão da MGM que considerou seu sobrenome de nascimento desagradável. Seu nome artístico? Joana Crawford. Mas Lucille realmente odiava o nome. Ao longo dos anos, ela desejou nunca ter tomado isso pela fama. Na exposição The Star Machine , Crawford teria detestado profundamente seu novo nome à medida que sua carreira se desenvolvia. Ela sentiu que isso a lembrava de uma lagosta – e não de uma atriz bombástica.
A alteração de nome não se restringiu apenas às estrelas femininas. Os atores masculinos também tiveram que passar por esse processo de eliminação de identidade. Um exemplo notável seria Archibald Alexander Leach. A Paramount Studios odiava esse nome e transformou a estrela por trás dele em ninguém menos que Cary Grant. [4]
8 Enquanto você está nisso, mude sua aparência também
O cofundador dos estúdios Metro-Goldwyn-Mayer, Louis B. Mayer, certa vez proclamou que criar uma celebridade era um processo de bastidores. “Uma estrela é feita, criada, construída com cuidado e a sangue frio do nada”, gabou-se. E ele com certeza não estava mentindo. Durante a Era de Ouro de Hollywood, esta afirmação era verdadeira.
Mayer acreditava que o rosto de uma estrela era o aspecto mais crucial. Se fotografassem bem, o estúdio poderia cuidar do resto. A pressão estava sobre as estrelas para manter um queixo perfeito e uma aparência limpa e clara. Se isso não acontecesse – ou se começassem a envelhecer – Mayer também tinha uma solução para isso.
Hollywood apoiou fortemente o uso da cirurgia plástica já na década de 1920. Essa era uma prática quase inédita em todo o mundo naquela época. Mas em Hollywood as pressões eram grandes e as cirurgias eram comuns. Procedimentos como plástica no nariz e lifting facial estavam sendo realizados em aspirantes a estrelas. Os cuidados de saúde relativamente insignificantes da época às vezes tornavam a recuperação dessas cirurgias muito perigosa.
Esperava-se que as aspirantes a estrelas da indústria do entretenimento estivessem abertas a alterar sua aparência física. Muitos tiveram que transformar totalmente sua imagem se quisessem trabalhar no ramo. Um exemplo notável foi a atriz Rita Hayworth. Ela passou por exaustivos procedimentos de eletrólise por mais de dois anos para mudar a linha do cabelo.
Da mesma forma, Marilyn Monroe, originalmente chamada Norma Jeane Mortenson, foi transformada na icônica loira por meio de descoloração e alisamento de cabelo. Na verdade, ela tinha cabelos castanhos escuros e cacheados quando chegou a Hollywood. Mas a agressiva chefe da agência, Emmeline Snively, disse claramente a Marilyn: “Olha, querida, se você realmente pretende chegar a algum lugar neste negócio, você só precisa descolorir e alisar o cabelo, porque agora seu rosto está um pouco redondo demais”. O conselho chocantemente contundente pegou, e o resto é história. [5]
7 Aceite críticas brutais sobre sua carreira
Durante a Era de Ouro de Hollywood, a aparência tinha grande peso. Mas isso não significava que qualquer pessoa atraente pudesse agir automaticamente. Na verdade, os estúdios estavam dispostos a investir somas substanciais em aulas de atuação para seu faturamento de alto nível. Como Shirley Temple escreveu em sua autobiografia Child Star , enquanto ela estava em ascensão em Hollywood no início da década de 1930, o executivo da Fox, Winfield R. Sheehan, informou a ela e a sua mãe que devido ao seu “potencial”, eles insistiram que ela tivesse aulas de atuação. Para o estúdio, eles estavam dispostos a arcar com o alto custo.
Da mesma forma, após assinar seu primeiro contrato com a MGM, Ava Gardner também foi convidada a frequentar aulas. Mas os chefes do estúdio foram muito mais severos na avaliação de suas habilidades. Durante o teste inicial de Gardner no estúdio, um representante teria declarado: “Ela não sabe atuar; ela não falou; ela é sensacional.” As críticas vieram sem muita almofada! E junto com as aulas de atuação necessárias, Gardner também foi forçado a ter aulas de canto. Os chefes do estúdio queriam que ela abandonasse o sotaque sulista e soasse mais cosmopolita.
Gardner estava longe de ser o único que recebeu treinamento obrigatório. E ela não foi a única estrela que foi brutalmente avaliada na tela. Lauren Bacall recebeu treinamento vocal para desenvolver sua distinta “voz baixa e atraente”. Graças a Deus ela fez isso, porque isso acabaria se tornando sua marca registrada. Mas de acordo com a autobiografia de Bacall, By Myself , as opiniões do diretor Howard Hawks sobre o assunto foram particularmente cruéis. Ele enfatizou a importância da prática diária para manter um tom mais grave.
Como Bacall lembrou, Hawks disse uma vez a ela: “quando uma mulher fica excitada ou emocionada… não há nada menos atraente do que gritar”. Claramente, o trabalho de Hollywood não era para almas sensíveis. Era melhor levar as críticas a sério e melhorá-las – ou você rapidamente perderia o emprego. [6]
6 Aceite esta história falsa sobre sua vida
Nada que você vê em Hollywood é real. Tudo é falso, falso e cuidadosamente elaborado por especialistas em publicidade, chefes de estúdio e produtores executivos. É verdade na era moderna, e certamente era verdade naquela época, durante os anos da Velha Hollywood. Ao longo da Idade de Ouro, os estúdios preferiram estereotipar suas estrelas. Ou assim parecia. Freqüentemente, os departamentos de publicidade dos estúdios simplesmente davam aos espectadores a impressão de que as estrelas eram todas semelhantes. Para fazer isso, eles não mediriam esforços para higienizar detalhes desagradáveis da vida anterior das celebridades.
Veja o caso de Joan Crawford, que nasceu Lucille LeSueur e cresceu durante uma infância particularmente difícil. A MGM fez questão de apagar seu passado, até mesmo se gabando de que a atriz vinha de uma família de elite da Costa Leste. Eles até realizaram um concurso público para permitir que os fãs escolhessem o nome dela! “Cansada da vida social de uma debutante”, vangloriava-se um anúncio de 1925 no jornal serial Movie Weekly , “ela saiu de casa para se tornar atriz”. E com isso nasceu toda uma biografia.
Crawford estava longe de ser o único. Quando Judy Garland engravidou, a MGM se preocupou em arruinar sua imagem “inocente” junto aos fãs. Então, eles ordenaram que ela “acesse mais” para alterar seu ganho de peso. Enquanto isso, os publicitários enviavam rumores aos tablóides sobre como Garland “comia como um motorista de caminhão” para tentar tirar o foco de sua barriga.
Para muitas estrelas, as histórias falsas tornaram-se um fardo para o resto de suas vidas. Rita Hayworth nunca foi capaz de se livrar da marca “femme fatale” que surgiu com sua estrela em Gilda . Certa vez, ela pensou que “todos os homens que eu conhecia foram para a cama com Gilda e acordaram comigo”.
E os protagonistas de Hollywood não foram diferentes. O lendário ator Cary Grant certa vez refletiu que “todo mundo quer ser Cary Grant” antes de acrescentar: “até eu quero ser Cary Grant”. As histórias de fundo eram atraentes demais até mesmo para as próprias estrelas ignorarem. [7]
5 Trabalhe sem pausas – e pílulas pop para continuar
Durante o apogeu de Hollywood, os filmes eram produzidos em um ritmo surpreendente. Os estúdios criaram impressionantes 7.500 longas-metragens entre 1930 e 1945. Esse cronograma de produção alucinante colocou os atores sob imensa pressão. Rapidamente, os estúdios tiveram que encontrar uma solução. E foi horrível: eles simplesmente alimentaram seus atores principais com pílulas.
Segundo o médico da Twentieth Century Fox, Lee Siegel, era muito comum o uso de medicamentos para manter as estrelas mesmo quando estavam cansadas. E se a estrela de cinema queria ou não ser drogada! Siegel prosseguiu dizendo que, no início da década de 1950, “todo mundo usava pílulas”. Era um regime brutal que muitas vezes levava ao vício e às suas consequências devastadoras. Mas, no curto prazo, os chefes dos estúdios poderiam manter suas estrelas trabalhando e ganhar dinheiro produzindo filmes.
Um dos casos de exploração mais reconhecidos ocorreu com a renomada performer Judy Garland. A atriz e cantora, mais conhecida por seu papel em O Mágico de Oz , tinha apenas um dia de folga por semana. Ela frequentemente era obrigada a suportar trechos de 18 horas cantando e dançando continuamente nas outras seis.
Para sustentar seus níveis de energia, o estúdio forneceu-lhe anfetaminas. Eles também administraram pílulas para dormir à noite para que ela pudesse se recuperar do barato. Infelizmente, quando ela tentava procurar ajuda médica ou terapia, qualquer atraso nas filmagens resultaria em deduções de seu salário. A certa altura, ela estava em dívida com a MGM por mais de US$ 100.000.
Tragicamente, aos 47 anos, Garland faleceu de overdose de drogas. Muitos historiadores hoje reconhecem o quão curta sua vida foi interrompida por causa da situação no set. [8]
4 Deus proíba que qualquer protagonista ganhe um quilo
As figuras atraentes das protagonistas da Era de Ouro de Hollywood não eram regularmente exibidas por acaso. Na verdade, manter um físico esguio era uma exigência estrita imposta pelos estúdios. Ganhar peso foi considerado inaceitável. Os contratos tinham até cláusulas proibindo isso. Antes de qualquer grande promoção, novos talentos eram examinados pelos executivos do estúdio. Muitas vezes eram acompanhados por nutricionista.
Infelizmente, os estúdios não hesitaram em demonstrar suas expectativas. Às vezes, eles até brigavam com estrelas femininas de uma maneira verdadeiramente terrível. Por exemplo, o executivo da MGM, Louis B. Mayer, certa vez se referiu a Judy Garland como “uma porquinha gorda com tranças”. Ele insistiu que ela seguisse uma dieta composta apenas de canja de galinha, café preto, cigarros e comprimidos para manter o peso sob controle.
Quando chegou a Hollywood na década de 1920, a atriz sueca Greta Garbo foi confrontada com uma dura realidade. Rapidamente, um produtor teria dito a ela que o público americano “não gosta de mulheres gordas”. Chocado com a declaração, Garbo agiu de acordo. A atriz passou a comer apenas espinafre por um período prolongado.
Além de monitorar a alimentação, as atrizes daquela época também precisavam manter um estilo de vida ativo. Um exemplo disso foi Marilyn Monroe, curiosamente. Ela era conhecida por praticar levantamento de peso, o que na época não era uma prática comum entre atrizes. Monroe compartilhou em uma entrevista ao Pageant em 1952 que ela passava no mínimo 10 minutos todas as manhãs se exercitando com halteres leves.
Como muitas estrelas femininas de sua época, ela sentia uma pressão infinita para permanecer magra e fazia de tudo para fazê-lo – não importando o impacto físico em seu corpo. [9]
3 O que ama a vida?
Apesar do fascínio cintilante do romance na tela retratado nos filmes da Era de Ouro de Hollywood, a realidade fora das câmeras nem sempre foi feliz. Os estúdios exerceram influência significativa sobre a vida pessoal de seus atores. Os relacionamentos românticos da vida real eram frequentemente sujeitos a aprovação – e muitos foram totalmente proibidos. Um exemplo disso ocorreu em 1942, quando o ator de Boys Town , Mickey Rooney, informou ao chefe do estúdio MGM, Louis B. Mayer, sobre seus planos de se casar com a atriz Ava Gardner.
Mayer declarou intransigentemente: “Eu simplesmente proíbo isso. Isso é tudo. Eu proíbo.” Rooney finalmente conseguiu realizar uma cerimônia privada. Mas outros não tiveram a mesma sorte. Houve até boatos de que a atriz Jean Harlow havia sido proibida de se casar com William Powell por causa de uma cláusula desagradável em seu contrato.
Navegar na indústria do entretenimento era ainda mais difícil para os atores que se identificavam como gays naquela época. Durante a Idade de Ouro, os estúdios de cinema muitas vezes forçavam esses artistas a casamentos falsos com outras estrelas. Isso, na opinião dos patrões, era uma forma de esconder do público as suas verdadeiras identidades e ainda assim tornar as estrelas comercializáveis.
Além disso, o aborto foi amplamente aceito em Hollywood durante a primeira metade do século XX. Na época, era até visto como uma forma rotineira de “manutenção do corpo”. Uma atriz anônima explicou aos repórteres que, naquela época, “o aborto era nosso controle de natalidade”. Os estúdios não poderiam se dar ao luxo de perder uma atriz enquanto ela dava à luz um bebê. Então eles cuidavam friamente das coisas, quer a mulher quisesse ou não. [10]
2 Siga as regras sobre o que vestir também
Antes do início da Segunda Guerra Mundial, o estilo de roupa usado pelas mulheres na América era muito mais formal e conservador do que é hoje. Apesar do surgimento da estilista francesa Coco Chanel, que começou a incorporar elementos do vestuário masculino, como calças, na moda feminina no final da década de 1920, as normas sociais permaneceram rígidas nos Estados Unidos. Em 1938, por exemplo, uma mulher em Los Angeles foi encarcerada durante cinco dias pelo crime de usar calças dentro de um tribunal.
A indústria cinematográfica não foi exceção a essa tendência. Um artigo de 1933 da revista Movie Classic afirma que os estúdios emitiram diretrizes formais instruindo suas atrizes a evitar serem fotografadas ou citadas em roupas tradicionalmente usadas por homens.
Hollywood nas décadas de 1930 e 1940 era conhecida por seu código de vestimenta rígido. Exigia que as atrizes usassem vestidos e saias em público e no set. Mulheres que usavam calças eram consideradas violadoras das regras. Eles poderiam até ser afastados de empresas e estabelecimentos públicos. Apesar de ser uma importação alemã, mesmo Marlene Dietrich não ficou imune a estas rígidas expectativas de moda. Há relatos de que ela teve sua entrada negada no elegante restaurante Brown Derby, em Los Angeles, simplesmente porque ousou vestir calças.
No entanto, foi ninguém menos que Katharine Hepburn quem ajudou a pôr fim às regulamentações inflexíveis da indumentária da indústria. Ela se recusou a se conformar ao modelo estereotipado de uma atriz de Hollywood no set. Certo dia, quando o departamento de figurinos da RKO tentou confiscar suas calças, ela protestou desfilando pelo estúdio em roupas íntimas. Eventualmente, graças à sua postura ousada, Hepburn recuperou com sucesso as calças. Com o tempo, lentamente começou a abrir caminho para uma nova era de liberdade de moda entre suas colegas atrizes. [11]
1 Prepare-se para ser espionado
Com muito dinheiro sendo ganho no set, os chefes dos estúdios queriam um controle rígido do que estava acontecendo. Então, naturalmente, esses agressivos e exagerados recorreram à espionagem de seus pupilos para garantir eficiência e produtividade. Freqüentemente, os chefes dos estúdios contratavam espiões para trabalhar no set e observar o comportamento das maiores estrelas da produção. Eles poderiam ser qualquer funcionário. Normalmente, as celebridades nunca suspeitariam que o zelador, o motorista ou o garçom fossem enviados para espioná-los 24 horas por dia.
No pior dos casos, a assistente de confiança de Judy Garland, Betty Asher, foi contratada para espionar a estrela durante anos. Toda semana, Asher reportava à MGM notas sobre com quem Garland estava passando o tempo, o que ela comia e o que fazia enquanto estava fora do set. Quando Garland finalmente soube do papel de Asher anos depois, ela ficou arrasada. “Lembro-me de ter chorado dias depois de descobrir o que ela estava fazendo comigo”, lembrou Garland sobre a revelação preocupante.
Não foram apenas os atores que os chefes dos estúdios escolheram espionar. Hollywood era um negócio grande demais para deixar qualquer funcionário à mercê de uma sorte dessas. Assim, os diretores de cinema foram encarregados de ficar de olho em todos os tipos de funcionários de produção. Produtores de linha, assistentes de produção, roteiristas, funcionários de som e imagem e muito mais foram contratados para espionar os atores e uns aos outros.
Uma onda de desconfiança esteve presente em quase todas as produções de Hollywood. E tudo isso veio em nome de garantir que os poderosos estúdios antigos estivessem bem servidos a cada dia sucessivo de filmagem no set. [12]
