A música evolui em um ritmo tão rápido que muitas vezes é difícil para nós acompanhar o que há de melhor e mais recente. Graças à redução dos custos do equipamento de gravação e à utilização generalizada de computadores pessoais, produzir e lançar música é agora tão acessível que novos géneros parecem surgir a cada poucos meses.
10 Midi preto
Aviso: Não assista a vídeos MIDI pretos se você for epiléptico!
Na década de 1980, o mundo da música foi revolucionado pela invenção da Interface Digital de Instrumento Musical (MIDI). Este novo sistema simplificou a capacidade de instrumentos musicais eletrônicos e computadores “conversarem” entre si, tornando possível controlar a notação, o tom, o andamento e inúmeros outros parâmetros com o apertar de um botão. Hoje, seria difícil encontrar artistas que não usem MIDI de alguma forma, pois ele se tornou onipresente na música pop e eletrônica.
O conceito de MIDI atingiu novos extremos com o desenvolvimento do “black MIDI”, um gênero musical com uma premissa simples: reunir tantas notas quanto for humanamente possível em uma única composição. O início humilde do Black MIDI remonta a 2009, quando usuários de um popular Site japonês de compartilhamento de vídeos começaram a enviar clipes de vídeos e músicas-tema de anime que haviam remixado no programa de aprendizagem de piano Synthesia.
O que começou como um hobby de nicho para muitos adolescentes japoneses rapidamente explodiu em um verdadeiro fenômeno da Internet. “Blackers”, como eles se autodenominam carinhosamente, desde então desenvolveram uma comunidade on-line muito unida, lançaram centenas de músicas e criaram suas próprias gravadoras atendendo a músicos MIDI negros.
Embora as músicas do gênero originalmente alcançassem apenas algumas centenas de milhares de notas, agora é comum encontrar artistas que conseguem atingir a marca de um bilhão. De acordo com as tabelas de classificação MIDI negras, o atual recordista é Gingeas, que conseguiu encaixar mais de um trilhão de notas em sua música “Armageddon v2”.
Artistas notáveis: Gingeas, RetroUniversalHT, TheSuperMarioBros2
9 Metal Kawaii
Um estereótipo comum no mundo ocidental é o da obsessão japonesa por todas as coisas adoráveis. Nas últimas décadas, a cultura kawaii (fofa) consolidou-se em muitos aspectos da vida japonesa, incluindo comida, roupas, brinquedos e até mesmo nos comportamentos e maneirismos das pessoas . Em 2009, um empresário japonês decidiu levar a cultura kawaii para o próximo nível, misturando a estética fofa de colegial da música pop japonesa com os riffs de guitarra entorpecentes e as batidas esmagadoras encontradas na música metal.
O kawaii metal deve suas origens à banda Babymetal e ao enigmático executivo por trás dela, Kobametal. Originalmente formado como um spin-off do grupo J-pop Sakura Gakuin, Babymetal obteve muito sucesso nos últimos anos e não apenas no Japão. Seu álbum de estreia teve bom sucesso na Áustria, Bélgica, Holanda, Alemanha e até nos EUA.
Talvez Babymetal seja tão popular por causa de sua justaposição de metal e J-pop, dois gêneros em extremos totalmente opostos do espectro musical. É bastante cativante ouvir vocais pop brilhantes sobre instrumentais de metal no estilo Slayer. A personalidade misteriosa personificada pela banda também pode ser um fator. Em entrevista ao fuse.tv, Kobametal afirmou que as ações do grupo são impulsionadas por “ mensagens divinas que vêm através do deus do metal que chamamos de deus raposa”. Ou talvez eles sejam surpreendentemente bons.
Artistas notáveis: Babymetal, Ladybaby, DOLL$BOXX
8 Minúsculas
Embora a frase “ menos é mais ” tenha sido cunhada em 1855 pelo poeta Robert Browning, ela não entrou no léxico público até que o arquiteto Ludwig Mies van der Rohe adotou a ideia como princípio para o design minimalista na década de 1960. Décadas depois, os músicos levaram a expressão a sério, concentrando-se em tocar apenas algumas notas para criar ambiente, em vez de elementos musicais mais tradicionais, como ritmo e melodia.
Todos os dias somos bombardeados por tanto ruído de carros, aviões, eletrodomésticos e construções que formas mais sutis de ruído muitas vezes passam despercebidas. Não prestamos muita atenção ao zumbido do vento ou à panela borbulhando no fogão. Lowercase, um subgênero da música eletrônica minimalista, desenvolve essa ideia, usando esses “microssons” desconsiderados e até mesmo o silêncio para fazer algo completamente diferente do tipo de música que estamos acostumados a ouvir.
Lowercase foi criada em 2001, quando Steve Roden lançou Forms of Paper , um álbum que consiste apenas em sons de farfalhar de papel. Distorcida e amplificada por um computador, foi organizada digitalmente em uma composição assustadora de 54 minutos. Artistas do gênero podem usar qualquer coisa, incluindo gravações de campo de farfalhar de folhas, pessoas respirando ou sinos tocando ao longe.
No site da Electro Acoustic Research, Roden disse: “[minúsculas] traz uma certa sensação de calma e humildade; não exige atenção, deve ser descoberto .” Essa é uma afirmação revigorante, considerando as ensurdecedoras “ guerras de volume ” que ocorrem atualmente na música popular.
Artistas notáveis: Steve Roden, Richard Chartier, Alva Noto
7 Seapunk
A década de 2010 assistiu a um enorme aumento nas subculturas online, em grande parte devido à crescente popularidade das redes sociais. As tendências podem explodir da noite para o dia, ser tema de conversa por alguns dias e cair na obscuridade sem aviso prévio. Nada abrange a natureza efêmera da vida moderna como o seapunk, um microgênero de música eletrônica que, por um breve período, foi um grande negócio para um punhado de pessoas.
Originalmente chamado de ” piada na web com música ” pelo The New York Times , o seapunk foi criado por um grupo de músicos online com uma nostalgia compartilhada pela cultura da década de 1990. O gênero mistura música eletrônica animada com sons hipnóticos de videogames com temática oceânica (como Ecco the Dolphin ou os níveis da água em Donkey Kong) e instrumentos tropicais sintetizados como marimbas e tambores de aço. Não se limitando apenas à música, o seapunk também gerou uma tendência de design amplamente popular que usava imagens aquáticas , bem como todos os tons de turquesa imagináveis.
No final de 2012, a comunidade seapunk estava em pé de guerra com a “cooptação” do gênero por Rihanna e Azealia Banks. Rihanna cantou seu hit “Diamonds” no SNL diante de cenários que lembram muito o vídeo do pioneiro do gênero Jerome LOL para sua música “Blockz”. Poucos dias depois, Banks lançou um videoclipe inspirado no seapunk para sua música “Atlantis”.
Artistas notáveis: Unicorn Kid, Blank Banshee, iamamiwhoami
6 Pedra Mágica
Em 1990, JK Rowling estava em um trem lotado de Manchester para Londres quando a premissa de Harry Potter de repente se se materializou em sua cabeça . Ela passou as quatro horas seguintes rabiscando os detalhes que dariam origem a uma das séries literárias mais queridas da história, que vendeu mais de 400 milhões de cópias em todo o mundo. A mania de Harry Potter inspirou crianças e adultos, gerando inúmeros spin-offs feitos por fãs, uma liga de quadribol da vida real e até mesmo um gênero musical inteiro.
Wizard rock (às vezes conhecido como “Wrock”) apareceu nos EUA por volta de 2002 com a banda de Massachusetts Harry and the Potters. Desde então, o gênero cresceu internacionalmente, inspirando imitadores em todo o mundo e até mesmo inspirando o Wrockstock , um festival anual de bandas de rock mágico.
Wrock não segue um estilo específico de música, mas baseia-se fortemente em temas do universo Harry Potter. As bandas escrevem músicas principalmente a partir da perspectiva de personagens específicos e muitas vezes usam fantasias para adicionar um nível mais profundo de imersão em suas apresentações. Embora referências literárias fantásticas na música dificilmente sejam um conceito novo (Led Zeppelin fez referência famosa ao reino da Terra-média de JRR Tolkien em uma série de canções), nenhuma outra franquia além de Harry Potter inspirou um gênero musical inteiro.
Artistas notáveis: Harry e os Potters, Draco e os Malfoys, Ofidioglotas
5 Casa da bruxa
Os músicos há muito são associados ao ocultismo. Nos tempos antigos, os xamãs realizavam encantamentos para invocar espíritos. Na década de 1990, bandas norueguesas de black metal queimaram igrejas e assassinaram os próprios membros da banda . No final dos anos 2000, o lado negro da música renasceu com o surgimento de um pequeno gênero conhecido como witch house.
Misturando a atmosfera nebulosa de bandas góticas dos anos 1980, como Cocteau Twins e The Cure, com hip-hop mais convencional e música eletrônica, o witch house foi originado por Salem, de Massachusetts, em seu álbum de 2010, King Night .
Assim como o seapunk, o gênero implementa uma estética visual que se baseia fortemente na cultura pop dos anos 1990, mais notavelmente The Blair Witch Project , Twin Peaks e Charmed . Outros elementos comuns do gênero são referências à bruxaria , capas de álbuns inspiradas no terror e o uso de triângulos, cruzes e outros símbolos em nomes de artistas e títulos de músicas.
Witch house foi amplamente visto como uma reação ao chillwave , um microgênero simultâneo que enfatizava o brilho quente e as vibrações de verão da música pop do final dos anos 70 e início dos anos 80. Embora os lançamentos tenham desacelerado significativamente desde o seu pico, vários artistas do gênero obtiveram sucesso mundial.
Artistas notáveis: Salem, Crystal Castles, oOoOO, Ritualz
4 Nintendocore
Para muitos de nós nascidos nas décadas de 1980 e 90, podemos agradecer a Koji Kondo por ter composto a trilha sonora de nossa infância. Kondo escreveu algumas das músicas mais inesquecíveis da história dos videogames das franquias Super Mario e Legend of Zelda, para citar alguns. Suas contribuições revolucionaram não apenas os videogames, mas toda a indústria musical. Teria sido um grande feito para Kondo ter previsto a extensão da sua influência, que atingiu quase todos os cantos do mundo.
Nintendocore funde dois aliados improváveis: os sons de 8 bits da música de videogame criados por Kondo com a agressividade do punk e do metal hardcore. Embora o gênero só tenha surgido no início dos anos 2000, as bases foram lançadas na década de 1990. Autoclave foi a primeira banda a fazer um cover de uma música de videogame; a última música do álbum autointitulado é o tema de Paperboy. Enquanto isso, roqueiros excêntricos Mr. Bungle usaram sons de Super Mario Bros.
O primeiro álbum Nintendocore foi lançado em 2001 pela Horse the Band. A conjunção entre os riffs de guitarra pesados do álbum e os teclados usados para replicar os sons da Nintendo de 8 bits chamou a atenção do público em todos os lugares, e a banda obteve um sucesso modesto em suas quase duas décadas de existência. O termo “Nintendocore” foi cunhado pelo líder do grupo para descrever o álbum, embora ele originalmente o tenha usado como uma piada . No entanto, o termo pegou e o resto é história.
Artistas notáveis: Horse The Band, The Advantage, Minibosses
3 Metal Pirata
Graças ao sucesso de filmes como Peter Pan , Hook e Piratas do Caribe , todos nós conhecemos bem a estética pirata: barbas, tatuagens e muito rum. Naturalmente, esta imagem parece traduzir-se bastante bem no mundo da música. Há muito se sabe que os músicos usam pelos faciais, tatuam o corpo e bebem grandes quantidades de álcool . Assim, o termo “metal pirata” pode não parecer muito exagerado, afinal.
As origens do metal pirata podem ser atribuídas ao lançamento de Under Jolly Roger em 1987 pelo Running Wild . Quando as primeiras imagens satânicas e o lirismo político do grupo não foram bem recebidos pela população alemã, eles adotaram a personalidade pirata que influenciaria dezenas de bandas algumas décadas depois.
O metal pirata é definido pela incorporação de trajes de pirata, folclore e gírias em sua música. Os grupos também podem usar instrumentos folclóricos mais tradicionais, como concertinas, e ocasionalmente cantar canto do mar . O gênero traz um tom mais jovial ao heavy metal, que geralmente é caracterizado por tristeza, morte e destruição.
Artistas notáveis: Alestorm, Running Wild, Lagerstein, Swashbuckle
2 Onda de vapor
Entre os jovens, a desilusão com a sociedade dominante parece estar no seu ponto mais alto. A participação eleitoral está a diminuir constantemente e um número excessivamente grande de pessoas sofre de desemprego crónico , especialmente na Europa. A palavra alemã “ weltschmerz ” (dor no mundo) descreve a angústia e a dissonância cultural vividas pelas pessoas quando o mundo não corresponde às suas expectativas, um sentimento ecoado por artistas do microgênero vaporwave da década de 2010.
Vaporwave é caracterizado por sua amostragem pesada de jazz suave e música lounge da década de 1970 em diante, bem como amostras vocais afinadas e sintetizadores eletrônicos nebulosos. O gênero foi formado quase por pura coincidência por Daniel Lopatin e James Ferraro, músicos experimentais que lançaram álbuns na mesma época que soavam estranhamente semelhante . Repleto de nostalgia e de uma estética retro ultrapassada, o género não só pretende levar os ouvintes de volta a tempos mais simples, mas também fornecer uma crítica contemporânea da cultura de consumo e do capitalismo.
Assim como o seapunk e o witch house, o vaporwave incorpora sua própria estética visual para se adequar à música. Imagens proeminentes incluem web design da década de 1990 (pense em Angelfire e Neocities), visuais 3-D desatualizados, o uso de caracteres japoneses em nomes de artistas e títulos de músicas, arte glitch e, sem motivo aparente, antigas esculturas romanas e gregas.
Artistas notáveis: Macintosh Plus, Saint Pepsi, James Ferraro, Chuck Person
1 Parede de ruído severo
O pintor e compositor do século XX, Luigi Russolo, é talvez mais lembrado por seu manifesto, A Arte dos Ruídos , que argumentava que a revolução industrial havia dado lugar a uma abundância de sons novos, outrora insondáveis, para a humanidade desfrutar. Ele se sentiu constrangido pela música contemporânea, que dava muita ênfase à melodia. Em vez disso, Russolo propôs uma nova forma de música caracterizada pelo ruído. Passou décadas improvisando instrumentos musicais experimentais que chamou de intonarumori.
Desde a época de Russolo, a música noise inspirou uma ampla variedade de gêneros, embora a maioria ainda permaneça à margem da cena musical. Poucos músicos conseguiram atingir um público amplo através do ruído porque os ouvidos humanos valorizam sons que sejam puros, estereotipados e harmônicos.
Uma das iterações mais recentes de ruído é a parede de ruído severo (HNW). Simplificando, HNW é um grande dedo médio para tudo o que sabemos sobre o que torna a música prazerosa. O gênero é totalmente desprovido de elementos que normalmente associamos à música, como melodia ou ritmo estruturado. É talvez o tipo de música mais extremo que existe atualmente, por vezes perturbando o ouvinte ao criar uma “parede” implacável de ruído desprovida de dinâmica ou progressão. HNW é implacável, cacofônico e dissonante. Às vezes, pode causar dor ou aumento da resposta adrenal. A discrição do ouvinte é aconselhada.
Artistas notáveis: Vomir, The Rita, Werewolf Jerusalem
