Desde os primórdios, quando a nova indústria cinematográfica estava se inventando, mulheres talentosas desempenharam papéis significativos no desenvolvimento da arte e do ofício de contar histórias na tela, abrindo novos caminhos e desafiando as normas de gênero ao longo do caminho. Muitos que foram artística e tecnicamente influentes em sua época estão praticamente esquecidos hoje. Isto abrange apenas dez dessas grandes mulheres e suas contribuições para a indústria cinematográfica há um século.
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10/span> Alice Guy Blaché (1873–1968)
Em 1896, Alice Guy foi contratada como secretária da Gaumont, empresa francesa que fabricava câmeras e projetores cinematográficos. Logo, Gaumont começou a fazer seus próprios filmes e ela se tornou a primeira diretora feminina com crédito no mundo. Graças à quantidade e qualidade de seus filmes, em 1905, ela supervisionava outros diretores de Gaumont e produzia ela mesma filmes cada vez mais ambiciosos.
Numa época em que as cenas eram frequentemente encenadas como peças de teatro e filmadas por uma câmera fixa, seu espetáculo de trinta e três minutos La Vie du Christ ( A Vida de Cristo , 1906) apresentava vinte e cinco cenários, locações externas, mais de trezentos extras, e a então nova técnica de mover a câmera durante a ação. Depois de se casar com Herbert Blaché, o casal mudou-se para os Estados Unidos, onde ela montou seu próprio estúdio no que era então o centro da produção cinematográfica americana: Nova Jersey.
Ao longo de duas décadas, Guy Blaché fez mais de quatrocentos filmes mudos, incluindo longas-metragens melodramas, comédias e filmes de ação, alternando funções de diretora ou produtora com o marido. Seu negócio floresceu até que ações judiciais por infração movidas pelo Edison Trust, que controlava patentes relacionadas às filmagens, a levaram a se juntar a outros cineastas que fugiram para o ensolarado sul da Califórnia. Lá, ela trabalhou como assistente de direção em alguns filmes de seu marido, mas nunca filmou outro filme de sua autoria. [1]
9 Germaine Dulac (1882–1942)
A palavra autora poderia ter sido cunhada para descrever Germaine Dulac, a segunda diretora francesa, que lançou as bases para o cinema experimental da próxima geração. Em 1915, ela deixou de escrever resenhas de teatro e cinema para uma revista feminista e passou a fazer seus próprios filmes criativos e ousados.
Ao longo de suas mais de duas dúzias de filmes mudos, ela se concentrou principalmente na expressão da emoção por meio da atmosfera, o que ela conseguiu por meio de iluminação criativa, ângulos de câmera e edição. Seu retrato surrealista das fantasias sexuais de um padre em La Coquille et le Clergyman ( The Seashell and the Clergyman , 1928) levou o British Board of Film Censors a proibi-lo, afirmando: “Se este filme tem um significado, é sem dúvida questionável”.
Dulac foi nomeada Oficial da Legião de Honra Francesa em 1929, em reconhecimento às suas contribuições para a indústria cinematográfica. No entanto, seu estilo dramático altamente visual não se adaptou bem ao cinema falado. Durante a década de 1930, realizou documentários e cinejornais, escolhendo temas pessoais e cotidianos de acordo com seu desejo de promover o entendimento entre as pessoas. Sob a censura nazista durante a Segunda Guerra Mundial, sua publicação de teoria e crítica cinematográfica terminou. Mesmo assim, ela usou sua influência na área para garantir que muitas cópias de filmes apreendidos fossem preservadas. [2]
8 Lois Weber (1879–1939)
A diretora-produtora-escritora-atriz Lois Weber era um hifenizador criativo muito antes de esse termo existir. De 1911 a 1914, realizou mais de oitenta curtas-metragens, incluindo Suspense (1913), que utilizou inovações como close-ups e telas divididas em três direções para criar tensão e mostrar ação simultânea.
Weber foi a primeira mulher americana a dirigir um longa-metragem com O Mercador de Veneza (1914), no qual também estrelou como Portia. Em dois anos, ela era a diretora mais bem paga do mundo, elogiada pela crítica e lotando os cinemas de Nova York a um dólar por ingresso.
Weber foi ousado tanto em suas imagens quanto em seus temas, abordando temas como aborto, prostituição e controle de natalidade. Em Hipócritas (1915), ela usou dupla exposição para fazer uma estátua representando a Verdade Nua se transformar em uma mulher nua – ou assim parecia. Onde estão meus filhos? (1916) foi banido na Pensilvânia por “não ser adequado para pessoas decentes verem”. Mas foi um sucesso de bilheteria em outros lugares.
No entanto, à medida que a Grande Depressão se aprofundou e o interesse por filmes socialmente conscientes diminuiu, a sua produtora faliu. Ela fez seu último filme, e apenas falado, em 1934. [3]
7 Elinor Glyn (1864–1943)
Esta romancista inglesa não inventou o apelo sexual, mas provou que poderia vender. Depois de publicar uma série de romances escandalosos – e extremamente populares – sobre a classe alta, Elinor Glyn trouxe seus talentos para Hollywood em 1920 sob um contrato no valor de £ 10.000 (equivalente a mais de US$ 692.000 em 2023). Nos anos seguintes, ela adaptou alguns de seus livros mais vendidos para o cinema, incluindo Three Weeks (1924), His Hour (1924) e Man and Maid (1925).
Glyn contribuiu para a história do cinema e para a linguagem com o lançamento de It (1927), estrelado por Clara Bow, que ficou conhecida como a “It Girl”. Escrevendo na revista Cosmopolitan , Glyn definiu “Isso” como “aquela qualidade possuída por algumas poucas pessoas que atrai todas as outras com sua força vital magnética”. Para os cinéfilos entusiasmados durante os loucos anos 20, “It” passou a significar sexo. O sucesso do filme demonstrou que “It” significou grandes bilheterias. [4]
6 Mabel Normand (1892–1930)
Mabel Normand fez o público rir de ambos os lados da câmera. Depois de trabalhar como modelo artística e figurante de cinema, em 1912, ela juntou forças com Mack Sennett, criador do Keystone Kops, e se tornou a favorita dos fãs com seu estilo característico de comédia física. Normand estrelou mais de duzentos curtas-metragens e desenvolveu sua própria marca em pratos populares, como Stratagem de Mabel (1912) e Awful Mistake de Mabel (1913).
Normand também dirigiu dez filmes, incluindo Strange Predicament de Mabel (1914), em que o novato em Hollywood Charlie Chaplin apresentou seu personagem, o Pequeno Vagabundo. Sennett afirmaria mais tarde que Chaplin aprendeu a dirigir com Normand. No mesmo ano, ela co-estrelou com Chaplin em Tillie’s Punctured Romance , o primeiro longa-metragem de comédia americano.
Apesar dessa série de sucessos, a carreira de Normand foi atingida em meados da década de 1920 pela má publicidade devido à sua associação com escândalos de grande repercussão: o caso de estupro de Fatty Arbuckle, o assassinato de um amigo próximo dela e um tiroteio cometido por ela. motorista. Nos últimos dias do cinema mudo, ela morreu de tuberculose aos trinta e sete anos. [5]
5 Junho Mathis (1887–1927)
A influência de June Mathis não se limitou aos mais de cem filmes mudos que ela mesma escreveu. Em 1920, ela era chefe do departamento de cenário da Metro Pictures (que mais tarde se fundiria com a Goldwyn Studios para se tornar MGM) e sua única executiva mulher. Sua posição poderosa deu-lhe a supervisão de roteiros, atividades no set e decisões de edição – o equivalente a um produtor moderno – em filmes, incluindo Three Weeks , de Elinor Glyn .
Com um olhar atento para futuras estrelas, ela escalou Buster Keaton para seu primeiro longa-metragem ( The Saphead , 1920) e deu a Rudolph Valentino seu papel de destaque em Os Quatro Cavaleiros do Apocalipse (1921), o filme de maior bilheteria do ano.
Mathis escreveu Camille (1921) e mais quatro papéis principais para Valentino, bem como Ben-Hur: A Tale of the Christ (1925) para Ramon Novarro. Isso consolidou sua posição como uma importante jogadora de Hollywood. Sua carreira foi interrompida quando ela sofreu um ataque cardíaco fatal aos quarenta anos. [6]
4 Maria Pickford (1892–1979)
A atriz infantil canadense Gladys Smith cresceu e se tornou a namorada da América, Mary Pickford. Mesmo quando os primeiros filmes mudos não davam crédito aos nomes dos artistas, o charme de Pickford na tela se destacou, tornando-a uma das primeiras estrelas de cinema da América. Em 1912, ela apareceu na capa da edição de estreia da revista Photoplay . Cinco anos depois, ela assinou um contrato que lhe pagava US$ 350 mil (mais de US$ 8,1 milhões em 2023) por cada um dos três filmes.
Mas Pickford era mais do que apenas um rosto bonito sob cachos de menina, e ela usou sua riqueza e poder de estrela para moldar sua profissão incipiente. Buscando manter maior controle criativo e financeiro, ela se juntou ao ator Douglas Fairbanks Sr., ao diretor DW Griffin e Charlie Chaplin para formar o estúdio United Artists em 1919, onde frequentemente atuou como produtora de seus filmes.
Pickford também foi um dos fundadores da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, do Motion Picture Relief Fund para ajudar os trabalhadores necessitados da indústria e da Sociedade de Produtores Independentes de Cinema, que desafiou os monopólios dos estúdios. A Academia reconheceu Pickford como Melhor Atriz por Coquette (1929), seu primeiro filme sonoro. Em 1976, ela recebeu um Oscar Honorário “Em reconhecimento às suas contribuições únicas à indústria cinematográfica e ao desenvolvimento do cinema como meio artístico”. [7]
3 Dorothy Arzner (1897–1979)
Dorothy Arzner começou digitando roteiros de filmes e se tornou leitora, cortadora e editora. Sua habilidade e engenhosidade em adicionar imagens de cenas de touradas a Blood and Sand (1922), de Valentino, ajudaram a pavimentar o caminho para que ela se tornasse a única diretora mulher trabalhando dentro do sistema de estúdio. Arzner também foi a rara diretora feminina a fazer com sucesso a transição do silêncio para o som. Para The Wild Party (1929), ela implantou o primeiro microfone boom, colocando-o em um poste longo erguido bem acima do alcance da câmera, melhorando a qualidade do áudio e dando aos atores maior liberdade de movimento.
Em 1933, Arzner juntou-se ao recém-formado Directors Guild of America e permaneceu como seu único membro feminino até Ida Lupino ser admitida em 1950. Em mais de vinte filmes ao longo de duas décadas, Arzner era conhecido por contar histórias sobre mulheres complexas e independentes retratadas por A- listar estrelas, incluindo Katharine Hepburn, Joan Crawford, Rosalind Russell e Claudette Colbert. Durante a Segunda Guerra Mundial, ela fez filmes de treinamento para o Corpo do Exército Feminino. Mais tarde, ela ensinou cinema na UCLA. [8]
2 Marion Fairfax (1875–1970)
Depois de desfrutar de um sucesso modesto como dramaturga, Marion Fairfax rumou para o oeste para escrever para as telas em 1915. Seus quarenta e nove filmes variaram de comédia a drama, incluindo veículos para estrelas como Mary Pickford, John Barrymore, Norma Talmadge e Dorothy Gish. Ela também dirigiu seu roteiro de The Lying Truth (1922), que tratava dos temas polêmicos do vício em drogas, dos males da justiça popular e dos direitos dos mineiros sindicalizados.
Fairfax seguiu o sucesso de Sherlock Holmes (1922) com The Lost World (1925), baseado em outra obra de Sir Arthur Conan Doyle e um dos filmes de maior bilheteria do ano. Além de escrever o roteiro, ela supervisionou a edição, a titulação e a produção deste primeiro longa-metragem com animação stop-motion que criou as feras pré-históricas mais realistas que o público já viu.
Enquanto estava sob contrato com a First National Pictures (que mais tarde se tornaria Warner Bros.), sua influência se estendeu além de seus próprios filmes, já que era frequentemente consultada sobre a qualidade de outros projetos em produção. Ela se aposentou em 1926, talvez devido a problemas de saúde, mas viveu mais quatro décadas. [9]
1 Frances Marion (1888–1973)
À medida que os filmes mudos amadureceram, o trabalho do escritor progrediu da criação de cenários rudimentares para a composição de cartões de título com diálogos e narração cada vez mais sofisticados. A ex-jornalista Frances Marion aprendeu cinema como assistente de Lois Weber. Seus roteiros atraíram a atenção de Mary Pickford, e ela se tornou a roteirista favorita e amiga de longa data de Pickford. Seus filmes juntos incluíram Rebecca of Sunnybrook Farm (1917), A Little Princess (1917) e The Love Light (1921), que Marion também dirigiu por insistência de Pickford. Em 1926, Marion ganhava US$ 3.000 por semana (quase US$ 50.000 em 2023) tanto para adaptações quanto para histórias originais.
Quando os filmes começaram a falar, Marion forneceu as palavras. Ela escreveu as primeiras falas de Greta Garbo em Anna Christie (1930) e ganhou o Oscar por The Big House (1930) e The Champ (1931). Seu legado duradouro inclui Dinner at Eight (1933), o veículo Shirley Temple Poor Little Rich Girl (1936) e The Good Earth (1937).
Marion também escreveu literalmente o livro sobre seu ofício, How to Write and Sell Film Stories (1937). À medida que o poder dos grandes estúdios corporativos aumentava e o controle criativo de Marion diminuía, ela rompeu o contrato com a MGM e tornou-se freelancer. Em sua autobiografia, Fora de suas cabeças! A Serio-Comic Tale of Hollywood (1972), Marion declarou: “Espero que minha história mostre uma coisa: quantas mulheres me deram ajuda real quando eu estava na encruzilhada”. [10]
