A cinematografia é, em muitos aspectos, um trabalho ingrato. Todos sabem qual é o seu propósito básico, quão importante é para o filme e como as imagens visuais são muitas vezes as mais memoráveis, mas muitos teriam dificuldade em nomear pelo menos um diretor de fotografia. Na história do cinema, o papel do diretor de fotografia é frequentemente negligenciado e, ainda assim, ele tem sido tão importante e influente quanto diretores, escritores e atores. Para comemorá-los, aqui está uma lista dos dez maiores e mais influentes cineastas. Você também pode gostar de nossas 10 principais obras-primas cinematográficas .
Miyagawa é indiscutivelmente o diretor de fotografia mais importante da história japonesa, tendo trabalhado com quem é quem entre os autores japoneses, incluindo Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu e Kenji Mizoguchi. Ele é talvez mais famoso por seu trabalho em Rashomon, onde foi a primeira pessoa a apontar uma câmera diretamente para a luz solar (utilizando anos de estudo sobre exposição à luz). Ele também era conhecido por usar várias configurações de câmera para cenas e aclamado por seu contraste de tomadas de rastreamento amplas e close-ups nítidos. Outras inovações no filme incluem o uso de espelhos para refletir a luz natural e o uso de água preta tingida como chuva, para torná-la mais vívida na câmera. Ele também era um mestre em gêneros, trabalhando em comédias (The Rickshaw Man), filmes de samurai (os filmes de Zatoichi), além de supervisionar 164 cinegrafistas e usar mais de 234 lentes diferentes para as Olimpíadas de Tóquio, muitas vezes comparadas com Olympia de Leni Riefenstahl como uma das os maiores documentários das Olimpíadas.
Alguns dos trabalhos impressionantes de Miyagawa em Rashomon podem ser vistos no clipe.
Filmes notáveis: Rashomon (1950), Ugetsu (1953), Sansho the Bailiff (1954), Floating Weeds (1959), Yojimbo (1961), Zatoichi (1964), Olimpíada de Tóquio (1965)
Embora nem de longe tão prolífico quanto outros nesta lista, Urusevsky ganhou um status quase mítico entre os cineastas devido ao seu trabalho com o diretor russo Mikhail Kalatozov em filmes como Eu sou Cuba e Os guindastes estão voando. Sua combinação quase inacreditável de foco profundo, planos acrobáticos, perspectiva subjetiva e outros truques cinematográficos notáveis estava tão à frente de seu tempo que só seria visto no Ocidente mais de uma década depois. Infelizmente, as suas colaborações com Kaltozov foram em grande parte enterradas pela máquina de propaganda soviética e só recentemente foram restauradas graças a admiradores reconhecidos como Martin Scorsese e Francis Ford Coppola. Seu espetacular trabalho de câmera, que muitas vezes desviava a atenção do foco adequado da cena, foi defendido por Urusevsky, observando que: “Nunca me interessou, como cinegrafista, apenas registrar o que está acontecendo na frente da câmera”.
O clipe acima, muito celebrado, é talvez a cena mais famosa do repertório de Urusevsky, uma sequência balética da abertura de I am Cuba mostra seu trabalho de câmera original e emocionante.
Filmes notáveis: O quadragésimo primeiro (1956), Os guindastes estão voando (1957), A carta não enviada (1959), Eu sou Cuba (1964)
Vittorio Storaro (nascido em 24 de junho de 1940 em Roma) é um diretor de fotografia italiano três vezes vencedor do Oscar. Ele é mais famoso por seu trabalho em Apocalypse Now (seu primeiro Oscar), onde Francis Ford Coppola lhe deu liberdade para fotografar o aclamado visual do filme. Ele ganhou o Oscar por Reds e O Último Imperador, dirigido por Bernardo Bertolucci, seu colaborador mais frequente. Storaro é amplamente considerado um mestre cinegrafista com uma filosofia sofisticada amplamente inspirada na teoria das cores de Johann Wolfgang von Goethe, que se concentra em parte nos efeitos psicológicos que as diferentes cores têm e na maneira como as cores influenciam nossas percepções de diferentes situações. Com seu filho, Fabrizio Storaro, ele criou o sistema de formato Univisium para unificar todos os futuros filmes teatrais e televisivos em uma respectiva proporção de 2,00:1.
O clipe é uma cena de The Sheltering Sky, apresentando sem dúvida a mais bela fotografia de deserto já colocada em filme. Para uma visão de qualidade muito melhor (e uma versão mais longa) desta cena, vá aqui . Você absolutamente não ficará desapontado.
Filmes notáveis: The Conformist (1970), Last Tango in Paris (1972), Apocalypse Now (1979), Reds (1981), The Last Emperor (1987), The Sheltering Sky (1990)
Como diretor de fotografia escolhido por Ingmar Bergman, Nykvist recebeu a tarefa nada invejável de transformar as imagens surpreendentes, muitas vezes surreais, do autor sueco em realidade diante da câmera. Apesar disso, Nykvist era conhecido por sua sutileza e simplicidade, favorecendo a iluminação naturalista para complementar o estilo lento e ritmado de contar histórias de Bergman. Ele era despretensioso e muitas vezes escondido atrás de seu imponente diretor, mas Nykvist ainda era reconhecido por seu trabalho com dois prêmios da Academia por Gritos e Sussurros e Fanny e Alexander. Nykvist também trabalhou com diretores como Roman Polanski, Woody Allen e Andrei Tarkovsky. Ele foi o primeiro diretor de fotografia europeu a ingressar na Sociedade Americana de Cinematógrafos e recebeu o prêmio pelo conjunto de sua obra da ASC em 1996.
Acima está uma bela cena de Persona. Observe o notável desbotamento da luz.
Filmes notáveis: The Virgin Spring (1960), Persona (1966), Gritos e Sussurros (1973), Fanny e Alexander (1982), O Sacrifício (1986), A Insustentável Leveza do Ser (1988)
Gregg Toland não esteve conosco por muito tempo, mas é um crédito ao seu brilhantismo o fato de ele ser tão reverenciado hoje. Toland foi indicado cinco vezes ao Oscar de Melhor Fotografia durante um período dourado de sete anos que durou de 1936 a 1942, mas é sua colaboração com Orson Welles em Cidadão Kane que é mais lembrada. Embora ele não tenha criado uma cinematografia de foco profundo, ele a aperfeiçoou em Cidadão Kane, permitindo que os personagens da frente e do fundo fossem filmados em foco ao mesmo tempo. Na verdade, grande parte da genialidade visual e cinematográfica do filme – ângulos baixos, alto contraste, sombras escuras – embora muitas vezes creditada a Welles, foi em grande parte obra de Toland. Welles mais tarde reconheceu que Toland o estava aconselhando secretamente sobre o posicionamento da câmera e os efeitos de iluminação, para que o jovem diretor não ficasse envergonhado na frente da equipe altamente experiente. Ele estava tão grato ao trabalho de Toland que Welles insistiu que seus nomes aparecessem juntos nos créditos finais. Mais tarde, Toland trabalhou em Song of the South, da Disney, que combinava ação ao vivo com animação.
Acima está um exemplo de foco profundo em Citizen Kane.
Filmes notáveis: O Morro dos Ventos Uivantes (1939), As Vinhas da Ira (1940), A Longa Viagem para Casa (1940), Cidadão Kane (1941), Como era verde meu vale (1941), Canção do Sul (1946)
Apelidado de ‘O Príncipe das Trevas’ por sua propensão ao uso de pretos ricos e interiores escuros, principalmente nos filmes O Poderoso Chefão, pelos quais é mais conhecido, Gordon Willis é famoso por sua cinematografia inovadora, que lhe rendeu duas indicações ao Oscar e muito respeito. . Seu trabalho nos filmes O Poderoso Chefão é lendário e suas inovações incluem o pioneirismo no uso de brilhos âmbar quentes e difusos para representar cenas nostálgicas do passado em O Poderoso Chefão Parte II, e a recriação única da fotografia da década de 1920 para Zelig, de Woody Allen.
Acima está um clipe que mostra Gordon Willis (e outros) discutindo a cinematografia de O Poderoso Chefão.
Filmes notáveis: O Poderoso Chefão (1972), O Poderoso Chefão Parte II (1974), Todos os Homens do Presidente (1976), Zelig (1977), Manhattan (1979), Zelig (1983), O Poderoso Chefão Parte III (1990)
Embora nascido na Austrália, Doyle deixou sua marca fotografando filmes asiáticos, especialmente o trabalho do diretor de Hong Kong, Wong Kar-Wai. Seu trabalho com o diretor, principalmente os filmes Chungking Express, In the Mood for Love e 2046, é elogiado por seus toques de cores vivas e alta saturação, sendo considerado um dos mais importantes arquitetos do cinema asiático New Wave. Ele também é um dos poucos cineastas “superestrelas”, cuja reputação é muitas vezes superior à dos diretores com quem trabalha.
Acima está um clipe do filme Hero, onde a atenção de Doyle às cores vivas foi crucial para a história.
Filmes notáveis: Chungking Express (1994), In the Mood for Love (2000), The Quiet American (2002), Hero (2002), Infernal Affairs (2002), 2046 (2002), Paranoid Park (2007)
Começando com filmes como Cool Hand Luke e Butch Cassidy and the Sundance Kid, Hall ajudou a liberar abordagens para a filmagem ao fazer, como diz Sight and Sound, “transformar os erros em virtudes”. Manchas como o sol batendo nas lentes, sujeira entrando nas lentes ou outras distrações aparentes que teriam exigido refilmagens no passado, mas a abordagem de Hall exemplificou a nova onda do cinema americano e ajudou a estabelecer um modelo para filmes independentes e corajosos. Mas Hall também provou que poderia lidar com fotos mais “imaculadas”, fotografando filmes como American Beauty mais tarde em sua carreira. Ele ganhou seu primeiro Oscar em 1969, por Butch Cassidy e Sundance Kid, e depois teria que esperar 30 anos pelo próximo, por American Beauty. Seu terceiro Oscar foi concedido a ele postumamente por Road to Perdition. Além disso, foi indicado mais sete vezes em sua vida.
Acima está uma cena engraçada de Butch Cassidy e Sundance Kid, pela qual Hall ganhou um Oscar.
Filmes notáveis: Cool Hand Luke (1967), In Cold Blood (1967), Butch Cassidy and the Sundance Kid (1969), The Day of the Locust (1975), American Beauty (1999), Road to Perdition (2002)
James Wong Howe teve mais de 130 filmes em seu crédito, desde a era do cinema mudo até a colorida. Durante as décadas de 1930 e 1940 foi considerado um dos cineastas mais requisitados de Hollywood. Ele foi indicado a dez Oscars de fotografia, vencendo duas vezes. Além de ser um dos primeiros diretores de fotografia a usar fotografia de foco profundo, Howe foi pioneiro em técnicas para aumentar os olhos em filmes em preto e branco, primeiras técnicas de dolly, técnicas de câmera portátil e filmagem com fontes de luz incomuns, como à luz de velas em The Molly Maguires.
O clipe é uma bela e nítida fotografia em preto e branco de Hud, pela qual Howe ganhou um Oscar.
Filmes notáveis: The Thin Man (1934), Argel (1938), Yankee Doodle Dandy (1942), The Rose Tattoo (1955), Sweet Smell of Success (1957), The Old Man and the Sea (1958), Hud (1963) ), Senhora Engraçada (1975)
Charles Rosher foi um diretor de fotografia duas vezes vencedor do Oscar que trabalhou desde os primeiros dias do cinema mudo até a década de 1950. Nascido em Londres, ele foi o primeiro diretor de fotografia a receber um Oscar, junto com o co-vencedor de 1929, Karl Struss. Rosher estudou fotografia em sua juventude, mas logo ganhou reputação como cinegrafista de noticiários, antes de se mudar para os Estados Unidos em 1909. Posteriormente, ele encontrou trabalho para David Horsley trabalhando em sua produtora em Nova Jersey. Como os primeiros filmes eram em grande parte restritos ao uso da luz do dia, Horsley transferiu sua produtora para Hollywood em 1911, levando Rosher com ele, e abriu o primeiro estúdio de cinema lá. Isso fez de Rosher o primeiro cinegrafista em tempo integral em Hollywood. Em 1913 ele foi ao México para filmar um noticiário sobre a rebelião de Pancho Villa. Em 1918, foi um dos fundadores da Sociedade Americana de Cinematógrafos e atuou como o primeiro vice-presidente do grupo. Na década de 1920, ele era um dos cineastas mais requisitados de Hollywood e um dos favoritos de estrelas como Mary Pickford. Seu trabalho com Karl Struss no filme Sunrise de 1927, de FW Murnau, é visto como um marco na cinematografia. Além disso, Rosher também recebeu duas medalhas Eastman (em homenagem a George Eastman), a medalha de ouro da revista Photoplay e a única bolsa concedida pela Society of Motion Picture Engineers.
Acima está um exemplo do trabalho revolucionário de Rosher em Sunrise.
Filmes notáveis: Sunrise (1927), The Affairs of Cellini (1934), Little Lord Fauntleroy (1936), The Yearling (1946), Annie Get Your Gun (1950), Show Boat (1951)
