As músicas cover com troca de gênero geralmente fazem de tudo para evitar desafiar as normas de gênero. Os pronomes são alterados – “oh garoto”, torna-se “oh garota” ou vice-versa, para evitar algo muito perturbador. Mas o género é uma construção tão poderosa que frequentemente a simples troca da perspectiva de género dá a uma canção um significado inteiramente novo.
Esta lista analisa dez músicas com letras ou perspectivas trocadas de gênero que criaram um significado diferente – e talvez até uma versão melhor.
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10 “Respeito” de Aretha Franklin
Originalmente de Otis Redding
Pode ser impossível exagerar a influência cultural que o “Respeito” de Aretha Franklin teve. Em 2003, ficou em quinto lugar nas 500 melhores canções de todos os tempos da Rolling Stone e passou para o primeiro lugar na versão de 2021 da lista. Foi um hino que definiu uma era tanto para os direitos civis quanto para os movimentos feministas. Depois da versão de Aretha, tudo o que Otis Redding pôde fazer foi se gabar de ser amiga dele.
“Respect” é um bom exemplo de como apenas uma mudança de gênero pode mudar completamente a perspectiva de uma música, mesmo sem que o conteúdo da música tenha mudado tanto. A versão de Otis Redding carece de muitos dos elementos que tornaram Respect icônico, como a palavra “respeito” escrita e aquele icônico solo de sax, mas a exigência que a música faz é exatamente a mesma. O que significa um homem exigir respeito da sua parceira? Certamente não é uma declaração de amplo significado social.
A faixa também é um bom exemplo de como algumas músicas exigem resposta. Redding está cantando sobre um relacionamento cinicamente transacional; ele traz o dinheiro e tudo o que pede em troca é “respeito” (acho que todos sabemos o que respeito significa aqui). Mas Aretha não precisa de tal arranjo. Ela tem seu próprio dinheiro (tão doce quanto seus beijos); para ela, respeito é um relacionamento igualitário, não transacional. Enquanto uma música é sobre uma mulher que conhece seu lugar em uma transação, a outra é sobre alguém que conhece seu valor como igual. [1]
9 “Tumbling Dice” de Linda Rondstadt
Originalmente dos As pedras rolantes
A letra de “Tumbling Dice” foi uma reflexão tardia para os Rolling Stones. Keith Richards disse que a música foi escrita sem vocais . “Muitas vezes, quando as ideias surgem tão rápido, não escrevemos as letras – fazemos o que chamamos de ‘movimento vocálico’. Você apenas grita por cima para obter os sons certos para a faixa.”
“Movimento vocálico?”
De qualquer forma, a letra, quando apareceu, foi produto de Mick Jagger conversando com sua governanta sobre seu amor por jogar dados. Assim, “Tumbling Dice” é uma história sobre um jogador mulherengo que não tem nenhuma conexão pessoal com a lendária equipe de escritores por trás dele.
A banda de Linda Rondstadt tocou a música durante os ensaios, mas nenhum deles sabia a letra até que Mick Jagger a escreveu para ela (ah, o mundo antes da Internet!). Ela mudou a frase de abertura de “As mulheres acham que sou gostosa/mas estão sempre tentando me desperdiçar” para “As pessoas tentam me estuprar/sempre acham que sou louca”. O ritmo sedutor e groovy da música torna essa linha de confronto ainda mais chocante.
Ronstadt explicou em 2017 que se tratava de um comentário sobre a fama: “Quando você é exposto a um amplo segmento do público, alguém tenta violá-lo de alguma forma, mas não foi nada como agora com os trolls da Internet”. Uma música com pouco significado além de ser uma história legal foi transformada em uma declaração feminista que só se tornou mais relevante. [2]
8 “Fogo” de The Pointer Sisters
Originalmente de Bruce Springsteen
“Fire” faz parte de um trio de canções de Bruce Springsteen que foram sucessos no Top 20 de outros artistas antes de Springsteen marcar seu próprio hit no Top 20. (Os outros dois são “Blinded by the Light” da Earth Band de Manfred Mann e “ Because the Night ” de Patti Smith). Springsteen teria ficado chateado com o sucesso das Pointer Sisters com Fire. Embora seja difícil dizer por que “Fire”, em particular, pegou sua cabra. Ao contrário de outros roqueiros de sua geração, Springsteen não teria visto um cover disco de uma de suas músicas como um insulto. Springsteen nunca entrou no movimento “disco é uma merda”, gravando com Donna Summer e Chaka Khan para provar isso.
Seja qual for o motivo, as Pointer Sisters fizeram um grande favor a Springsteen – e não apenas pelos cheques de royalties. Eles transformaram “Fire” em algo que não precisamos ouvir com estremecimento, provavelmente salvando a música de uma dura reavaliação e cancelamento. “Estou puxando você para perto/Você apenas diz não/Você diz que não gosta/Mas garota, eu sei que você é uma mentirosa” se torna “Você está me puxando para perto/Eu apenas digo não/Eu digo Eu não gosto disso/Mas você sabe que sou um mentiroso.” Uma ou duas palavras diferentes e todo o significado muda: predatório vira timidez.
Embora muitas das músicas nesta lista sejam alteradas por perspectivas diferentes, a mudança completa de direção de 180 graus aqui, de violenta para inocente, é estimulante. “Fire” precisava da versão das Pointer Sisters. [3]
7 “Esta noite é a noite”, de Janet Jackson
Originalmente por Rod Stewart
Se algum membro da família Jackson conseguiu se livrar das associações de sua família infame, foi Janet. E a libertação sexual foi a ferramenta que ela usou para forjar essa identidade independente. As explorações musicais de identidade de Jackson chegaram ao auge em The Velvet Rope , de 1997 , que também teceu explorações de suas batalhas contra a depressão e sua afinidade com a comunidade LGBTQIA +. O álbum também é excepcionalmente voltado para o futuro, dançante e de escopo extremamente ambicioso.
Rod Stewart realmente não pode receber nenhum crédito por “Tonight’s the Night” de Janet; seu original é dolorosamente genérico, um quadro de uma música que poderia ser desenvolvido para descrever qualquer variedade de encontros sexuais. E Janet poderia ter selecionado qualquer música para subverter. Isso mostra a versatilidade básica da música que, com apenas algumas mudanças de pronome, a mensagem da música se torna bastante ambígua. Ela alterna os versos entre dirigir-se a um homem e dirigir-se a uma mulher (“Porque eu te amo, garoto” até “Porque eu te amo, garota”).
Uma interpretação poderia ser um trio e outra poderia ser uma ode à bissexualidade. De qualquer forma, é um apelo aberto à comunidade LGBTQIA+, assim como outra das canções do álbum, “Free Xone”. Em 2001, Jackson disse à revista Ebony que “não me importo que as pessoas pensem que sou gay ou me chamem de gay. As pessoas vão acreditar no que quiserem. Sim, eu frequento clubes gays, mas também outros clubes. Eu vou onde a música é boa. Eu amo as pessoas independentemente da preferência sexual, independentemente da raça.” [4]
6 “Glória” de Patti Smith
Originalmente de Van Morrison
“Jesus morreu pelos pecados de alguém, mas não pelos meus” é a melhor frase de abertura de qualquer álbum de todos os tempos. “Meus pecados são meus; eles pertencem a mim”, a letra continua enquanto o piano pesado e lento aumenta para se tornar a linha de baixo inconfundível de “Gloria”, uma música que não é tanto uma canção de rock clássico primordial, mas sim a encarnação do rock clássico primordial.
A versão de Patti Smith é tão liricamente diferente que a mudança de perspectiva e a subversividade que ela implica são absolutamente evidentes. Na verdade, essa faixa é tão transformadora que força a definição de um cover. Enquanto a versão de Van Morrison era a essência da simplicidade, a de Smith é um manifesto proto-punk épico.
A faixa de Smith trata o original como um esqueleto, com sua própria poesia enxertada, principalmente de uma peça chamada “Oath”, escrita anos antes como uma despedida à sua educação como testemunha de Jeová. Isso explica as letras totalmente diferentes. Mas quando a letra original ressurge, a luxúria dirigida à mulher titular permanece intacta. Apesar de todas as mudanças líricas, a simplicidade de “Gloria” significa que a sua identidade indelével brilha, independentemente do que mais possa ser colocado sobre ela. [5]
5 “Valerie” de Amy Winehouse
Originalmente por Os Zutons
Amy Winehouse tornou sua versão de “Valerie” icônica, transformando-a em uma das mais recentes de uma linha de covers que eclipsaram completamente o original. A original era da banda Britpop The Zutons, que nunca teve muito destaque além dessa música. Possivelmente a razão do sucesso do cover é porque é um mistério tão sedutor o motivo pelo qual Amy Winehouse está cantando o que é claramente uma canção de amor para uma mulher. A resposta é, infelizmente, bastante anticlimática.
É porque a música foi gravada para um projeto paralelo do produtor Mark Ronson, que envolvia covers conscientemente estranhos. Isso incluiu um cover de “Toxic” de Brittany Spears com Ol’ Dirty Bastard do Wu-Tang Clan e uma big band, versão funk-soul da balada fria e vítrea do Coldplay “God Put a Smile on Your Face”. O cover de “Valerie” é na verdade creditado ao talento de Mark Ronson. Amy Winehouse, mas vamos lá! Amy Winehouse escolheu a música e provou que Ronson estava errado quando disse que não conseguia ouvir na voz dela.
Quanto a essas letras estranhamente específicas, o vocalista do The Zutons, Dave McCabe, estava em um relacionamento à distância com a famosa maquiadora Valerie Star, de Nova York. Ela não pôde se mudar para Liverpool para ficar com ele devido a um mandado de prisão pendente nos Estados Unidos por excesso de velocidade, dirigir sem carteira, fugir da prisão e agredir um policial. Pelo menos a resposta a essa pergunta é um passeio selvagem, digno do mistério que a música representa. [6]
4 “Sob meu polegar”, de Tina Turner
Originalmente dos As pedras rolantes
Tina Turner é uma mestre em covers, desde transformar o número de sludge rock do CCR, “Proud Mary”, em R&B estridente e sensual, até adicionar um toque de classe old school a “Unfinished Sympathy” do Massive Attack e até sua estreia solo com um álbum de covers country chamado Tina liga o país (pense nisso!). Claro, a maioria de seus covers eram originalmente de artistas homens, então é difícil escolher aquele que aproveita ao máximo a mudança de gênero. “Under My Thumb”, no entanto, é uma música tão carregada de significado que é difícil ignorar.
“Under my Thumb” pode muito bem ser a música que encerrou os anos 60, iniciando uma era mais sombria na cultura pop. Em 6 de dezembro de 1969, os Rolling Stones fizeram seu famoso show gratuito no Altamont Speedway, na Califórnia. O show se transformou em caos, resultando em cinco mortes, incluindo o assassinato da frequentadora do show Meredith Hunter, que foi esfaqueada enquanto os Stones tocavam “Under my Thumb”. De forma assustadora, na gravação ao vivo, quando você ouve Mick Jagger parar a música de dizer à multidão para “ficarem bem”, você ouve sua reação a um homem sendo assassinado nas proximidades. Naquele momento, a narrativa da música A Megera Domada se transformou em algo muito menos inocente.
E muito menos superficial… Convenhamos, é uma música em que um homem se gaba de ter subjugado uma mulher, o que só fica menos enjoativo com o tom irônico. Essa ousadia redentora se torna insignificante quando se torna a música que canta um cara foi assassinado, anunciando a perda da inocência para uma geração inteira. Nesse contexto, a história de dominação feminina de Turner foi uma resposta absolutamente essencial ao original. “Under My Thumb” de Turner é uma declaração que precisava ser feita. [7]
3 “Black Steel” da façanha Tricky. Martina Topley-Bird
Originalmente de Inimigo público
“O disco mais bizarro em que já trabalhei… Pense em como fazer um disco, depois esqueça tudo o que aprendeu e comece completamente ao contrário e de cabeça para baixo” foi como o produtor Mark Saunders descreveu a estreia solo do rapper britânico Tricky, Maxinquaye . O estilo idiossincrático de Tricky levou a algumas decisões estranhas, incluindo um cover de “Black Steel in the Hour of Chaos” do Public Enemy com a vocalista Martina Topley-Bird, resultando em uma faixa em que Topley-Bird repetidamente se refere a si mesma como um homem negro, muito para a confusão Beavis e Butthead .
Logo fica claro que a mudança de gênero é uma escolha intencional, já que “Black Steel” termina com essa declaração de identidade, em vez de cobrir a música inteira (daí o título ser abreviado de “Black Steel in the Hour of Chaos”). No original, a frase “Eles nunca poderiam entender que eu sou um homem negro e nunca poderia ser um veterano” é simplesmente uma frase no primeiro verso, mas Topley-Bird, com sua fala evocativa e circular, acerta-a como um crescendo narrativo, como uma história com um final diferente. A sensação de desorientação criada por essa linha é auxiliada pela banda de rock industrial FTV e uma amostra do produtor de Bollywood AR Rahman, tornando-a uma mistura de Bollywood/trip-hop/rock industrial.
Martina Topley-Bird aparece no álbum Maxinquaye , do qual “Black Steel” se origina com mais frequência do que Tricky. Tricky disse ao The Guardian em 2012 que “é minha mãe falando através de mim; muitas das minhas letras são escritas do ponto de vista de uma mulher.” Tem sido um tema ao longo de sua carreira, empregando diversas cantoras. Sua imagem também envolve extrema flexão de gênero, aparecendo na capa do single “Black Steel” totalmente maquiada. O vídeo de “Christiansands” de Tricky também apresenta Martina Topley-Bird. [8]
2 “Ele é engraçado assim”, de Bob Dylan
Originalmente de Margaret WhitingBillie , mas está mais associado a Holliday
Embora Universal Love de 2018 seja uma compilação completa de canções de amor clássicas reinventadas como hinos queer, estou destacando a versão de Bob Dylan de “He’s Funny That Way” de Billie Holiday. Isso ocorre porque é difícil afirmar o quão maravilhosamente deslocado Bob Dylan está entre os outros cinco artistas, todos da geração Y, que contribuíram, incluindo Kesha, St. Vincent e Kele Okereke do Bloc Party.
O nome de Bob Dylan é sinônimo de ativismo, mas por alguma razão, ele tem sido cauteloso quanto às suas crenças desde os anos 80. Suspeito que isso seja apenas uma consequência de muito raramente fazermos declarações públicas atualmente. Então é ótimo vê-lo se posicionar. Aparentemente, ele também fez isso com entusiasmo.
O produtor Robert Kaplan disse ao The New York Times que recebeu um sim muito rápido. “E não foi apenas ‘sim, farei isso’”, disse ele. “Foi ‘ei, tenho uma ideia para uma música’.” O silêncio eremita de Dylan nos dias de hoje significa que, além de não sabermos muito sobre sua política, também temos muito pouca noção de sua personalidade. Portanto, é revigorante vê-lo fazer uma escolha tão inteligente e atrevida (e um pouco idiota) com essa música, já que “engraçado desse jeito” é um eufemismo de piada de pai para gay. Como em… [9]
“Pudim e torta Georgie Porgy
Beijou as meninas e as fez chorar
Quando os meninos saíram para brincar
Ele os beijou também, porque ele é engraçado assim.”
1 Álbum Strange Little Girls de Tori Amos
Originalmente de vários artistas
Tori Amos é uma das artistas de covers mais inventivas que temos por causa da maneira como ela usa as capas para explorar a identidade. Em seu cover de “Famous Blue Raincoat” de Leonard Cohen, ela mantém a última linha intacta, “sinceramente L. Cohen”, como se estivesse incorporando Leonard Cohen para tocar a música.
Para esse fim, seu álbum de covers Strange Little Girls é uma grande declaração artística. Cada música foi originalmente escrita por um homem. A perspectiva das músicas é transformada completa e completamente simplesmente por serem cantadas com uma voz feminina, apesar de a letra permanecer exatamente a mesma. Por exemplo, a faixa que mais chamou a atenção foi “’97 Bonnie and Clyde” de Eminem, na qual Em graficamente fantasia sobre assassinar a mãe de sua filha e se desfazer de seu corpo com sua filha a reboque. A voz de uma mulher obriga-nos a considerar a vítima; ela não é mais apenas uma cifra na fantasia violenta de outra pessoa.
Enquanto isso, “Happiness is a Warm Gun” dos Beatles se torna uma meditação psicodélica de 10 minutos sobre a violência armada. Se você acha que isso é muito literal ou está se perguntando o que a perspectiva de uma mulher pode trazer para a música, diga o título em voz alta enquanto solta o “H”, como faria alguém com sotaque de Liverpool. E “Real Men” de Joe Jackson deixa de ser uma sátira divertida para se tornar dolorosamente e justamente indignado.
Explorando ainda mais a identidade, Amos criou um alter ego para cada música, mas não há rima, razão ou explicação dada para nenhuma delas. São eles os temas das músicas ou as pessoas que as cantam? Por que a “Nova Era” do Velvet Underground é representada por um bibliotecário atraente com um corte elegante de Mary Tyler Moore e óculos de gato? Por que “Raining Blood” do Slayer é representado por um glamoroso lutador da resistência francesa da 2ª Guerra Mundial com um cigarro Gauloises e uma boina?
Mesmo Tori Amos não sabe, dizendo à Rolling Stone em 2001: “Quando comecei a desconstruir cada música masculina, uma mulher diferente parecia ter acesso a mim. Houve um comércio; houve uma troca. Se eu fosse levar isso em conta e desconstruir e entrar nesses homens e ficar pendurado em suas cabeças, então uma mulher teria acesso a mim, e isso realmente me surpreendeu.” A grande arte levanta mais perguntas do que respostas. [10]
+ “Nada se compara a 2U” de Sinead O’Connor
Originalmente por Principe
A versão de “Nothing Compares 2U” de Sinead O’Connor é uma música fantástica, possivelmente uma das melhores já gravadas. Mas apesar de ter sido trocado por género, não merece um lugar na lista propriamente dita, uma vez que não desafia realmente as normas de género de forma alguma. Mas tenha paciência… A versão de Prince mal foi lembrada, mal foi lançada como preenchimento para um projeto paralelo fracassado, e nunca entrou nas paradas até O’Connor torná-la um sucesso em 1990. Em 1993, Prince regravou “Nothing Compares 2U” como um dueto com a cantora de apoio Rosie Gaines, reconfigurando sua própria versão para a perspectiva feminina, aparentemente para combinar com a de O’Connor. Existem muitas capas excelentes por aí; poucos são tão bons que mudam o original. [11]
++ “Where the Wild Roses Grow” de Nick Cave e The Bad Seeds feat. Blixa Bargeld
Originalmente de Nick Cave e as Bad Seeds e Kylie Minogue
Me entristece saber que o improvável emparelhamento do príncipe das trevas, Nick Cave, e da ensolarada princesa do pop Kylie Minogue ocorreu há uma geração inteira, o que significa que pode muito bem haver adultos adultos andando entre nós que nunca ouviram isso. “Where the Wild Roses Grow” é uma canção sombria e íntima do álbum Murder Ballads de Cave, de 1995 .
No entanto, Minogue e Cave têm carreiras tão díspares que, é claro, não estarão no mesmo lugar ao mesmo tempo com muita frequência. Então, quando Cave está em turnê, Blixa Bargeld, vocalista do grupo alemão de noise rock Einstürzende Neubauten, entra no lugar. Cave e Bargeld enfatizam o homoerotismo, acentuando a frase “Seus lábios eram da cor das rosas/Isso cresceu rio abaixo, tudo sangrento e selvagem” com um abraço terno. Você também pode encontrar a versão Blixa Bargeld de “Where the Wild Roses Grow” na compilação B-Sides and Rarities de 2005 da Cave . [12]
