Por volta de 1967, Hollywood começou a mudar sua ordem de operações, concentrando-se mais em filmes que favoreciam o público mais jovem e respondiam mais diretamente à cultura popular. E embora existam muitos nomes que se tornaram sinónimos do que veio a ser conhecido como a “ Nova Hollywood ”, as histórias desta época tendem a esquecer que havia toda uma indústria no centro de tal abalo. Steven Spielberg e Francis Ford Coppola são nomes conhecidos, mas muitos outros diretores tiveram um impacto igualmente significativo. Aqui estão dez deles:
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10 Jack Colina
Conhecido por muitos como o “Howard Hawks do cinema de exploração”, Jack Hill fez seu nome no mundo do cinema estudantil na UCLA, o que o colocou em contato com Roger Corman. Isso lhe deu a oportunidade de dirigir filmes de terror ao longo da década de 1960, como Blood Bath (1966) e Spider Baby (1967).
A partir daí, ele passou a dirigir principalmente no gênero Blaxploitation, colaborando diversas vezes com a atriz Pam Grier em filmes que buscavam criticar as falhas de seus colegas e, ao mesmo tempo, fortalecer as vozes afro-americanas. Mesmo quando vistos com olhos modernos, seus filmes emprestam um nível quase shakespeariano de pathos aos seus personagens, trocando sexo e violência por lutas humanas mais matizadas, mesmo que apenas ligeiramente. [1]
9 João Milius
Mais famoso por suas contribuições para roteiros como Apocalypse Now (1979) e os primeiros rascunhos de Dirty Harry (1972), John Milius foi marcado por suas visões de mundo anárquicas, que muitas vezes entravam em conflito com a política dominante de Hollywood. Dito isto, tal perspectiva era notavelmente adequada ao molde de anti-herói que ocupava a tela prateada da época.
Como roteirista, seu trabalho é incomparável, mas o próprio Milius é igualmente talentoso como diretor. Seu senso de trabalho pessoal e talento para a fragilidade humana transparecem em filmes como Dillinger (1973) e Big Wednesday (1977), que preencheram sua década de 1970, antes de passar para filmes maiores na década de 1980, como Conan, o Bárbaro (1982). ) e Aurora Vermelha (1984). Mais tarde, ele co-criou a série da HBO Roma (2005–2007). [2]
8 Herbert Ross
Começando sua carreira como dançarino, Herbert Ross fez a transição para a direção de filmes em 1969 com a segunda adaptação do romance de James Hilton de 1934, Adeus, Sr. A partir de então, principalmente um jornaleiro, a carreira de Ross em New Hollywood permitiu-lhe enfrentar grandes nomes como Barbara Streisand e Richard Dreyfuss.
Mais parecido com os atores dos estúdios da Velha Hollywood que vieram da geração anterior a ele, o estilo de direção de Ross é mais camaleônico do que o de seus contemporâneos, tornando suas contribuições ao cinema não menos dinâmicas e indistinguíveis. Ele também tem a honra de dirigir The Last of Sheila (1973), o único filme escrito pelo dramaturgo e compositor premiado com o Tony, Stephen Sondheim. [3]
7 Jerry Schatzberg
Apesar de todo o grande cinema que surgiu em Nova York na década de 1970, o nome Jerry Schatzberg não é pronunciado o suficiente, mesmo pelos mais devotados amantes do cinema. Sua carreira começou como fotógrafo, mas não demorou muito para que ele fizesse a transição para o cinema independente, colaborando com Faye Dunaway e Gene Hackman.
No entanto, o mais lamentável é que Schatzberg não seja lembrado como um trampolim integral na ascensão de Al Pacino ao estrelato no cinema. Assim como Francis Ford Coppola o dirigiu em três filmes do Poderoso Chefão (1972, 1974, 1990), ou Sidney Lumet com Serpico (1973) e Dog Day Afternoon (1975), Schatzberg também o fez ao dirigir Pacino em The Panic in Needle Park (1971). ) e Espantalho (1973). Ambos os filmes exibem um sentido de naturalismo que apenas enfatiza ainda mais o sentido de humanidade do cinema daquela época. [4]
6 Bob Rafelson
Encontrando seu sucesso inicial como produtor executivo em Easy Rider (1969) (ele co-criou a empresa Raybert Productions, que eventualmente evoluiu para BBS), Bob Rafelson fez uma série de filmes responsáveis por “legitimar” atores vistos apenas em Filmes B e como jogadores diurnos. Estes incluem Karen Black em Five Easy Pieces (1970), Arnold Schwarzenegger em Stay Hungry (1976), ou os atores que interpretaram The Monkees, cujas carreiras divergiram em direções diferentes depois que seu show foi cancelado (do qual Rafelson co-criou, escreveu e direcionado para). [5]
5 George Roy Hill
Semelhante a Herbert Ross, o visual de um “foto de George Roy Hill” pode não ser facilmente identificável. No entanto, não é preciso ir além dos filmes listados em sua filmografia para encerrar qualquer questão sobre seu talento. Mais conhecido por seus musicais e comédias que povoaram a década de 1960, foi somente em 1969 que Hill encontrou seu trabalho de destaque em Butch Cassidy and the Sundance Kid , estrelado por Paul Newman e Robert Redford.
Ele voltaria a colaborar com os dois, seja em pares, como em The Sting (que rendeu a Hill o Oscar de Melhor Diretor) ou separadamente, como nos casos de The Great Waldo Pepper (1975) ou Slap Shot ( 1977). O que torna Hill duplamente astuto e subestimado é sua capacidade de esconder a rebelião da contracultura dentro dos limites do cinema de gênero, seja nos filmes de ficção científica da década de 1980 com Slaughterhouse-Five (1972) ou nas comédias familiares da década de 1980, com O mundo segundo Garp. (1982) ou Fazenda Engraçada (1988). [6]
4 Alan J. Pakula
O cinema policial moderno não seria o que é sem Alan J. Pakula. Seu impacto no cinema foi simultaneamente subestimado e sentido profundamente desde a produção de To Kill a Mockingbird em 1962. E embora grande parte da série de programas processuais criminais que povoam a televisão em rede seja atribuída a Jonathan Demme por seu filme de 1991, O Silêncio dos Inocentes , não é preciso ir além de Alan J. Pakula.
Seus filmes Klute (1971) e The Parallax View (1974) não apenas exploraram um sentimento de paranóia da era Nixon, mas ele também abordou diretamente esses temas em 1976, quando dirigiu All the President’s Men , sem dúvida o maior filme sobre jornalismo investigativo. . A presença de Pakula foi sentida ao longo da década de 1970, e ele continuou a fazer filmes de qualidade na década de 1990, uma vez que sua influência já era sentida por outros cineastas especializados no próprio estilo que desenvolveu. [7]
3 Melvin Van Peebles
Aqui está um cineasta que é, sem dúvida, muito respeitado entre o panteão dos cineastas negros, mas que deveria ser igualmente considerado em relação ao cinema independente. Notável por ser um dos poucos diretores afro-americanos contratados por um grande estúdio de Hollywood, Van Peebles passaria então a autofinanciar seu filme Sweet Sweetback’s Baadasssss Song (1971). Isso foi uma resposta direta à sua incapacidade de encontrar apoio de estúdio, apesar do sucesso de seu filme anterior, Watermelon Man (1970), da Columbia Pictures.
Deixando de lado a relevância histórica, seus filmes enfrentam os mais prestigiados filmes sobre questões sociais, bem como a comédia mais grosseira da década. Suas raízes como dramaturgo informam seu estilo visual bastante teatral, permitindo-lhe brincar com o meio de uma maneira que lembra o teatro, se não for totalmente intensificada pelos truques e técnicas que o cinema tem a oferecer. [8]
2 Hal Ashby
Hal Ashby não é de forma alguma desconhecido, mas de alguma forma consegue ser subestimado em seu reconhecimento, especialmente quando visto sob o disfarce do autorismo dos anos 1970. Sua taxa de sucesso é quase inseparável da década de 1970, quando a luta pessoal e a intromissão no estúdio praticamente tornaram seus filmes subsequentes inacessíveis, ou pelo menos subestimados pela maioria. Harold e Maude (1971), O Último Detalhe (1973) e Shampoo (1975) podem parecer díspares à primeira vista, mas todos esses filmes oferecem paisagens oníricas microcósmicas que não ignoram o mundo exterior, mas oferecem consolo em oposição direta ao mundo exterior. questões atuais do dia.
Os filmes de Hal Ashby não são filmes inventados, mas parecem encontrados. Iniciando sua carreira como editor (pelo qual recebeu um Oscar), os filmes de Ashby buscam destacar pequenos momentos usados para articular temas maiores. Essa noção é mais fortemente resumida pelo crítico Roger Ebert em sua crítica de Being There (1979), onde reflete sobre os momentos finais do filme, em que o protagonista Chance (interpretado por Peter Sellers) caminha sobre as águas em uma alegoria aparentemente cristã. Ebert escreve que “um filme é exatamente o que nos mostra, e nada mais”, o que pode parecer simplificado demais, mas não pode ser mais preciso, já que Ashby sempre nos mostra apenas o suficiente para falar por eras sobre a condição humana. [9]
1 Elaine maio
Se Hal Ashby é o diretor anônimo do cinema dos anos 1970, então Elaine May pode muito bem ser uma das, se não a mais, diretoras anônimas de todos os tempos. Ela começa sua carreira abrindo um caminho diferente na Nova York dos anos 1960, como metade da dupla de comédia Nichols e May (a outra metade sendo o igualmente revolucionário Mike Nichols). Juntos, eles gravaram vários álbuns e ganharam vários prêmios, então era apenas uma questão de tempo até que Hollywood ligasse.
Com Nichols dirigindo sua adaptação seminal do romance de Charles Webb, The Graduate , em 1967, May logo seguiria com seu igualmente mordaz The Heartbreak Kid (1972), cinco anos depois. Isso foi precedido por A New Leaf (1971) e seguido por Mikey And Nicky (1976), o último dos quais manchou seu relacionamento com os grandes estúdios. Isso resultou na própria May eventualmente roubando bobinas do estúdio e escondendo-as na garagem de um amigo próximo, só devolvendo-as depois que algumas de suas demandas criativas fossem atendidas.
Dito isso, quase todos os seus filmes foram sucessos de crítica e bilheteria. No entanto, a própria May foi rotulada como difícil devido às hierarquias misóginas e a um sentido de particularismo ligado ao autorismo dos seus colegas homens. Até hoje, ela fez apenas quatro longas-metragens, com um quinto supostamente a caminho. Todos os seus filmes têm seus méritos, se não forem verdadeiras obras-primas. O caos financeiro de seu fracasso em 1987, Ishtar , tem sido objeto de vários frenesi na mídia, um filme que por si só não envelheceu tão mal quanto teria aparecido em seu lançamento inicial, três décadas atrás. [10]
