A ficção científica tem a capacidade de nos transportar para mundos inteiramente novos, de ver as possibilidades do futuro. Escritores e cineastas costumam apresentar a tecnologia em um cenário distópico. Desde máquinas desonestas até singularidades tecnológicas, a própria tecnologia torna-se a fonte da queda da humanidade.
Grandes figuras da indústria tecnológica estão até a começar a temer as suas próprias criações. Pessoas como Elon Musk e Clive Sinclair preocupam-se com a ascensão de máquinas sencientes. Max Tegmark falou sobre como a IA poderia um dia mudar a face da guerra cibernética. E o falecido Stephen Hawking certa vez reclamou que a tecnologia serviria para manipular líderes políticos e enganar os mercados financeiros.
Esta ideia – de que a civilização é destruída por aquilo que foi concebido para a ajudar a evoluir – fascina os cinéfilos há décadas. Então, sem mais delongas, vamos dar uma olhada em 10 fatos dos bastidores de alguns dos filmes mais populares envolvendo distopias de ficção científica.
Aviso: esta lista contém spoilers importantes para muitos dos filmes discutidos
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10 O roteiro de Blade Runner foi um caso controverso
Hoje, Blade Runner é considerado uma obra-prima cinematográfica. Mas na preparação para o lançamento do filme em 1982, outros não tinham tanta certeza. O roteiro do filme foi baseado no romance de Philip K. Dick Do Androids Dream of Electric Sheep? O autor criticou o rascunho original do roteiro, alegando que ele despojou sua história de todo significado e sutileza. A opinião de Dick só mudou depois que David W. Peoples, que já havia trabalhado em Return of the Jedi, foi contratado para reformular o roteiro.
Enquanto isso, Harrison Ford odiava a ideia de que seu personagem, Rick Deckard, fosse um replicante involuntário. O diretor Ridley Scott insistiu na reviravolta. Mas as exibições do filme deixaram o público confuso. Scott rapidamente retirou algumas das cenas mais ambíguas, incluindo aquelas que aludiam ao status de Deckard como andróide. Para o lançamento nos cinemas, a Warner Bros instruiu Harrison Ford a gravar dublagens explicando o que estava acontecendo em determinados momentos. Diz-se que a entrega fixa de Ford teve como objetivo impedir o estúdio de usar o material – algo que a estrela negou mais tarde.
Enquanto isso, os executivos do estúdio estavam prestes a tirar o controle do projeto de Scott. Os visuais impressionantes de Blade Runner fizeram com que o filme ultrapassasse o orçamento em milhões de dólares, e a natureza meticulosa do diretor significava que ele estava atrasado. O trabalho no final do filme foi igualmente controverso, com membros da equipe insatisfeitos trabalhando 36 horas para encerrar o filme.
Blade Runner termina com o replicante Roy Batty (Rutger Hauer) perseguindo Deckard pelos telhados de Los Angeles. Batty poupa a vida de Deckard e, em seus momentos finais, faz o agora famoso discurso “Tears in Rain”. Nas primeiras horas da manhã, Hauer reescreveu essa parte do roteiro e apresentou a cena ao chefe. “Era uma hora da manhã. Eu seria demitido às 3”, explicou Ridley Scott. “E então alguém diz que Rutger quer você. Eu disse: ‘Oh, merda!’” Scott marchou até o trailer do ator e ouviu o discurso revisado. “Ele leu e foi ótimo… eu disse: ‘é isso que vamos fazer’”.
9 A tripulação do Terminator 2 redirecionou um rio
Na época de seu lançamento em 1991, Terminator 2 (T2) era o filme mais caro já feito, com um orçamento impressionante de cerca de US$ 100 milhões. O épico de James Cameron segue a jornada de John Connor enquanto ele tenta escapar de um robô modelo T-1000 que foi enviado de volta no tempo para assassiná-lo. Um T-800 (Arnold Schwarzenegger) salva o dia, levando Connor embora em uma Harley-Davidson. Enquanto os dois escapam por um canal de Los Angeles, o T-1000 os persegue em um guincho. Essa sequência não foi uma tarefa fácil.
Primeiramente, o estúdio teve que garantir que o canal estivesse completamente seco para a filmagem. Eles conseguiram esse feito desviando um rio próximo com sacos de areia. A tripulação então construiu uma parede falsa no viaduto do canal. Um caminhão foi jogado contra a parede, mergulhando no canal abaixo. A equipe então percebeu que o caminhão era alto demais para passar por baixo das pontes do canal. Então, usando um pouco de criatividade, eles criaram uma cena em que uma das pontes arranca o teto do veículo. O salto de motocicleta de 9 metros de Arnie foi conseguido suspendendo a bicicleta em dois guindastes, situados em cada lado do canal. A Harley-Davidson foi então retirada do viaduto a 35 mph, com os cabos de suspensão limitando a força do impacto. A façanha foi realizada 20 vezes antes de capturar a foto perfeita.
Não é de admirar que T2 tenha gasto tanto do seu orçamento em efeitos especiais. Uma miniatura detalhada de toda a cidade de Los Angeles foi criada para retratar a destruição apocalíptica da cidade – uma cena que os especialistas nucleares elogiaram pelo seu realismo. A tripulação também ressuscitou uma antiga fábrica de aço, explodiu um complexo de escritórios com centenas de galões de gasolina, iluminou uma rodovia com 16 quilômetros de cabeamento elétrico e encenou um acidente explosivo de helicóptero.
8 A Academia acusou Tron de ‘trapaça’
Tron foi pioneiro no uso de computação gráfica na indústria cinematográfica, inspirando uma geração de animadores a seguir carreira no cinema. Mas na verdade foram videogames como Pong e Breakout que inspiraram a estética única de Tron. A equipe de efeitos especiais capturou essa vibração arcade fazendo edições quadro a quadro de sequências de ação ao vivo. As cenas foram originalmente filmadas em preto e branco, com cenários e figurinos em preto e branco. Isso permitiu que os animadores adicionassem as cores neon distintas de Tron durante o pós-processamento. Essas edições foram então combinadas com uma série de efeitos gerados por computador, todos produzidos usando o talento combinado de algumas das maiores empresas de FX da América. Por exemplo, Magi Synthavision criou os lightcycles, tanks e reconhecedores. Triple-Eu trabalhei no vilão do filme, o malvado Master Control Program. E a RA&A projetou o cenário para o mainframe digital da ENCOM.
Esse processo era caro e demorado. De acordo com o artista de storyboard do filme, Bill Kroyer, cada objeto CG dentro de um quadro precisava de seis números para descrever sua posição no espaço. Assim, para cem quadros – totalizando apenas quatro segundos de filmagem – foram necessários 600 números para descrever o movimento do objeto. Com vários objetos, as coisas ficaram ainda mais complicadas. Esses conjuntos de dados foram então enviados às empresas de FX visual, que tiveram que inserir os números manualmente em seus sistemas de computador. Durante a fase de renderização, um único quadro de filmagem pode levar até 10 minutos para ser produzido.
Dadas as realizações técnicas do filme, pode ser uma surpresa saber que Tron não recebeu uma indicação ao Oscar de Melhores Efeitos Visuais. O diretor do filme, Steven Lisberger, explicou por que o Oscar esnobou o filme: “Fizemos todos aqueles efeitos em cerca de sete meses, o que incluiu a invenção das técnicas. A Academia pensou que trapaceamos usando computadores.”
7 Videodrome transformou James Woods em um sofá
David Cronenberg é bem conhecido por seu terror corporal. Desde transformar Jeff Goldblum em uma mosca gigante até fazer um filme sobre parafílicos que gostam de assistir a acidentes de carro, ele fez de tudo. E, no entanto, nada supera o Videodrome. Lançado em 1983, Videodrome acompanha a vida de um executivo de TV chamado Max Renn (James Woods). Para aumentar sua audiência, Renn transmite um violento show de rapé chamado Videodrome. Ele finalmente descobre que o programa está sendo usado para transmitir um sinal de alta frequência que faz com que os espectadores desenvolvam tumores cerebrais malignos. Acontece que uma empresa de armas está usando o Videodrome para matar pessoas que gostam de assistir a conteúdos de natureza violenta e sexual.
A exposição de Renn ao sinal faz com que ele passe por mudanças bizarras, tanto físicas quanto mentais. Enquanto assiste TV no sofá, uma fenda gigante aparece em seu abdômen. Ele então, por razões desconhecidas, chega à abertura com uma arma carregada. Para que a cena funcionasse, Cronenberg buscou a expertise de Rick Baker, o lendário artista de efeitos que trabalhou em An American Werewolf in London. A equipe de Baker acabou transformando James Woods no próprio sofá, antes de colar uma prótese de torso em sua barriga.
Depois de passar vários dias na forma de um sofá, Woods jurou nunca mais fazer um filme que envolvesse coisas grudadas em seu corpo. “Ele se vira para [co-estrela] Debbie Harry e diz: ‘Quando entrei neste filme, eu era ator. Agora sinto que sou apenas o portador da fenda’”, lembra Cronenberg. “E ela disse: ‘Agora você sabe como é.’”
6 O diretor dos 12 Macacos não gostou de Bruce Willis
Em 1995, o diretor Terry Gilliam começou a refletir sobre seu sexto projeto de filme, 12 Macacos. O estúdio apresentou vários atores de renome para estrelar o papel principal, incluindo Tom Cruise e Nicolas Cage. Embora o papel tenha sido entregue a Bruce Willis, Gilliam teve suas reservas. Diz-se que Gilliam até deu à estrela uma lista de “Clichês de Bruce Willis”, que ele deveria evitar durante as filmagens. “Expliquei a ele minhas preocupações sobre ele como ator. Eu odiei aquela [expressão de lábios franzidos] que ele faz em seus filmes quando fica um pouco nervoso. Eu pensei, ‘Deus, isso é horrível’… Retal. É como se eu estivesse olhando para o idiota de alguém.”
Willis, que estava filmando o terceiro filme de Die Hard na época, muitas vezes lutava para abalar sua personalidade de John McClane. Em uma cena, seu personagem deveria cair no chão após levar uma pancada na cabeça. Willis brigou com o diretor, alegando que a lesão não o imobilizaria. “’Você não é John McClane, vá se foder!’” Gilliam retrucou. “Ele simplesmente saiu e ficou de mau humor perto de uma árvore e eu continuei atirando sem ele e finalmente ele voltou.”
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5 O Distrito 9 foi parcialmente inspirado pela migração do Zimbabué
Embora o Distrito 9 seja fortemente inspirado no apartheid sul-africano, as origens do filme estão em outro lugar. Distrito 9 se passa no mesmo mundo de Alive in Joburg – curta-metragem produzido pelo diretor sul-africano Neill Blomkamp. Semelhante ao Distrito 9, Alive in Joburg faz a pergunta: “O que aconteceria se os alienígenas ficassem presos na Terra e as nossas duas espécies fossem forçadas a coexistir uma com a outra?” O curto documentário mostra um bando de extraterrestres desesperados implorando por abrigo, água e eletricidade nas ruas de Joanesburgo. Os moradores locais temem os alienígenas, acusando-os de cometer estupro e assassinato. Acontece que muitas dessas conversas eram reais.
“Na verdade, foi daí que surgiu a ideia”, explicou Blomkamp. “Há estrangeiros vivendo na África do Sul. Perguntei ‘O que você acha dos africanos do Zimbábue que vivem aqui?’ E essas respostas – não eram atores, são respostas reais…” Blomkamp incorporou as respostas em seu curta-metragem, fazendo parecer que os entrevistados estavam falando sobre alienígenas espaciais.
A África do Sul é o lar de uma grande população de zimbabuanos. A maioria dos recém-chegados são migrantes económicos, que pagam a contrabandistas de pessoas para atravessar o rio Limpopo para a África do Sul. A economia do Zimbabué sofreu terrivelmente às mãos do seu antigo presidente, o falecido Robert Mugabe. Os níveis crescentes de desemprego, inflação e impostos provocaram um êxodo em massa do país sitiado.
O Distrito 9, após seu lançamento em 2009, entrou em apuros com outra nação africana. As autoridades nigerianas tentaram proibir o filme por retratar nigerianos envolvidos no tráfico de armas, canibalismo e prostituição interespécies.
4 A Matriz: Famílias de Baixa Renda Alojadas Recarregadas
The Matrix Reloaded vê Neo (Keanu Reeves) retornar à Matrix em busca de um programa que ajudou a escravizar a humanidade. Uma raça senciente de máquinas criou o programa, conhecido como Arquiteto, para fazer os humanos acreditarem que estavam vivendo suas vidas normalmente. Na verdade, toda a população ficou presa dentro de uma simulação, enquanto as máquinas utilizavam seus corpos como fonte de energia.
Vários programas tentam impedir que Neo chegue ao Arquiteto. Uma impressionante sequência de perseguição ocorre em uma rodovia, repleta de tiroteios em câmera lenta, brigas de artes marciais e destruição de veículos. É claro que esse nível de caos não poderia ocorrer em uma rodovia real, então a equipe simplesmente construiu uma.
Na Alameda, San Diego, o estúdio gastou milhões de dólares construindo um trecho de estrada de 2,4 quilômetros em uma antiga pista da Marinha. O projeto exigiu 7.700 toneladas de concreto, 1.500 toneladas de aço e 1.500 toneladas de madeira serrada. Terminadas as filmagens, a Warner Bros trabalhou com o condado para desmontar os sets. Os materiais recuperados foram então usados para construir casas para famílias de baixa renda no México. Para ambas as sequências, 97% dos conjuntos desconstruídos foram reciclados, totalizando 11 mil toneladas de material.
3 IA superou a animatrônica de Jurassic Park
AI Artificial Intelligence começou como um projeto apaixonante para Stanley Kubrick. O aclamado diretor iniciou o desenvolvimento do filme na década de 1970, colaborando com diversos escritores para produzir um roteiro. Mas Kubrick logo percebeu que a tecnologia necessária para concretizar sua visão não existia. Com o lançamento de Jurassic Park em 1993, Kubrick se convenceu de que Steven Spielberg deveria dirigir seu filme. Após a morte de Stanley em 1999, a família Kubrick convenceu Spielberg a assumir o comando.
A IA mostra a humanidade à beira da guerra com suas próprias criações robóticas, ou mechas. Para projetar os mechas, Spielberg reuniu uma equipe de especialistas em CGI e animatrônica. Com Stan Winston no comando, que já havia trabalhado em Jurassic Park e The Terminator, as filmagens foram concluídas em apenas 68 dias. Alguns dos atores passaram até três horas na cadeira de maquiagem enquanto os artistas os transformavam em mechas descartados. Em uma cena, um grupo de robôs danificados, interpretados por amputados, é visto vasculhando um aterro sanitário em busca de peças de reposição. O filme aproveitou os erros de Winston, usando uma montanha de adereços fracassados para povoar o cemitério de mechas.
Um dos animatrônicos mais sofisticados era um ursinho de pelúcia de um metro de altura. De acordo com Winston, Teddy era ainda mais sofisticado que o T-Rex e os velociraptores de Jurassic Park. O modelo usado durante as cenas de ação abrigava um total de 50 servo motores – metade dos quais eram necessários apenas para simular as expressões faciais do urso. De certa forma, os próprios técnicos tornaram-se atores, ajustando Teddy em tempo real para garantir que suas reações e movimentos fossem verossímeis.
Um dos aspectos mais difíceis das cenas de Teddy foi fazer com que a iluminação parecesse natural. O supervisor de efeitos visuais Scott Farrar explicou o problema: “O macaco gigante em Mighty Joe Young (1998) tinha em média apenas 700.000 fios de cabelo, e eles tinham trinta centímetros de comprimento. Este ursinho de pelúcia tem um milhão e meio de pelinhos, e cada um deles tem oito segmentos curvos. São 12 milhões de manipulações para se preocupar!”
2 Ridley foi expulso do set de Blade Runner 2049
Ridley Scott não dirigiu a sequência de Blade Runner 2049. Isso foi deixado para o diretor de cinema canadense Denis Villeneuve. Como produtor executivo, Scott frequentemente aparecia no set, pairando sobre o ombro de Villeneuve. O diretor acabou expressando seu desconforto: “Ele entrou no set um dia e, depois de alguns minutos com ele atrás de mim, ficou insuportável. Eu fiz uma piada e disse a ele: ‘Ei, Ridley, qual é o seu diretor favorito?’ Ele disse: ‘Oh, eu amo Ingmar Bergman e Kubrick’… então eu disse: ‘Como você se sentiria se estivesse dirigindo o set e tivesse Bergman logo atrás de você? Embora Kubrick tenha recebido o comentário de bom humor, ele rapidamente entendeu a mensagem e saiu.
2049 não foi o sucesso de bilheteria que muitos esperavam, ficando muito aquém dos custos de produção e marketing de US$ 300 milhões. Ridley Scott afirma que o filme fracassou porque era “muito longo”. Quanto ao futuro da franquia, Scott diz que está atualmente trabalhando em ideias para o próximo filme.
1 O final original de Star Wars era sombrio
Em Empire Strikes Back, Luke Skywalker (Mark Hamill) tem uma visão de seu próprio rosto sob a máscara de Darth Vader. Mais tarde, Vader faz a Luke o icônico discurso “Eu sou seu pai”, antes de tentar levá-lo para o lado negro. A Vingança dos Jedi se apoia fortemente na ideia da transformação de Skywalker. Ele passa grande parte do filme vestido de preto matando seus inimigos com um sabre de luz. Muitos teorizaram que Luke usou o lado negro para dominar Vader durante o confronto final. Depois de cortar a mão de Vader, o Imperador Palpatine incita o jovem Jedi: “Seu ódio o tornou poderoso”.
O episódio final, originalmente chamado de Vingança dos Jedi, poderia ter sido muito mais sombrio. Um possível final para a trilogia original seria ver Luke seguindo os passos de seu pai. George Lucas sugeriu ao co-roteirista Lawrence Kasdan que Skywalker deveria se virar depois que Vader revelasse seu rosto. De uma transcrição da reunião: “Luke tira a máscara. A máscara é a última coisa – e então Luke a coloca e diz: ‘Agora eu sou Vader.” Luke então assumiria como missão destruir a frota rebelde. Kasdan supostamente adorou essa ideia.
Mark Hamill também está registrado dizendo que pressionou Lucas para transformar Skywalker em um vilão. Harrison Ford queria que Han Solo morresse lutando contra o Império em Endor, pouco se importando com o que aconteceu com seu personagem. Mas Lucas decidiu contra ambas as ideias, acreditando que o filme precisava atrair um público mais jovem.
