À medida que avançamos além das inovações iniciais em cinematografia, atuação e tecnologia audiovisual para a era das sequências e franquias, o remake tornou-se uma parte fundamental do cinema contemporâneo. Embora a tradição de refazer filmes não seja novidade, com a alergia do público de língua inglesa às legendas e o constante avanço da tecnologia que oferece inúmeras maneiras de melhorar os trabalhos anteriores, não é sempre que o diretor original assina o contrato para fazer o mesmo filme novamente.
No entanto, essas feras raras existem. Vários fatores atraem um cineasta de volta a um projeto finalizado, incluindo grandes pagamentos, públicos maiores e produtores que não aceitam um não como resposta. Embora os resultados variem, para melhor ou para pior, aqui estão 10 diretores que fizeram o mesmo filme duas vezes.
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10 Os Irmãos Pang, Bangkok Perigoso (1999/2008)
A lacuna das legendas pode ser difícil para os espectadores ocidentais atravessarem. Na verdade, o grande público norte-americano é tão relutante e resistente em ler os seus filmes que Hollywood criou um negócio lucrativo na adaptação de filmes internacionais para o mercado de língua inglesa. E embora isso muitas vezes implique uma produção inteiramente nova com diferentes criativos, produtores, atores e equipe, às vezes o talento original permanece.
Esse é o caso dos irmãos Danny e Oxide Pang, cujo thriller de ação tailandês Bangkok Dangerous , sobre um assassino surdo-mudo em uma missão de vingança de um exército de um homem só, não conseguiu ser traduzido para o público estrangeiro, apesar do estilo infundido de Tarantino dos diretores. . Embora os Pangs tenham deixado seu filme em repouso por quase uma década, quando os homens do dinheiro de Hollywood ligaram, eles aproveitaram a chance de dirigir o remake do filme.
Embora a dupla procurasse permanecer fiel à sua visão original, algumas mudanças tiveram que ser feitas. O mais significativo é que o assassino surdo-mudo (agora interpretado pelo A-lister Nicolas Cage) não seria mais surdo ou mudo porque – em suas próprias palavras – “por uma questão de marketing, Nic precisa ter algumas falas”. [1]
9 Cecil B. DeMille, Os Dez Mandamentos (1923/1956)
Da velha guarda do cinema americano, Cecil B. DeMille trabalhou com o meio durante sua era muda inicial e no cinema falado, do preto e branco ao colorido, refinando seu ofício junto com a indústria. À medida que a tecnologia avançava, DeMille desenvolveu um interesse por assuntos bíblicos e romanos e produziu alguns épicos históricos fascinantes, com o seu primeiro deste tipo – Os Dez Mandamentos, de 1923 – mantendo o recorde de receitas da Paramount durante um quarto de século.
Mas DeMille estava longe de terminar. Embora as limitações financeiras e técnicas tenham feito com que DeMille dividisse seu filme original em duas partes, combinando a história do Êxodo com um conto moderno de dois irmãos, o diretor conseguiu concentrar todo o seu remake de 1956 em Moisés e nos pecados de Ramsés II.
Com dinheiro, recursos e inovações de ponta ao seu alcance, DeMille foi capaz de realizar o épico bíblico definitivo, com filmes coloridos VistaVision, 12.000 atores, 15.000 animais, efeitos especiais de última geração e Charleton. Heston e Yul Brynner nos papéis principais. O elemento mais importante, porém, foi poder filmar em locações no Egito, trazendo à nova versão uma semelhança que surpreendeu o público. [2]
8 Tim Burton, Frankenweenie (1984/2012)
A carreira cinematográfica de Tim Burton se estende por décadas e viu o diretor conscientemente estranho enfrentar sucessos de bilheteria de ação ao vivo, animações, recursos musicais, remakes e qualquer outra coisa que os estúdios permitirem que ele se aproxime. Mas tudo começou com um filme em preto e branco com orçamento de US$ 1 milhão chamado Frankenweenie
.
O filme é uma homenagem humorística ao Frankenstein de Mary Shelley e segue um menino que traz seu bull terrier de volta dos mortos. Embora tenha sido financiado pela Disney, Burton só tinha dinheiro suficiente para fazer um filme de ação ao vivo (apesar de imaginá-lo como uma animação). A Casa do Rato não quis ter nada a ver com isso depois de feito, por considerá-lo muito assustador. Como resultado, o filme ficou para trás – até 2012.
Com carta branca criativa da Disney (e um orçamento de US$ 39 milhões), Burton ressuscitou seu projeto em glorioso stop-motion. Mas, em vez de ficar chateado por não conseguir o que queria, ele credita às restrições do filme original a motivação para a ação ao vivo e o show que lhe rendeu seu primeiro grande filme – A Grande Aventura de Pee-wee (1985). [3]
7 Alfred Hitchcock, O homem que sabia demais (1934/1956)
Apesar de ter feito os filmes mais conhecidos de sua carreira na América, com locações americanas, atores americanos e preocupações culturais americanas, Alfred Hitchcock foi um diretor britânico que formou sua carreira no Reino Unido. Entre os filmes produzidos durante seu período britânico está The Man Who Knew Too Much , um thriller de espionagem que mostra um casal comum envolvido em espionagem internacional durante férias na Suíça.
O filme foi bem recebido e ajudou a estabelecer o diretor nacional e internacionalmente. Nas décadas seguintes, Hitchcock considerou revisitá-lo com mais experiência e um orçamento maior. Porém, só duas décadas depois, tendo se tornado uma pedra angular do sistema de Hollywood, é que ele teve a oportunidade.
Em 1956, ele criou uma nova versão americana do filme para a Paramount, estrelando James Stewart e Doris Day nos papéis principais e transplantando a ação para o Marrocos francês. Apesar do sucesso inicial de bilheteria do filme e da afirmação de Hitchcock de que “a primeira versão é obra de um amador talentoso e a segunda foi feita por um profissional”, a segunda foi mantida fora de circulação geral até 1983. [4]
6 Wes Anderson, Foguete de Garrafa (1994/1996)
Recém-saído da faculdade no início dos anos 90, Wes Anderson e seu colega de quarto Owen Wilson estavam determinados a fazer tudo o que fosse necessário para entrar na indústria cinematográfica. Isso começou com as filmagens de Bottle Rocket , um filme em preto e branco de baixíssimo orçamento dirigido por Anderson e estrelado por Owen e seu irmão Luke Wilson, no qual alguns amigos tentam ao máximo executar um assalto.
O filme foi exibido no Festival de Sundance de 1994, onde a produtora Barbara Boyle o comprou antes de levá-lo ao lendário diretor-produtor James L. Brooks (famoso por Mary Tyler Moore Show e Simpsons ), que se encontrou com os cineastas e finalmente concordou em financiar um filme. versão mais longa e mais cara.
Apesar de seguirem em frente com sua visão para o filme, Anderson e Wilson tiveram uma recepção negativa na maioria das frentes, com exibições de teste indo terrivelmente, Sundance recusando-se a exibir o novo filme e a bilheteria levando cerca de um décimo do orçamento. No entanto, o tempo tem sido aliado de Bottle Rocket , e o filme agora é visto com carinho como uma joia escondida da obra de Anderson – e um dos filmes favoritos de Martin Scorsese. [5]
5 Michael Mann, queda / bateria em Los Angeles (1989/1995)
Heat é considerado um dos maiores filmes policiais de todos os tempos e fez história ao reunir dois pesos pesados do gênero – Robert De Niro e Al Pacino – pela primeira vez. Eles interpretam o mestre bandido Neil McCauley (De Niro) e o homem da lei, tenente Hanna (Pacino), que são pegos em um jogo de gato e rato enquanto o primeiro tenta executar seu assalto final.
Mas o filme quase não foi feito, e se não fosse pela primeira versão do filme do diretor Michael Mann, LA Takedown , poderia ter continuado assim.
O roteiro de 180 páginas de Heat precedeu os dois filmes e foi escrito por Mann no final dos anos 1970. Ele então o revisou depois de fazer Thief em 1981, e depois de não conseguir tirá-lo do papel, acabou filmando LA Takedown no final dos anos 1980, usando uma versão resumida do roteiro.
Este filme acabou servindo de protótipo para seu sucessor e foi suficiente para despertar o interesse e provar que Mann poderia realizar um filme policial épico. Como resultado, ele foi capaz de revisitar e concretizar a visão de seu roteiro original – como Heat – meia década depois. [6]
4 Sam Raimi, The Evil Dead/Evil Dead II (1981/1987)
O terror de possessão de baixo orçamento de Sam Raimi, The Evil Dead, pegou o público de surpresa no início dos anos 80, provando que o terror poderia ser barato, engraçado e absolutamente sensacional ao mesmo tempo, ao mesmo tempo que cimentava a fórmula da cabana na floresta. Leva um grupo de jovens estudantes universitários idiotas liderados por Ash Williams (Bruce Campbell) a uma cabana na floresta, onde um livro maligno traz espíritos demoníacos para o meio deles.
Considerado um remake e uma sequência do filme original, Evil Dead II explorou um território bastante novo para o cinema de terror e franquia, refazendo e recauchutando todo o primeiro filme. E há duas razões principais para isso.
Em primeiro lugar, Raimi queria mudar a narrativa do filme existente para se adequar às suas ideias futuras para a franquia, recontando o final em que Ash morreu. A segunda e mais significativa razão, porém, foi que ele e seus produtores não detinham os direitos do primeiro filme, então foram forçados a fazer uma nova versão do longa existente, confundindo fãs de todo o mundo. [7]
3 Takashi Shimizu, O Rancor (2002/2004)
Um dos precursores do J-horror, Takashi Shimizu, conseguiu afetar o cenário do terror em casa e nos EUA como um dos raros diretores dispostos a dirigir o remake de Hollywood de seu próprio filme.
Terceiro da série Ju-On de Shimizu e o primeiro a receber lançamento nos cinemas, o enredo de The Grudge se concentra nos acontecimentos que cercam uma casa mal-assombrada, onde os fantasmas de uma família assassinada assombram e atacam os ocupantes da casa. O filme fez sucesso no mercado interno e construiu um culto suficiente no exterior para que os produtores americanos se interessassem. A primeira vez que ofereceram o trabalho a Shimizu, ele recusou, mas depois de um pouco de persuasão do produtor Sam Raimi, ele aceitou com relutância.
No comando, o diretor japonês conseguiu assumir o controle criativo de seu trabalho para um público totalmente diferente, ao mesmo tempo em que interpretava o enredo e o roteiro do original para seu novo filme e atores. Apesar dos confrontos com os produtores durante a produção e da recepção decepcionante dos fãs e da crítica, ele defende o remake como a versão que considera mais completa e com a qual está mais satisfeito. [8]
2 Hans Petter Moland, Em Ordem de Desaparecimento/Perseguição Fria (2014/2019)
O thriller em língua norueguesa In Order of Disappearance segue um motorista de limpa-neves (Stellan Skarsgard) que inadvertidamente inicia uma guerra de gangues quando busca vingança pela morte de seu filho. Apesar desse conceito fácil e familiar, de uma grande atração de estrelas em Skarsgard e de uma recepção calorosa da crítica em territórios internacionais, Hollywood ainda queria uma versão em inglês desde o início.
Na estreia do filme em Berlim, Moland foi assolado por telefonemas de estúdios e produtores que queriam comprar os direitos. Embora ele inicialmente não tenha considerado a possibilidade de refazer seu filme, o produtor de Moland o convenceu de que seu tom e estilo eram uma parte tão essencial do sucesso do original que o tornavam indispensável.
Moland admitiu que, se seu filme fosse uma produção teatral, ele não teria problemas em fazer uma produção nos Estados Unidos, quebrando o estigma que cerca os remakes. No entanto, foram necessários cinco anos para que o filme – agora intitulado Cold Pursuit – decolasse, apesar de Liam Neeson estar ligado à produção desde o início. [9]
1 Michael Haneke, Jogos Engraçados (1997/2007)
Nas décadas desde o lançamento de Funny Games , o terror psicológico alcançou uma notoriedade generalizada, garantindo o seu legado. O filme se passa na casa de férias de uma família de classe média, onde dois jovens educados e sinistros – Paul (Arno Frisch) e Peter (Frank Giering) – aparecem e destroem a família, terminando em miséria, derramamento de sangue e destruição. desastre.
O realizador Michael Haneke esperava que o seu filme em língua alemã fosse bem recebido nos EUA, já que este é o público que ele imaginou ao realizá-lo, reflectindo sobre o que descreveu como “a pornografia da violência” nos meios de comunicação ocidentais. Infelizmente, a barreira das legendas atrapalhou e os Funny Games não conseguiram fazer sucesso. Assim, quando o produtor Chris Coen abordou Haneke para fazer uma versão do filme em inglês, ele aceitou.
Embora a maioria dos diretores se contente em abordar seu filme com uma nova visão, Haneke estava determinado a refazer o novo Funny Games como um remake plano por plano com atores americanos. Apesar desses limites e controles, uma química totalmente diferente floresceu entre os personagens na tela e trouxe um humor novo e sombrio à tona. [10]
