Foi demonstrado que a música tem um efeito muito real na psique humana. Vários governos e grupos usaram a música para exercer um efeito psicológico nas pessoas. Alguns desses esforços foram altamente eficazes, enquanto outros nunca seriam um grande sucesso, apesar dos seus melhores esforços.
10 Paródias de canções da Igreja Batista de Westboro
A odiosa seita cristã conhecida como Igreja Baptista de Westboro (WBC) é normalmente conhecida pelo seu discurso de ódio e protestos de mau gosto, mas também espalha a sua mensagem através da música. Especificamente, ele parodia músicas e vídeos de música pop e espalha as paródias pelo YouTube, bem como por um SoundCloud com mais de 100 músicas, que são, em sua maioria, variações de música pop e tradicional inflamadas pela loucura. As paródias são bizarramente fiéis ao som das músicas originais, fazendo você se sentir como se tivesse caído em um universo paralelo onde Weird Al Yankovic é um homófobo virulento, Katy Perry está prevendo a morte apocalíptica de pecadores, e Lorde está afirmando que o os membros do WBC governarão no Céu com o Senhor Jesus enquanto o resto da população queima no inferno.
Eles parecem ter um interesse especial em lidar com Lady Gaga, tendo dedicado duas paródias de músicas a ela. No primeiro, o “Telephone” original se torna “Ever Burn”, uma referência à condenação eterna e ardente de Lady Gaga. A segunda foi uma paródia de “Poker Face” apresentando o refrão, “Você chateou Deus, você vai ver o que ele tem ”.
Alguns acreditam que as canções representam uma forma de os membros do WBC se envolverem com a cultura dominante que afirmam desprezar. Há também quem diga que, embora o WBC geralmente prefira chamar a atenção de forma negativa por meio de trollagem e maldade, as paródias das músicas revelam que talvez eles só queiram ser apreciados, afinal. O único problema é que suas tentativas desesperadas de parecer descoladas e descoladas tendem a parecer ridículas .
Em 2014, o WBC parodiou o Panic! at the Disco, single de 2006, “I Write Sins Not Tragedies”, refazendo-o como “You Love Sin What a Tragedy”, com letras como:
Oh! Todos vocês dizem que não há problema em ser gay
O caminho para o casamento gay foi pavimentado
Bem, isso exige alguma verdade, agora
Vocês estão todos loucos .
Pânico! at the Disco se vingou quando o WBC planejou fazer um piquete em um show, prometendo doar US$ 20 ao grupo pró-direitos gays Human Rights Campaign para cada membro do WBC que comparecesse. Eles concordaram devidamente em prometer US$ 260 quando apenas 13 membros do WBC realmente apareceram, arredondando posteriormente para US$ 1.000.
9 Estado Islâmico Nasheeds
Um método usado pelo ISIS para recrutar jovens muçulmanos impressionáveis é através de canções pró-jihadistas conhecidas como nasheeds . Estes cantos árabes a cappella são cantados por homens e fornecem a música de fundo para as ações militantes do ISIS no Médio Oriente. Os nasheeds pró-jihadistas surgiram pela primeira vez entre os fundamentalistas islâmicos no Egipto e na Síria na década de 1970, crescendo em popularidade apesar de alguns os terem denunciado como não-islâmicos.
Hoje, o ISIS está produzindo milhares dessas músicas. O mais popular é “My Ummah, Dawn Has Appeared”, o hino não oficial do ISIS, que traz letras como “ O Estado Islâmico surgiu pelo sangue dos justos. O Estado Islâmico surgiu pela jihad dos piedosos.” Algumas das canções são originais, mas outras são canções religiosas tradicionais e familiares refeitas como odes ao jihadismo. Estas permitem músicas cativantes que atraem os jovens, especialmente os do Ocidente, bem como músicas nostálgicas que apelam às gerações mais velhas, todas apoiando e reforçando a agenda do Estado Islâmico.
As músicas são feitas rapidamente em estúdios rudimentares, usando equipamento de gravação básico, versos autoajustados e uma série de efeitos sonoros militantes, como marchas, cascos de cavalos e tiros. Esta é uma maneira conveniente de criar música sem instrumentos musicais reais , que são proibidos pela interpretação estrita do Islã pelo ISIS. O Estado Islâmico tem uma ala dedicada à produção de nasheed chamada Ajnad Media Foundation, que combina os esforços de poetas, músicos e artistas de milícias, incluindo um número crescente de ocidentais , como o ex-rapper alemão Deso Dogg.
Os Nasheeds também são popular entre grupos muçulmanos xiitas , que não possuem as restrições sunitas à instrumentação e à dança. Os nasheeds xiitas estão repletos de percussão rítmica, instrumentos de cordas e grupos de cantores e dançarinos autoajustados que soam mais como boy bands de techno do que música islâmica tradicional.
8 Gunka
Os japoneses imperiais produziram milhares de canções militaristas, conhecidas como gunka , destinadas a levar sua população a um frenesi bélico. As canções militares foram desenvolvidas pela primeira vez no final do século 19, quando a instrumentação ocidental foi combinada com estilos musicais ocidentais e japoneses para criar uma música de fusão de banda de metais. Essas canções se tornaram a trilha sonora do crescente poder japonês, popular especialmente durante os períodos da Guerra Russo-Japonesa e Sino-Japonesa.
Na década de 1930, a produção de gunka foi fortemente incentivada tanto pelo Ministério da Informação quanto pelo Ministério da Educação. No entanto, a invasão da Manchúria deu um impulso ao gênero, com um aumento na apreciação dos clássicos das guerras anteriores e um boom de novas músicas como “Kogun shinpatsu no uta” (“The Imperial Army Marches Off”) e “Manshu no rabaa Manshu musume” (“Donzela da Manchúria, minha amante da Manchúria”).
As gravadoras japonesas encorajaram os cidadãos a escreverem as suas próprias canções de guerra patrióticas, e o conteúdo tornou-se cada vez mais radicalizado. Estes incluíam “Bakudan Kurai Te de Ukeyo” (“Você pode pegar a bomba”), “Aikoku Koushin Kyoku” (“A Marcha do Nacionalismo”) e “Umi Yukaba” (“Se você for para o mar”). A música foi projetada para ser cativante, lenta o suficiente para qualquer um cantar junto e ter uma batida atraente.
“Umi Yukaba” trazia letras particularmente berrantes, mas é considerada um clássico do gênero:
Se você for para o oceano,
há um cadáver encharcado .
Se você for para a montanha,
há um cadáver crescido demais.
Houve até um gunka escrito em homenagem à visita de um representante da Juventude Hitlerista ao Japão em 1938, chamado “Juventude Hitlerista Banzai!”
As Ondas Hakenkreuz
gloriosamente.
A indústria e o patriotismo também são o nosso espírito.
Você, gloriosa raça germânica,
Agora domina o espírito japonês
Através de nossas montanhas e rios!
Banzai Juventude Hitlerista!
Banzai NSDAP !
O estilo musical foi banido após a derrota do Japão em 1945, mas a sua influência persistiu na música popular japonesa durante o resto do século. Hoje, essas canções são extremamente populares entre os japoneses de extrema direita, que emitem gunka nos alto-falantes das vans de campanha, e às vezes jogado para pessoas idosas em lares de idosos que sofrem de demência. Estranhamente, ele teve um renascimento no século 21 entre os fãs de uma tendência de anime militarista e jogos para smartphones chamada moe-miritari , que geralmente apresenta jovens garotas de anime fundidas com armamento militar e uma trilha sonora gunka .
7 Música Rebelde do IRA
A música rebelde irlandesa é um subgênero da música folclórica irlandesa com letras sobre o republicanismo irlandês. Para os nacionalistas irlandeses, estas canções são uma fonte de orgulho nacional e uma lembrança da sua luta pela independência contra o imperialismo e a opressão britânicos. Mas algumas das canções foram condenadas por idolatrar o terrorismo republicano, incluindo o assassinato de soldados e policiais britânicos. Embora as canções sejam uma parte legítima de qualquer tradição nacional, especialmente quando a luta pela nacionalidade tem sido difícil, alguns, especialmente os legalistas do Norte, acreditam que algumas das canções são usadas para glorificar as acções dos grupos terroristas modernos .
Em 2014, a banda rebelde irlandesa The Druids causou polêmica no festival Ardoyne Fleadh, no norte de Belfast, por seus comentários sobre os soldados britânicos: “Já era hora de eles derrubarem seus pequenos Union Jacks, já era hora de reunirem todos os seus camaradas Orange. , já era hora de eles carregarem o ônibus e já era hora de todos voltarem para a Inglaterra, de onde vieram. Isso foi recebido com aplausos pela multidão.
Isso logo levou a reclamações de legalistas de que a banda estava promovendo discurso de ódio antibritânico e antiprotestante, enquanto a banda dizia que os comentários foram tirados do contexto e representavam o apoio da banda a uma República Irlandesa unida, mas não ao terrorismo do IRA.
Em 2015, um juiz na Escócia decidiu que tais canções eram “ameaçadoras e ofensivas” após a condenação de dois homens por cantarem uma canção pró-IRA num jogo de futebol. Eles foram presos ao abrigo da Lei de Comportamento Ofensivo no Futebol e Comunicações Ameaçadoras (Escócia), uma peça legislativa controversa destinada a reduzir a violência sectária em jogos de futebol, mas criticada por alguns como uma restrição à liberdade de expressão.
Lord Justice Clerk Carloway explicou a sua posição: “Não existe uma proibição geral de cantar canções sectárias e os recorrentes têm a liberdade de satisfazer o seu desejo de o fazer em muitos locais alternativos. Existe, no entanto, uma proibição de o fazer em jogos de futebol . . . O tipo de conduta aqui é precisamente o objetivo da lei.”
6 Óperas Revolucionárias Chinesas
A ópera de Pequim, ou jingju , é uma forma musical que remonta ao século XVIII, com formas operísticas anteriores que remontam à dinastia Tang, um milénio antes. Com a ascensão do Partido Comunista Chinês (PCC), esta forma decadente e feudal de entretenimento teve de desaparecer, mas teve um substituto. Enquanto na União Soviética, a ópera tradicional foi praticamente extinta após a ascensão do comunismo, e os chineses desenvolveram ativamente óperas revolucionárias pró-comunistas para o entretenimento do povo.
As primeiras óperas revolucionárias foram protótipos toscos apresentados para Mao Zedong em Yenan em 1938, centrando-se na luta do PCC contra os invasores japoneses, mas sem a delicadeza e o talento da ópera tradicional. Inicialmente, os trajes tradicionais foram mantidos numa estranha mistura de estilos tradicionais e temas modernos. Mao não ficou satisfeito e criou institutos culturais para refinar ainda mais a forma de arte. Uma ópera tradicional, A Vingança do Pescador , foi refinada como propaganda comunista, com os trajes tradicionais dando lugar às roupas modernas. O interesse começou a diminuir na década de 1940, à medida que surgiram disputas sobre se a ópera tradicional era uma decadência reacionária ou uma valiosa herança cultural.
Mao acabaria com a controvérsia, declarando que o verdadeiro objectivo era “fazer da arte e da literatura uma componente de toda a máquina revolucionária, torná- las uma arma poderosa para unir e educar o povo, e para atacar e destruir o inimigo, e para ajude as pessoas a lutar com um só coração e uma só mente.” Isto ajudaria a lançar as bases para o desenvolvimento do yang ban xi , oito óperas e dois balés destinados a servir como meio cultural de educação política. Enquanto as óperas tradicionais se baseavam nos ideais confucionistas de piedade filial e harmonia social, as óperas revolucionárias preferiam idolatrar Mao Zedong e o governo do Partido Comunista.
Foi a esposa de Mao, a ex-atriz Jiang Qing, quem assumiu a vanguarda do desenvolvimento de yan ban xi , que muitas vezes envolvia refazer óperas tradicionais de Pequim com temas revolucionários. A Lanterna Vermelha , Tomando a Montanha do Tigre por Estratégia , Lago Sha-Jia , O Porto , Ataque ao Regimento do Tigre Branco , Destacamento Vermelho de Mulheres e Canção do Rio Dragão, todos receberam o tratamento yan ban xi . Durante a revolução cultural, estas óperas foram distribuídas e apresentadas em todo o país , transformadas em filmes e publicitadas em cartazes omnipresentes. O facto de todas as outras músicas e apresentações terem sido proibidas ajudou estas óperas a deixar uma marca permanente nas pessoas que viveram a Revolução Cultural, muitas das quais se lembram daqueles dias com uma nostalgia decididamente mista.
5 Narcocorridos
Os Corridos são uma tradição musical mexicana que remonta a um século, baseada em polcas e valsas e com letras acompanhadas de acordeões e bandas de metais. Eles ganharam popularidade pela primeira vez durante a Revolução Mexicana, celebrando notáveis como Pancho Villa e Emiliano Zapata. Ao longo dos últimos 30 anos, a ascensão de poderosos cartéis de droga no norte do México assistiu ao desenvolvimento de narcocorridos , celebrando as façanhas e ultrajes dos cartéis de droga, dos seus líderes e dos seus soldados. Embora o governo mexicano tenha feito esforços para banir a música, sua popularidade continua forte .
Muitas das letras exaltam a violência inerente aos cartéis, como uma canção escrita pelo grupo narcocorrido El Movimiento Alterado em homenagem ao chefe do cartel de Sinaloa, com um refrão acompanhado de acordeão cantando “Nós gostamos de matar” e letras mais detalhadas :
Com uma AK
e uma bazuca mirando
e explodindo a cabeça
de quem atrapalhar
A música é extremamente popular, uma reação cultural ao poder violento dos cartéis, e os músicos que desejam obter renda são forçados a aderir ao gênero. Como disse um guitarrista à NPR: “As pessoas dizem: ‘Cante-me um corrido sobre narcotraficantes com balas e maconha’. Eles não querem um bolero . Eles querem um narcocorrido . É assim que é aqui na fronteira.”
Hoje, o mundo dos músicos do narcocorrido tornou-se cada vez mais perigoso, à medida que cantores e artistas são apanhados no fogo cruzado das lutas ciumentas dos cartéis. O primeiro cantor de destaque a morrer foi Chalino Sanchez em 1992, e dezenas de outros morreram desde então. Em 2015, o cantor Alfredito Olivas, de 20 anos, foi baleado oito vezes enquanto se apresentava em uma boate, enquanto o cantor Rogelio Brambila Lizarraga, de 22 anos, foi encontrado morto em um SUV crivado de balas.
Um promotor independente explicou à Billboard : “É como um filme de terror. Artistas são mortos porque tocaram em uma festa para um traficante [rival]; porque olharam para a namorada de um traficante; porque são pagos para escrever ou gravar uma música sobre um traficante e um rival fica chateado; ou porque de alguma forma irritam o traficante que está financiando sua carreira.”
Mas a música é popular e a fama é sedutora apesar dos perigos: “Pense nisso. Você é um jovem artista e alguém lhe oferece US$ 100 mil para gravar uma música e torná-la um sucesso. Chega ao primeiro lugar e, de repente, a Univision e a Telemundo estão lutando por você.” Mas os líderes do cartel gostam ainda mais de notoriedade do que de fama, e uma boa maneira de conseguir isso é matando um popular cantor de narcocorrido que sai da linha.
4 Câmara de Música do Reich
A Alemanha nazista desejava criar um mundo cultural alemão puro, que era da competência de um dos órgãos do governo central, a Reichskulturkammer (RKK), ou Câmara de Cultura do Reich. A divisão musical da RKK era a Reichsmusikkammer (RMK), que significa Câmara de Música do Reich. Segundo o compositor Richard Strauss, este foi “o sonho e objetivo de todos os músicos alemães durante décadas” e “um passo importante na direção da reconstrução de toda a nossa vida musical alemã”. Provavelmente foi uma surpresa para Strauss quando o Reichsmusikkammer proibiu sua música em 1935, provavelmente devido a membros judeus de sua família.
O nome do jogo era “boa música alemã”, que Hitler e Goebbels acreditavam ser melhor representada por Ludwig van Beethoven, Richard Wagner e Anton Bruckner. Hitler identificou-se com o “alemão forte” Beethoven, adorou as composições teutónicas sérias de Wagner e viu em Bruckner um representante das raízes honestas e humildes do povo alemão em geral.
Outros “bons artistas alemães” incluíam Hans Hotter (a quem Hitler chamava de “o barítono do futuro”, embora Hotter supostamente zombasse dele nas festas), Clemens Krauss (por quem Hitler teve uma simpatia estranha e forçou-o a trabalhar para o ministério da música). em Munique, apesar de querer apenas regressar a Viena) e Elly Ney (uma antiga criança prodígio que era virulentamente anti-semita, um sentimento que remonta a uma odiada professora de piano judia quando ela tinha 10 anos).
No final de 1937, o diretor da RMK, Peter Raabe, declarou: “Toda a música estrangeira que for distribuída na Alemanha pelas editoras musicais deve ser submetida à Autoridade de Inspeção Musical do Ministério de Propaganda do Reich. É proibida a distribuição de partituras que tenham sido declaradas indesejadas pela Autoridade de Inspeção Musical.” Demorou alguns anos, no entanto, até que uma política abrangente de censura à música estivesse totalmente em vigor, proibindo “música cujos compositores, letristas, arranjadores ou editores sejam judeus ou membros de estados inimigos (Inglaterra, Polónia, Rússia, França; Bizet -Carmen e Chopin são exceções).
A propaganda musical foi uma parte importante da Hitlerjugend, ou movimento da Juventude Hitlerista, mais particularmente do canto em grupo. Um memorando interno descreveu a importância: “[É] precisamente durante as celebrações e eventos de canto [que] temos uma excelente oportunidade de ter um efeito político muito além da formação típica. . . As músicas possuem o maior poder de construção de comunidade. Assim, utilizamo-los deliberadamente naqueles momentos em que queremos despertar a consciência de fazer parte de uma comunidade, para aprofundar o poder de tal experiência.”
A música era vista como uma forma de aumentar a coesão e a lealdade do grupo, e as crianças da Juventude Hitlerista recebiam aulas regulares de música vocal e instrumental como parte de seu currículo básico. Os membros da Juventude Hitlerista costumavam se apresentar em festivais e festas de aniversário de altos funcionários nazistas.
3 A guerra do Khmer Vermelho contra a música
Após a independência da França no final de 1953, a capital cambojana de Phnom Penh foi o lar de uma cena musical próspera, que teve influência dos discos ocidentais importados da França, mas que os tornou seus. Quando os militares dos EUA estavam estacionados no Vietnã em 1965, os músicos cambojanos foram expostos ao rock, blues, soul e pop americanos por meio de uma filial da Rádio das Forças Armadas. Surgiu uma geração de músicos de rock cambojanos vibrantes. Eles foram em grande parte destruídos pelo Khmer Vermelho.
Quando o grupo radical de esquerda tomou a capital em 1975, imediatamente embarcou numa campanha sangrenta para livrar a cidade de qualquer influência ocidental, exilando ou executando educadores, advogados, médicos e outros intelectuais. Mas eles tinham uma ira especial por cantores, compositores e músicos, que viam como os principais representantes de uma cultura corrupta e ocidentalizada que procuravam espalhar ao vento. Forçados a partir, muitos músicos morreram na fome resultante, com alguns sobreviventes concordando em tocar música de propaganda para o regime.
A nova música revolucionária do Khmer Vermelho foi projetada para doutrinar a população, com todas as formas de canções e danças populares, folclóricas e tradicionais pré-revolucionárias proibidas. Estas foram concebidas como uma forma de guerra cultural, para destruir as artes do “inimigo” e construir o espírito revolucionário do povo.
“The Red Flag”, uma canção cantada antes das reuniões, representa o tom geral da música sob o Khmer Vermelho:
Nossa Bandeira Vermelha da Revolução Sangue vermelho
brilhante sangue vermelho cobre a terra , Sangue sacrificial para libertar o povo:
Sangue de trabalhadores, camponeses e intelectuais;
Sangue de rapazes, monges budistas e moças.
Sangue que gira e voa, girando no alto
No céu,
Transformando-se na bandeira vermelha e revolucionária!
Desde a queda do Khmer Vermelho, a música pré-revolucionária tem desfrutado de um renascimento tanto no país como entre a diáspora cambojana. Em 2015, um documentário intitulado Não pense que esqueci: o rock and roll perdido do Camboja detalhou a experiência angustiante e horrível sob o Khmer Vermelho do ponto de vista dos músicos. Eles pintam um quadro vívido de uma Phnom Penh desolada e pós-apocalíptica, com lojas de discos destruídas e instrumentos musicais abandonados em ruas manchadas de sangue.
2 Coro Mbare Chimurenga
A música sempre desempenhou um papel importante na história política do Zimbabué. No período colonial, os músicos negros fizeram composições em favor da liberdade e da revolução, que foram rapidamente banidas e suprimidas pelo governo da supremacia branca, mas mesmo assim populares. A Zanu PF que lutava pela independência negra tocava música militante através de uma estação de rádio pirata conhecida como Voz do Zimbabué. Após a independência negra, a música ficou livre de censura e grandes artistas internacionais como Bruce Springsteen e Bob Marley percorreram o país.
As coisas mudaram quando surgiram, na década de 1990, actos musicais que criticavam Robert Mugabe e o regime Zanu PF. Eles então reprimiram a música “politicamente incorreta”, banindo-a das ondas de rádio da mídia, e tentaram substituí-la por peças de propaganda favoráveis ao regime. Financiaram financiou a produção de discos de artistas considerados amigáveis ou inofensivos ao regime e promoveram jingles políticos chamados música chave chimurenga (“agora é guerra”).
Um dos principais órgãos da música de propaganda do Zanu PF foi o Coro Mbare Chimurenga , um grupo de 67 membros de homens e mulheres, considerados vendedores de fruta e ferragens, conhecidos pelas suas danças entusiasmadas e letras pró-governo. Eles eram populares, mas também se beneficiavam de um sério apoio governamental.
Um analista descreveu o grupo como tendo sido concebido para produzir “músicas partidárias que glorificar propagandisticamente Mugabe [e] que são tocadas no horário nobre (e aquelas canções que o rebaixam são censuradas). Os jovens parecem ser alvo de canções, pois o tema, os cantores e o estilo de dança atraem a geração mais jovem. O cenário das canções, embora atravesse a divisão rural e urbana, inclina-se fortemente para a violência, sugerindo que o partido que tradicionalmente conta com o apoio das áreas rurais pode estar a levar a guerra de violência para os subúrbios.”
No final de 2010, o Ministro da Informação e Publicidade e Comissário Político da Zanu PF, Webster Shamu, ordenou aos DJs de quatro estações de rádio da Zimbabwe Broadcasting Corporation que tocassem pelo menos dois jingles pró-governo por sessão de DJ, aproximadamente a cada 30 minutos . Os jingles foram entregues por Shamu em um CD de Mbare Chimerenga intitulado Nyatsoterera ( Ouça com Atenção ), e ele enfatizou a forte rotação da canção “Ndikusetere team”, um jingle exaltando Robert Mugabe como o chefe da “equipe” do Zimbábue e condenando os líderes da oposição. .
O forte impulso à propaganda musical estava em preparação para as eleições do ano seguinte. Continuou em 2011, apesar de um acordo anterior para um governo inclusivo com o partido MDC. A Zanu PF organizou um comício em frente aos escritórios do governo do Edifício Munhumutapa com uma actuação de Mbare Chimurenga durante todo o dia, irritando e distraindo os funcionários que trabalhavam lá dentro. Desde então, porém, a popularidade do grupo diminuiu à medida que Mugabe envelhece; mísseis foram lançados contra o grupo por uma multidão durante uma apresentação em 2015.
1 Hip-hop de poder branco
O movimento neonazi moderno tem uma relação complexa com o hip-hop, com alguns rejeitando-o inteiramente como antitético a todo o sentido do movimento e outros argumentando que poderia ser uma ferramenta potencial para espalhar a consciência. Estranhamente, o hip-hop da supremacia branca é um fenômeno que existe em todo o mundo.
O LA Times chamou a atenção para uma manifestação americana do rap do poder branco em 2006 em um artigo sobre o grupo de hip-hop Woodpile. O Times descreveu o grupo como “homens corpulentos com cabeças raspadas e cobertos de tatuagens. Eles levantam os punhos no ar e dançam ruidosamente em frente a um palco enfeitado com bandeiras nazistas e símbolos skinheads racistas . Outros, incluindo algumas mulheres, observam o perímetro. No palco, as pessoas tocam músicas ensurdecedoras, gritando mais do que cantando, com letras instando os brancos a ‘se levantarem e lutarem’. ”
A banda mais tarde alegaria que era um grupo de orgulho branco, não um grupo de poder branco. Essa lógica foi suficiente para convencer um redator do Southern Poverty Law Center:
Em primeiro lugar, eles estão na West Coast Mafia Records. Resultado final? Mesmo que sejam dólares e você possa racionalizar algo assim, não consigo imaginar um gangsta negro colocando um rapper ou artista musical da supremacia branca em sua gravadora. Não consigo imaginar um supremacista branco querendo ser subjugado a estar na gravadora de um negro. Isso meio que subverte a filosofia da hierarquia racial dos supremacistas brancos. Não consegui nem encontrar esse sabor de ‘orgulho de ser branco’. Não há nada de errado, criminoso ou mesmo racista em dizer ‘ somos brancos e temos orgulho ‘.
As coisas são mais claras em outras partes do mundo. Na Alemanha, o hip-hop foi apresentado à comunidade neonazista quando uma dupla de rap de Nova York lançou um álbum de lançamento limitado chamado Neo Hate , que recebeu atenção do fanzine skinhead alemão Der Panzerbar, de Brandemburgo . Isto logo levou a uma erupção de rappers neonazistas no país. Eles distribuem seus CDs nos pátios das escolas na esperança de influenciar jovens impressionáveis. Esses artistas incluem N’Socialist Soundsystem (o “N” significa “National”), Sprachgesang zum Untergan, Naturlich e os artistas solo MC Bock e Makss Damage.
Muitos dos artistas alemães negam mesmo ser artistas de hip-hop, apresentando uma série de justificações para a dissonância entre a sua música e a sua ideologia. Makss Damage disse: “Eu transformo música negra em música branca – como Elvis fez naquela época”, enquanto N’Socialist Soundsystem deixa sua posição bem clara: “Seu rap está morto, conforme o sistema, a verdadeira onda alemã está prestes para vir com o N’Socialist Soundsystem, eu desprezo vocês, vocês são conformados e covardes, nunca gostei de vocês, f- vocês, porcos do sistema.
Outros exemplos de rap da supremacia branca surgiram na Rússia , e, supostamente, na Polônia, embora não tenhamos encontrado nenhum exemplo. Em suma, parece uma denúncia bastante demonstrável de um movimento supremacista se você acabar culturalmente absorvido pelo mesmo grupo que tanto odeia. França
