Pink Floyd é uma das, senão a mais conhecida banda de rock do gênero rock progressivo, capturando a essência de longas passagens instrumentais e complementando-as com vibrações memoráveis e letras claras. Seus conceitos eram convincentes, desde as primeiras excentricidades psicodélicas até a formação de um álbum conceitual. Eles foram moldados pela inventividade de Barrett, pela habilidade e paixão de escrita de Water, pela afeição de Gilmour pelos acordes e ainda pela simplicidade, pelo conhecimento composicional de Wright, pela desenvoltura de Nick Mason e pelas inúmeras influências do jazz pelas quais foram inspirados e às quais voltariam frequentemente. Esta lista tenta destacar alguns fatos relativamente desconhecidos sobre o Pink Floyd, bem como abordar mitos sobre a banda. A lista está em uma ordem considerada relevante.
Nick Mason é o membro mais antigo do Pink Floyd, desde a era Barrett até os tempos do Floyd desidratado (ou seja, sem Roger Waters). Em seu tempo com o Pink Floyd, ele raramente se aventurava fora de sua zona de conforto de instrumentos percussivos, tendo aulas fracassadas de violino e fornecendo efeitos e sons especiais. Mas como a banda o adquiriu como baterista? De acordo com Mark Blake, autor de “Comfortably Numb: The Inside Story of Pink Floyd”, Nick Mason era visto como baterista porque podia fornecer fundos e transporte para comprar instrumentos e levá-los aos shows. Apesar dessa supervisão da banda, Mason provou ser um baterista eficaz e contribuiu para a composição de músicas como Time, Echoes e Speak to Me (creditadas exclusivamente a ele). Sua voz também aparece na faixa One of These Days.
Associada a duas citações semelhantes, a música Any Color You Like do Dark Side of the Moon parece fazer referência à citação de Henry Ford: “Você pode ter a cor que quiser, desde que seja preto”. Embora o conceito do título diga respeito à falta de escolha no mundo moderno, a origem do título não vem da citação de Henry Ford, mas sim de uma observação que Roger Waters fez enquanto morava em Cambridge. Como inspiração para esta lista, este trecho foi e pode ser encontrado em um ensaio intitulado “Qual é rosa?” pelo musicólogo Phil Rose.
“Em Cambridge, onde eu morava, as pessoas vinham de Londres em uma van – um caminhão – que abria a traseira e ficava na traseira do caminhão, e o caminhão estava cheio de coisas que eles estavam tentando vender. E eles falam muito rápido e astuto e vendem coisas como louças, porcelanas, conjuntos de facas e garfos. Todos os tipos de coisas diferentes, e eles vendem muito barato com um padrão. Eles lhe dizem o que é e dizem: ‘São dez pratos, senhora, e é isso, aquilo e aquilo outro, e oito xícaras e pires, e por tudo isso não estou pedindo dez libras, NÃO cinco libras, NÃO Três libras . . . cinquenta bob para você!’, e eles se livram dessas coisas assim. Se eles tivessem conjuntos de porcelana e fossem todos da mesma cor, diriam: ‘Você pode ficar com eles, dez centavos para você, amor. Qualquer cor que você quiser, são todos azuis. E isso foi apenas parte desse padrão. Então, metaforicamente, ‘Any Color You Like’ é interessante, nesse sentido, porque denota oferecer uma escolha onde não há nenhuma. E também é interessante que na frase, ‘Qualquer cor que você quiser, são todos azuis’, não sei por que, mas na minha cabeça é sempre ‘são todos azuis’, o que, se você pensar bem, , relaciona-se muito com a luz e as trevas, o sol e a lua, o bem e o mal. Você faz sua escolha, mas é sempre azul.”
Além do título da música, o trabalho em andamento tinha vários nomes, como Scat ou Scat Section, e também ficou conhecido como Breathe (2nd Reprise) devido à sua batida e sequência de acordes semelhantes.
Continuando no tema do que é considerado a obra-prima do Pink Floyd, Dark Side of the Moon faz uso de vozes ao longo do álbum. Essas vozes foram geradas por perguntas que Roger Waters escreveu em cartões e posteriormente foram feitas a roadies, porteiros, membros da banda Wings e qualquer pessoa disponível em Abbey Road. As aproximadamente vinte perguntas variavam entre “Quando foi a última vez que você foi violento e você estava certo?” para “O que a frase ‘O Lado Escuro da Lua’ significa para você?” A risada que pode ser ouvida em Speak to Me e Brain Damage é a de Peter Watts, road manager do Pink Floyd. Além das vozes, ao final do álbum ouve-se uma música fraca, que se presume ser uma versão instrumental de Ticket to Ride dos Beatles ao fundo. Foi proposto que durante a gravação da resposta do porteiro Jerry Driscoll (“na verdade não existe lado escuro da lua, na verdade está tudo escuro”) que em algum lugar de Abbey Road, Ticket to Ride estava tocando e foi pego pelo microfones.
Pioneiro no som do Pink Floyd, Barrett tem sido amplamente visto como um gênio musical por suas contribuições à cena psicodélica underground dos anos 1960. Little parece se concentrar no homem por trás da música, além de seu colapso mental que levou a banda a abandoná-lo enquanto estava a caminho de um show em 1968. Lentamente, ele voltou de Syd Barrett para seu nome de batismo, Roger Barrett, enquanto escorregava. na obscuridade cada vez maior após deixar a banda. Ele continuaria a lançar dois álbuns solo com a ajuda de David Gilmour, mas acabou sucumbindo a uma vida privada em Cambridge. A mídia e os fãs o procuraram nos últimos anos do Floyd, um conceito que Barrett não entendia; ele viveu firmemente no presente e não aproveitou seu passado. Tornando-se mais consciente do materialismo que rodeava as suas criações artísticas enquanto tentava viver da forma mais privada possível, começou a praticar uma forma de autodestruição nas suas obras de arte.
O próprio Barrett estudou e praticou com tinta, tinta e lápis nas encarnações mais antigas da banda. Ele continuaria assim durante todo o seu tempo com o Pink Floyd e depois de sua era como vocalista. Com um forte desinteresse pelo materialismo e total descrença por trás do motivo pelo qual as pessoas o procuravam, ele continuou pintando e criando obras de arte com um método recém-descoberto para lidar com o clamor. Ele assumiu o ritual de fotografar suas obras concluídas e depois destruir a tela, às vezes queimando sua própria obra. Como a metáfora que involuntariamente é para o desenvolvimento da banda, Barrett conseguiu resumir o aspecto de como ele lida com a pressão da atenção e da demanda na indústria (e anteriormente, a presença de drogas) com este dano e ato impetuoso. [Fonte] http://www.sydbarrett.com/biography.htm
A arte do álbum do Pink Floyd é tão lendária quanto a própria banda, abordando os temas de suas músicas com visuais tão impressionantes quanto o próprio conteúdo. Gerald Scarfe e Storm Thurgeson, dois artistas frequentemente associados ao Pink Floyd, estão por trás de grande parte das obras de arte do Floyd da década de 1970. Scarfe desenhou conteúdo para o álbum The Wall e Thurgeson desenhou a capa do álbum por trás de The Dark Side of the Moon e Wish You Were Here. Na capa icônica do DSOTM há um prisma que representa a iluminação do palco da banda, os temas líricos do disco e o pedido do tecladista Rick Wright por um design simples e ousado. Dos sete designs apresentados à banda, o prisma foi escolhido por unanimidade. Como a banda podia se dar ao luxo de ser mais exigente, as coisas ficaram mais complicadas.
A imagem da capa de Wish You Were Here consiste em dois empresários reunidos na rua, cumprimentando-se com um aperto de mão vazio, um homem em chamas. A imagem foi inspirada na ideia de que as pessoas tendem a esconder seus verdadeiros sentimentos, por medo de “se queimarem”. Esta era uma frase comum na indústria musical, usada frequentemente por artistas aos quais foi negado o pagamento de royalties. Na imagem, foram usados dois dublês, um deles vestido com um traje à prova de fogo e coberto por um terno de negócios. Sua cabeça estava protegida por um capuz, por baixo de uma peruca. A fotografia foi tirada nos estúdios da Warner Bros. em Los Angeles. Inicialmente o vento soprava na direção errada e as chamas atingiram o rosto do dublê, queimando seu bigode. Isso foi facilmente remediado, porém, com os dois dublês mudando de posição. A fotografia foi posteriormente revertida.
Para a imagem da capa do Animals, eles tiveram cuidado ao planejarem orquestrar um porco voando. Depois de contratar uma empresa alemã Ballon Fabrik (que já havia construído dirigíveis Zeppelin) e um artista australiano para construir um balão suíno, conhecido como Algie, o balão foi inflado com hélio e manobrado para a posição com um atirador treinado pronto para atirar se escapasse. Infelizmente, o mau tempo atrasou o trabalho e o empresário da banda se esqueceu de contratar o atirador para um segundo dia. O balão, obviamente testando a lei de Murphy, libertou-se das amarras e desapareceu de vista. Aterrissou em Kent e foi recuperado por um fazendeiro local, que ficou furioso por ter “assustado suas vacas”. O balão foi recuperado e as filmagens continuaram pelo terceiro dia, mas como as primeiras fotografias da central foram consideradas melhores, a imagem do porco foi posteriormente sobreposta a uma delas.
Este é um breve resumo de uma análise maior e mais aprofundada do álbum The Wall e suas muitas partes móveis, cortesia de Bret Urick. Embora o álbum em si seja cheio de simbolismo, artifícios literários, temas e outros itens significativos – martelos, tijolos, paredes, minhocas – a música Another Brick in the Wall, Part 2 está cheia de declarações oximorônicas e contraditórias, apesar de sua postura unificadora contra a forma como as instituições sufocam a criatividade nas salas de aula de hoje. Enquanto Waters, Wright e Gilmour cantam um coro de estudantes inquietos para se rebelarem contra o tratamento duro e cínico de seus professores, há uma certa antítese no ar que é aparente nas letras.
Enquanto luta pela individualidade, a letra de Another Brick in the Wall, Part 2 ironicamente está saturada de referências ao conformismo. Não existe um ‘eu’, ou um personagem singular como acontece com o resto do álbum, existe um ‘nós’. Esta pluralidade é um roubo de identidade, como evidenciado pelas ações das crianças enquanto estavam sob as regras do professor e enquanto saqueavam a escola no filme baseado no álbum. As crianças na segunda estrofe cantam letras de revolução pessoal, mas são acompanhadas por seu ritmo simétrico e sincronizado, tanto musical quanto fisicamente. Apesar das suas tendências rebeldes, tornaram-se tão comparáveis como quando eram clones um do outro. Além disso, poder-se-ia investigar os efeitos da psicologia de massas e a pressão entre os pares para contribuir para a violência e o caos que é literalmente a derrubada dos muros da escola. É uma vitória momentânea de Pink em sua luta contra sua parede figurativa, o que explica o expressivo solo de guitarra em meio à rígida estrutura disco da música.
A maioria concorda ou é da opinião que Syd Barrett teve um colapso nervoso no início de 1968 devido à crescente notoriedade da banda e ao uso de drogas. Rob Chapman, autor de “Syd Barrett: A Very Irregular Head”, entretanto, argumenta que a loucura de Syd foi um mal-entendido de sua intenção artística. Ele afirma que o motivo por trás do abandono de Syd pelos outros membros da banda é que quando a banda estava prestes a se tornar um sucesso financeiro, Barrett quis recorrer a uma forma diferente de experimentação sonora. Ele atribui as ações de Barrett (como tocar uma corda desafinada durante uma apresentação inteira) como atos de desafio contra os membros da banda que discordavam dele.
Chapman vai ainda mais longe ao analisar as músicas de Syd no Pink Floyd e o trabalho de seus anos solo. Ele raciocina que se Syd tivesse tido um colapso mental, sua escrita teria sofrido tanto quanto ele. Como em seus anos com o Pink Floyd, Chapman encontra referências e citações espalhadas por toda parte, desde Huff the Talbot e nosso Cat Tib (rima de Mother Goose), Summer’s Last Will and Testament de Thomas Nashe (uma peça de máscara elisabetana), King Henry VI Pt. 1, The Wind In The Willows, de Kenneth Grahame, poemas de: Anonymous (Mr Nobody), John Clare (Fairy Things), Sir Henry Newbolt (Rilloby-Rill) e William Howitt (The Wind in a Frolic) – todos na música Octopus do álbum The Madcap Laughs. Quão perto ou quão longe nos aprofundamos nisso, sua música continua influente.
Em 1972, o Pink Floyd lançou um álbum de performance ao vivo gravado no anfiteatro de Pompéia e em um estúdio na França. Embora a localização do anfiteatro de Pompéia sem público tenha servido como uma excelente declaração contra as gravações ao vivo da época em que as bandas eram mostradas ao lado de seus fãs, o mais importante era que era um símbolo da história de Pompéia.
A ideia inicial por trás do Live at Pompeii não era Pompeii, mas sim, conforme conceituado pelo diretor, combinar a música do Floyd com a arte contemporânea. Em uma reunião com David Gilmour e o empresário da banda, a banda recusou a ideia, concordando em falar sobre o assunto posteriormente. Adrien Maben, o diretor, foi de férias para a Itália no início do verão de 1971. Foi em Pompéia que Adrien Maben perdeu seu passaporte e, refazendo seus passos, foi surpreendentemente deixado de volta à cidade antiga. Não há melhor maneira de resumir o espírito das gravações do Live At Pompeii do que Maben descreveu ter visto no anfiteatro vazio:
“Voltei sozinho, refazendo meus passos pelas ruas vazias de Pompéia, de volta ao anfiteatro de paredes e assentos de pedra.
“Foi estranho. Um enorme anfiteatro deserto cheio de ecos de sons de insetos, morcegos voadores e a luz que desaparecia, o que fazia com que eu mal conseguisse ver o lado oposto desta enorme estrutura construída há mais de dois mil anos.
“Eu sabia por instinto que este era o lugar para o filme. Tinha que estar aqui. De alguma forma, tudo aconteceu naquela noite na cidade antiga. Filme o anfiteatro vazio, ressuscite o espírito de Pompéia com som e cor, imagine que os fantasmas do passado poderiam de alguma forma retornar.”
É um mito completo que as autoridades italianas só permitiriam que o Pink Floyd tocasse em Pompéia enquanto não houvesse público; a Soprintendenza de Nápoles (o conselho oficial que controla o local de Pompéia) estava cética em relação a um grupo de rock tocar em um local de valor cultural, mas a ideia de que não haveria público não foi imposta pela Soprintendenza.
O Publius Enigma é um mistério em torno do álbum Division Bell e é suspeito de ser um dos primeiros exemplos de campanha de marketing viral e um quebra-cabeça que acabou sendo abandonado por seus criadores. Se o enigma é ou não um quebra-cabeça oficialmente solucionável, ainda não está claro, mas foi confirmado por Mason em seu livro “Inside Out: A Personal History of Pink Floyd” como sendo uma jogada de marketing da EMI e que ‘Publius’ não era um porta-voz fictício. para a banda, mas sim, uma pessoa real coordenando uma orquestração de eventos destinados a agitar e estimular os fãs do Floyd para a Division Bell Tour.
Publius prometeu uma recompensa não especificada para resolver o enigma e afirmou ainda que havia um enigma escondido na arte, música e letras do álbum. Os protestos dos céticos logo se seguiram, apenas para serem silenciados quando Publius afirmou sua aparição em um local ao vivo: “Segunda-feira, 18 de julho, East Rutherford, Nova Jersey. Aproximadamente 22h30. Luzes brancas piscando. Há um enigma.” Cumprindo sua promessa, as palavras ENIGMA e PUBLIUS apareceram em fortes luzes brancas durante a música Keep Talking. Autenticando ainda mais a existência de Publius durante o concerto televisionado e gravado em Earl’s Court, Londres, a palavra ENIGMA foi projetada no cenário durante a música Another Brick in the Wall, Part 2. No DVD P•U•L•S•E daquele concerto, marcações extras também foram adicionadas com a pista L = mc², apenas para serem rapidamente sobrepostas com E = mc².
Somando-se à validade e perpetuação do Publius Enigma estão outras pistas da parafernália do Pink Floyd: “Publius Enigma” pode ser ouvido pouco antes da música One of These Days no lançamento do DVD de 2003 do Pink Floyd: Live at Pompeii. A página 13 do encarte do CD de The Division Bell contém um anagrama da palavra “enigma”, escondido na terceira coluna à direita da letra de Wearing the Inside Out. A seguir estão associações selvagens e muitas vezes irracionais a outros eventos significativos, mas tenha em mente que esta foi uma ideia da EMI.
“Os números das páginas do livreto do CD do The Division Bell estão escritos em vários idiomas e impressos nas silhuetas das estátuas mostradas na capa do álbum. A página 11 mostra duas silhuetas de cabeças. Impressa em qualquer um deles está a palavra alemã para onze, ‘elfo’, resultando em ‘elfo elfo’ ou ‘onze onze’. O trailer do filme 11:11 de 2009 traz a música High Hopes. High Hopes é a 11ª faixa do The Division Bell. A data de lançamento de On An Island, de David Gilmour, 6 de março de 2006, é exatamente onze meses e onze anos após a data de lançamento de The Division Bell nos EUA, 5 de abril de 1994.
Em 11 de junho de 1994, Publius fez sua primeira postagem enigmática no grupo de notícias Pink Floyd. Onze anos depois, em 11 de junho de 2005, Roger Waters, David Gilmour, Nick Mason e Richard Wright concordaram em se reunir como Pink Floyd para o Live 8. Durante a transmissão (e como visto no DVD do Live 8), a banda levou o pouco depois das 23h, e às 23h11, o Pink Floyd estava tocando junto como uma formação de quatro homens pela primeira vez em vinte e quatro anos.
Dark Side of the Rainbow, ou Dark Side of Oz, é uma suposta sincronização proposital (embora às vezes reivindicada como uma colaboração não intencional de almas criativas) do álbum The Dark Side of the Moon com o filme O Mágico de Oz. Os rumores surgiram por volta de 1994 de que o álbum era a trilha sonora do filme, com conexões sendo feitas entre as ações dos personagens e as letras do álbum. Por exemplo, Dorothy se equilibra em uma cerca de corda bamba durante a frase “equilibrada na maior onda” da música Breathe e ela começa a correr quando as palavras “ninguém te disse quando correr” são cantadas durante Time. As faixas também fazem transição quando as cenas mudam, e músicas como The Great Gig in the Sky tocam por toda a casa de Dorothy pega no tornado do Kansas. A culminação do segundo rugido do leão termina com uma batida de coração, um homem de lata e a música fraca mencionada anteriormente, constituindo um argumento bastante convincente para aqueles que são obrigados a acreditar que este é um golpe de gênio do Floyd. Os membros da banda negam as alegações e os produtores não se lembram de nenhuma menção ao filme durante a gravação do álbum.
Outra sincronicidade interessante (um fenómeno em que eventos coincidentes “parecem relacionados, mas não são explicados por mecanismos convencionais de causalidade”, como explicado por Carl Jung) é 2011: uma Odisseia do Pink Floyd. O segmento final, Júpiter e Beyond the Infinite, tem duração semelhante à música Echoes do Pink Floyd. Stanley Kubrick originalmente ofereceu ao Pink Floyd um papel na produção da música por trás do filme, mas Waters recusou enquanto tentava distanciar a banda do gênero rock espacial. A teoria dos fãs é que depois de ver a obra-prima de Kubrick, eles (ou Waters individualmente) se arrependeram de ter perdido a oferta e decidiram criar uma peça musical que se encaixasse no filme. Embora existam paralelos com Dark Side of the Rainbow, como cenas mudando com a música, é, em última análise, uma jornada menor em coincidência.
