Fundada por Daniel Katz, David Fenkel e John Hodges como uma empresa de distribuição de filmes em 2012, a A24 tem sido uma espécie de missão na última década para defender filmes únicos, peculiares e premiados com um mandato independente. Entrando no jogo da produção em 2016, a empresa liderou o lançamento de filmes emocionantes que buscam alterar o status quo, desafiar as expectativas do público e, de muitas maneiras, virar o pássaro para o sistema estagnado e repetitivo de Hollywood, cuja preocupação com capas e spandex sufocaram o tipo de cinema criativo que A24 representa.
A maioria dos filmes que eles lançam não são apenas bons, mas mudam ativamente nossas expectativas em relação ao cinema e ao que ele é capaz. Assim, cada um dos filmes a seguir leva uma marreta ao molde cinematográfico e fala da verdadeira extensão da contribuição da A24 na indústria nos últimos anos.
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10 Oitava série (2019)
A comédia sobre a maioridade de Bo Burnham, Oitava Série , pode soar como um cenário para um típico filme adolescente – transições estranhas de alunos da oitava série do ensino fundamental para o ensino médio enquanto navegam pelos julgamentos de garotas malvadas, festas na piscina e mídias sociais – mas é tudo menos .
Subversivo do começo ao fim, Oitava Série é um filme anti-adolescente, evitando tramas sobre patinhos feios, pactos de virgindade e a festa de férias de primavera para acabar com todas as festas de férias de primavera, para priorizar relacionamentos autênticos. Cortejando o realismo, Burnham baseou sua pesquisa nos vlogs menos vistos do YouTube de alunos da oitava série, incorporando suas personalidades, maneirismos, vocabulários e expressões em seu roteiro. Ele também escalou alunos reais da oitava série, incluindo a estrela Elsie Fisher, para ambientes que não enfatizam os valentões nem minimizam as falhas na pintura de um retrato assustadoramente preciso de um momento tão importante da vida.
Mas todo esse esforço para representar as lutas de ser adolescente foi quase em vão quando a MPAA deu à oitava série uma classificação R. Em resposta, A24 e Burnham organizaram exibições gratuitas e únicas em todos os estados dos EUA, contornando as avaliações da censura para atingir seu público-alvo. [1]
9 Hereditário (2018)
A24 desempenhou um papel importante na revolução, modernização e repopularização do terror, ajudando a guiar e sustentar um renascimento do gênero que o viu transformar-se das emoções baratas dos anos 2000 na forma de arte mainstream que conhecemos hoje. E um de seus porta-estandartes é a forma despretensiosa de Ari Aster, cujo longa-metragem de estreia Hereditário pode ser o terror popular mais assustador de todos os tempos.
Deixando de lado os sustos e muitos outros clichês e truques baratos que associamos ao gênero, Hereditário constrói sua tensão em torno de uma família de quatro pessoas e das muitas tragédias bizarras que se abatem sobre eles, deixando o público adivinhando até tarde se há algum envolvimento sobrenatural. Mas o elemento-chave de toda a imagem é o som. O compositor vanguardista Colin Stetson foi encarregado por Aster de produzir uma trilha sonora que funcionasse como seu próprio personagem no filme, uma presença maligna iminente que preencheria a ausência de uma presença visual. E ele o fez – Stetson criou uma paisagem sonora sombria e assustadora de 85 minutos (cobrindo 66% de todo o tempo de tela) cujo instrumento principal era, entre todas as coisas, sua própria voz. [2]
8 O Farol (2019)
O segundo longa-metragem de Robert Eggers, The Lighthouse , também foi seu segundo filme com a A24 e exemplifica o tipo de riscos que a empresa está disposta a correr para dar vida à visão de um autor. O Farol é a história de dois faroleiros do século XIX (“wickies”), interpretados por Robert Pattinson e Willem Dafoe, que gradualmente perdem contato com a realidade enquanto ficam isolados por meses em uma pequena ilha na costa da Nova Inglaterra.
Nada em The Lighthouse é convencional, seja pelo fato de ser apresentado em preto e branco ou por usar a proporção de aspecto Movietone de 1,19:1 (um formato quadrado predominante na década de 1920). Ou talvez tenha sido filmado em Cape Forchu, onde o vento, a chuva e o frio eram tão reais quanto parecem na tela. Mas a atenção exagerada à autenticidade não termina aí, já que Eggers fez Pattinson e Dafoe falarem em diálogos wickie do século XIX, muitas vezes incompreensíveis, enquanto trabalhavam em espaços muito apertados (comprimindo todas as cenas em uma proporção estreita), vivendo em sujeira, e vomitando e se molhando diante das câmeras. [3]
7 Luar (2016)
O primeiro filme produzido pela A24, Moonlight , de Barry Jenkins , conta a história de um jovem negro homossexual, Chiron, durante sua infância, adolescência e início da idade adulta, explorando os desafios associados à sua sexualidade e identidade.
O filme quebra as convenções narrativas ao ter três atores diferentes (Trevante Rhodes, Ashton Sanders e Alex Hibbert) interpretando Quíron, com cada seção abordando momentos cruciais que influenciam seu desenvolvimento na próxima. Para alcançar um estilo visual distinto de acordo com a época e o cenário, o colorista Alex Bickel também editou cada capítulo para emular diferentes filmes – Fuji, Kodak e Agfa.
Muito mais do que estilos narrativos e visuais incomuns, no entanto, Moonlight apresenta uma interseção cuidadosa entre masculinidade, vulnerabilidade e homossexualidade negra, o primeiro desse tipo a ser reconhecido globalmente. O apoio ao filme e ao seu trabalho em levar as lutas e nuances da comunidade gay negra a um público tão grande foi tão grande que até ganhou o Globo de Ouro de Melhor Filme e o Oscar de Melhor Filme. [4]
6 Solstício de Verão (2019)
Liderando com uma pontuação horrível de cordas / corte de partida de grito humano, o filme do segundo ano de Ari Aster, Midsommar, abre na escuridão literal e metafórica de um duplo assassinato-suicídio no inverno, quando toda a família imediata do protagonista Dani Ardor (Florence Pugh) é morta de uma só vez. . Isso a inspira a viajar por um tempo para uma remota vila sueca com seu namorado e seus colegas de faculdade, onde os moradores celebram um festival de verão que ocorre uma vez a cada 90 anos.
Depois que Dani deixa os EUA para trás, todo o filme se desenrola em plena luz do dia, enquanto a misteriosa estratégia dos suecos para coletar nove sacrifícios humanos se torna aparente. No papel, Midsommar não deveria funcionar. Não só a luz do dia não é assustadora, como também não existe um vilão discernível; os aldeões operam juntos e não têm nada além de alegria e solidariedade para espalhar entre os hóspedes sobreviventes. No entanto, ao quebrar as regras mais fundamentais do manual de terror, o filme ainda sai vitorioso. E, como se não bastasse, aposta tudo numa tapeçaria pré-crédito que estraga toda a trama. [5]
5 Gemas Brutas (2019)
Conhecidos por sua abordagem inovadora ao cinema, assumindo riscos e criando espaço para atores consagrados e não atores tentarem algo novo, os irmãos Safdie conquistaram o ouro cinematográfico com seu quinto longa-metragem ambientado em Nova York, Uncut Gems . E a inovação deste thriller policial de rua é dupla, escalando Adam Sandler para um papel dramático sério e gerando uma tensão vertiginosa que torna o filme visceralmente estressante de assistir.
O filme mostra Sandler perfeitamente escalado contra o tipo como Howard Ratner, um joalheiro e viciado em jogos de azar que leva a si mesmo, sua esposa e o público ao ponto de ruptura absoluto da ansiedade pura e não adulterada enquanto toma decisões erradas após decisões erradas. Usando pura vontade e determinação, os Safdies obtiveram uma atuação diferenciada de Sandler, bem diferente de tudo que o público já viu dele antes. Ainda assim, sua claustrofobia visual tátil exigiu um pouco mais de enxerto técnico. Para conseguir esse efeito, os irmãos orientaram o diretor de fotografia Darius Khondji a romper com seu estilo tipicamente elegante e usar iluminação berrante, ângulos nítidos, composições superlotadas e alto contraste enquanto passava de conflito em conflito em um fluxo contínuo de terror. [6]
4 O Cavaleiro Verde (2021)
Num movimento de esquerda, mesmo para os padrões A24, o diretor David Lowery escolheu rejuvenescer um poema do século XIV do qual a maioria das pessoas sem formação em literatura inglesa nunca ouviu falar: Sir Gawain e o Cavaleiro Verde. Um conto sobre a maioridade ambientado na época arturiana, O Cavaleiro Verde é estrelado por Dev Patel como o infeliz, infeliz e sem história sobrinho do Rei Arthur, que deve parar de beber e gritar e partir em uma missão para encontrar o misterioso Cavaleiro Verde.
Escolher Patel (um ator mestiço) para um papel e período que tradicionalmente é escalado todo branco foi uma escolha ousada, mas marcante, somando-se a um estilo visual abrangente que ajuda a tornar um texto tão antigo relevante para um público contemporâneo. Apoiado por uma paleta de cores rica e hipnotizante, The Green Knight é uma maravilha de assistir, pegando o cenário medieval e tornando-o vibrante, mas crível. Mas o que aconteceu por trás das câmeras foi igualmente importante, pois este foi o primeiro filme vegano de fantasia medieval. Devido ao veganismo de Lowery, os designers de produção fizeram todas as peças de couro e roupas vistas na tela com materiais não animais. [7]
3 Homens (2022)
Embora mais conhecido por sua estreia na ficção científica em 2015, Ex Machina , uma reflexão profunda e sombria sobre o livre arbítrio, Alex Garland brutalizou as telas sob a bandeira A24 novamente em 2022 com o filme de terror folk Men . Situado em uma vila no interior da Inglaterra, uma mulher de luto (Harper de Jesse Buckley) foge da cidade para um pouco de solidão e reflexão, apenas para se ver perseguida e vitimada por uma cidade de homens assustadoramente semelhantes e cada vez mais antagônicos.
Embora essa configuração seja suficiente para causar arrepios em qualquer mulher que esteja de férias sozinha, os maiores horrores do filme decorrem de sua abordagem sem precedentes ao elenco. Rory Kinnear estrela ao lado de Buckley como, bem, todo mundo: ele interpreta todos os ocupantes da vila, incluindo o vigário, a polícia, o publicano e até um menino. Muitas vezes aparecendo como múltiplas iterações diferentes de si mesmo em cada cena, Kinnear foi capaz de entrar e sair dos diferentes personagens, tendo se preparado para o papel compondo extensas biografias, que foram posteriormente usadas pelo cabelo e pela maquiagem para ajudar a dar vida a cada homem. . [8]
2 A Tragédia de Macbeth (2021)
Poucos cidadãos do mundo ocidental não estão familiarizados com Macbeth , de William Shakespeare , mas, igualmente, poucos o conceberam da mesma forma que Joel Coen o fez em A Tragédia de Macbeth . Foi uma decisão ousada para um diretor conhecido pela comédia contemporânea trazer para a tela uma tragédia do século XVII em preto e branco, com proporção de 4:3, usando a linguagem original de Shakespeare. Mais ousado ainda, talvez, seja o elenco de Denzel Washington, daltônico e culturalmente cego, que interpreta o senhor escocês titular com sotaque americano.
O que realmente torna o filme diferente, entretanto, é a encenação, a iluminação e o visual. As famosas paletas de cores ricas do diretor de fotografia Bruno Delbonnel ( Amelie , Big Eyes ) são utilizadas em Macbeth para fazer o preto e branco se destacar. Mas o designer de produção Stefan Dechant teve a maior participação em dar vida à visão de Coen, construindo cenários repletos de ilusões de ótica projetadas para quebrar as fronteiras entre cima e baixo, dia e noite, interior e exterior. O resultado é apropriadamente uma adaptação desorientadora como nenhuma outra, que deixa os espectadores imersos nos horrores da maior tragédia de Shakespeare. [9]
1 Tudo em todos os lugares ao mesmo tempo (2022)
A descoberta revolucionária de gênero de Daniel Kwan e Daniel Scheinert (conhecido como “Daniels”), Everything Everywhere All at Once , é a joia da coroa da A24, tanto como um grande sucesso de crítica quanto como seu título de maior bilheteria. Abraçando a cultura asiático-americana e as provações enfrentadas pelos imigrantes de segunda geração, o filme se passa em um mundo surreal de multiversos onde os personagens usam fones de ouvido e desencadeiam ações para mudar para outras realidades, personas e conjuntos de habilidades.
Everything Everywhere combina influências de todo o cânone cinematográfico, fazendo referência a tudo, desde Crouching Tiger, Hidden Dragon (que também contou com a estrela do filme Michelle Yeoh) com extensas sequências de artes marciais até o MCU com travessuras dimensionais e visuais de ficção científica até Ratatouille— ou deveria ser Raccaccoonie? Levando ao extremo a preocupação do público com multiversos e metaficção, não há limites cinematográficos que esta imagem não ultrapasse, incluindo um final falso com créditos.
Como se não bastasse, tudo foi feito com um orçamento de US$ 25 milhões. E tinha apenas uma equipe de efeitos de cinco pessoas, usando técnicas e truques de cinema da velha escola, como fios, fantoches e telas verdes básicas, para proporcionar a experiência de uma produção muito mais cara. [10]
