O narrador do conto “Berenice”, de Edgar Allan Poe, de 1835, faz uma pergunta perturbadora: “Como é que da beleza extraí um tipo de desagrado?” E se o narrador tivesse feito esta pergunta ao contrário, como “Como é que da falta de beleza obtive um tipo de beleza?” Quão mais perturbadora poderia ter sido a investigação?
Esta lista de 10 obras de arte misteriosas inspiradas em eventos horríveis oferece uma resposta à nossa pergunta, e a resposta é realmente perturbadora
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10 Dez Respirações: Tumbling Woman II por Eric Fischl
A parte “Tumbling Woman” do título da escultura de bronze de Eric Fischl, Ten Breaths: Tumbling Woman II (2007-2008), parece autoexplicativa. No entanto, levanta várias questões significativas. Por que a mulher cambaleante está nua? Se ela é ginasta, por que não está vestida? Por que seus tons de pele terrosos são listrados de vermelho-laranja? Por que ela está caindo? O que explica sua aterrissagem estranha na cabeça, pescoço e ombro esquerdo superior? Tais questões indicam que há mais no retrato da mulher cambaleante feito por Fischl do que aparenta.
O mistério é resolvido quando o contexto, a origem da pintura, é revelado. O texto da placa que acompanha a estátua diz: “Assistimos, incrédulos e desamparados, naquele dia selvagem. Pessoas que amamos começaram a cair, indefesas e incrédulas.” “Aquele dia selvagem” foi o 11 de Setembro de 2001, quando a Al-Qaeda perpetrou uma série de ataques contra os Estados Unidos.
Num desses ataques, os terroristas pilotaram dois aviões sequestrados contra o World Trade Center, na cidade de Nova Iorque. Como resultado, algumas pessoas saltaram dos andares superiores das torres para evitar morrer queimados no interior dos edifícios. Como aponta o Smithsonian American Art Museum, a representação da escultura da “vulnerabilidade do corpo humano… assume um significado especial neste contexto trágico”. [1]
9 A Jangada da Medusa de Theodore Gericault
A pirâmide de figuras humanas desesperadas na pintura a óleo de Theodore Gericault, A Jangada da Medusa (1818-1819), chama a atenção para o pathos da sua situação, assim como a inclinação acentuada da onda que se aproxima, cuja força quase pode ser sentida. Algumas das figuras estão vestidas. Outros estão meio vestidos. Ainda assim, outros estão nus. A falta de trajes sugere que a partida foi precipitada e repentina, ressaltando o pânico que sentiram ao subirem na jangada, um poleiro precário em meio a mares tempestuosos. Uma atenção mais atenta aos passageiros sugere que um ou dois deles estão mortos ou morrendo. Num canto das tábuas, jaz um corpo, deitado de costas e apático, com a cabeça para trás. Outro está meio dentro e meio fora da jangada, com a cabeça debaixo d’água.
Como observa a Dra. Claire Black McCoy, o tema da pintura, que foi exibida no Salão de Paris de 1819 e hoje está exposta no Louvre, teria sido reconhecido por quem a viu no Salão. O acontecimento de Julho de 1816 que retrata, que recentemente apareceu nas notícias, tornar-se-ia “um escândalo político”. Oficiais a bordo do navio francês Medusa, incluindo o governador do Senegal e a sua família, explica McCoy, dirigiam-se à colónia para garantir a sua posse francesa e assegurar a continuação do comércio secreto de escravos, apesar de a França ter oficialmente abolido a prática. No caminho, o capitão acidentalmente encalhou o navio em um banco de areia na costa da África Ocidental.
Quando o carpinteiro do navio não conseguiu reparar os danos, o governador, sua família e outros passageiros de alto escalão embarcaram nos seis botes salva-vidas. Os passageiros restantes – quase 150 – foram deixados para trás, à própria sorte, a bordo de uma jangada que o carpinteiro construiu com os mastros do navio. Desses, quinze foram resgatados, dos quais apenas dez “sobreviveram para contar a história de canibalismo, assassinato e outros horrores a bordo da jangada”. [2]
8 Dia Cinzento de George Grosz
À primeira vista, a arte de George Grosz muitas vezes sugere incidentes comuns da vida cotidiana. No entanto, o grotesco dos seus retratos, característica comum da sua obra, sugere que as ocasiões que retrata podem envolver mais do que inicialmente aparente. Sua pintura Gray Day (1921) pós-Primeira Guerra Mundial não é exceção. Um trabalhador carregando uma pá passa rapidamente por uma fábrica e sua chaminé fumegante, enquanto um empresário caminha em direção ao espectador, por uma calçada estreita ao lado de um prédio.
Diante deles, mas atrás de outra figura, um veterano uniformizado, sombrio, anguloso, com cicatrizes no rosto e um braço só, caminha carregando uma bengala. Há uma parede de tijolos parcialmente construída entre ele e a figura à sua frente, um homem rico e vesgo que passa na direção oposta. Ele veste um terno caro e carrega uma pasta e uma régua em forma de L. Sua ferramenta sugere que ele pode ser um engenheiro carpinteiro. Exteriormente, ele é um homem de respeitabilidade. No entanto, os seus olhos vesgos e as cicatrizes na sua cabeça em forma de ovo, sugerindo, talvez, que ele é um “intelectual”, sugerem que ele também sofreu violência pessoalmente.
De acordo com um artigo da Tate, a instituição de arte britânica, a pintura de Grosz “ilustra como os ricos lucraram com a guerra [enquanto] o veterano deficiente e esquecido ficou pobre e dividido da sociedade”. Isto é revelado pelo muro parcialmente construído que indica a separação dos “dois grupos”. O muro em si, sugere o artigo da Tate, é ambíguo na medida em que “o espectador [deve] decidir se este muro semi-construído está a ser construído ou derrubado”. [3]
7 grande cadeira elétrica de Andy Warhol
Após a condenação por espionagem contra os Estados Unidos, Julius e Ethel Rosenberg foram eletrocutados em 19 de junho de 1953. Embora Julius tenha sucumbido rapidamente, morrendo após receber um choque, sua esposa sobreviveu a três aplicações de eletricidade. A quarta carga finalmente a matou, mas fez com que “uma horrível nuvem de fumaça [subisse] de sua cabeça”. Notas de Irene Philipson, em Ethel Rosenberg: Beyond the Myths . Ethel sofreu uma morte muito mais difícil do que a do marido.
Andy Warhol foi o pioneiro na pintura em serigrafia, que permite “ao artista traduzir fotografias como obras múltiplas ‘produzidas em massa’”. Inicialmente, ele utilizou esse processo mecânico de gravura para comercializar fotos de celebridades e objetos do cotidiano. No entanto, seu trabalho mais tarde retratou assuntos mais macabros em sua série Morte e Desastres.
Uma dessas pinturas, Big Electric Chair (1967-1968), foi inspirada em uma fotografia de imprensa do dispositivo de execução tirada dentro do Centro Correcional Sing Sing, em Nova York, onde os Rosenberg foram condenados à morte. Talvez a horrível série de Warhol pretendesse dessensibilizar os espectadores para os horrores da existência que suas pinturas retratavam. “Quando você vê uma imagem horrível repetidas vezes”, afirmou ele, “ela realmente não tem efeito”. [4]
6 Guernica de Pablo Picasso
Um touro, um cavalo, corpos e partes de corpos, rostos aterrorizados, uma espada quebrada presa no punho de um moribundo, uma mulher em agonia – essas são algumas das imagens macabras do pesadelo Guernica (1937), de Pablo Picasso. De acordo com um site dedicado ao artista, a obra encomendada representa a reação imediata de Picasso ao devastador bombardeio ocasional dos nazistas na cidade basca de Guernica durante a Guerra Civil Espanhola (1936-1939).
O mural, pintado em óleos pretos, azuis e brancos, é um amálgama de estilo pastoral e épico que mostra “as tragédias da guerra e o sofrimento que ela inflige aos indivíduos, especialmente aos civis inocentes”. A falta de cores expressa a “rigidez das consequências do bombardeio”. Embora as interpretações da pintura sejam diferentes, acredita-se que o touro furioso simbolize o fascismo, enquanto o cavalo representa o povo de Guernica, um reduto das forças republicanas que resistiram aos nacionalistas liderados por Francisco Franco. [5]
5 O Curso do Império: Destruição por Thomas Cole
Durante centenas de anos, começando em 27 a.C., o Império Romano foi essencialmente o mundo ocidental. Embora o Império não fosse de forma alguma um paraíso terrestre, proporcionou lei e ordem, protecção e um modo de vida a uma vasta região do Médio Oriente e da Europa. Durante a Pax Romana, ou “Paz de Roma”, que durou cerca de 200 anos, a arte e a cultura floresceram no Império. Para os cidadãos romanos, provavelmente parecia que o Império existiria para sempre. No entanto, quando Roma finalmente caiu nas mãos dos invasores bárbaros, deve ter-lhes parecido que a própria vida tinha chegado ao fim. Na verdade, a vida como eles a conheciam mudou drasticamente.
Não surpreendentemente, este evento catastrófico tornou-se tema de várias pinturas, uma das quais, The Course of Empire: Destruction (1836), de Thomas Cole, prevê dramaticamente este evento monumental. Exibida no Metropolitan Museum of Art da cidade de Nova York, a pintura retrata grandes exércitos lutando pela vitória durante uma tempestade sombria tendo como pano de fundo a cidade em chamas. Uma flotilha de navios inimigos (de origem improvável Viking) sitia os defensores. Uma de suas embarcações é usada para cruzar uma lacuna entre as seções de uma ponte que leva aos degraus e aos telhados dos edifícios onde os centuriões romanos resistiram desesperadamente.
Embora um navio afunde, fica claro que os invasores ganharam vantagem. Muitos soldados romanos estão mortos ou morrendo. A cidade foi incendiada. Na beira de um telhado, um dos bárbaros prende uma senhora romana aterrorizada com a intenção de se lançar ao mar. Uma estátua gigantesca de um soldado romano, avançando com o escudo no alto, simboliza a queda da legião e a queda iminente da própria Roma: parte da cabeça da escultura está quebrada no telhado abaixo. A pintura panorâmica é uma visão abrangente do desastre que se abateu sobre o Império e os seus cidadãos. [6]
4 Lavanderia Humana por Doris Clare Zinkeisen
A desumanização dos judeus pelos nazistas é indicada pelo título da pintura de Clare Zinkeisen de 1945, Human Laundry: Belsen, 1945 , que está exposta no Imperial War Museum em Londres. Pintada principalmente em tons de cinza e branco, a obra mostra uma fileira de figuras esqueléticas dispostas, de costas, sobre mesas rústicas. Enfermeiras alemãs, supervisionadas por um médico militar alemão uniformizado, banham-nos com sabão e a água guardada em baldes nas extremidades das mesas. Um par de carregadores acaba de chegar com o corpo coberto de outra peça de “roupa suja humana”. Ou, talvez, estejam a remover um corpo que deixou de sobreviver aos extremos do campo de concentração de Belsen.
Como afirma um conjunto de notas sobre a pintura, “Zinkeisen encontra um motivo eficaz no contraste entre os corpos arredondados e bem alimentados da equipe médica alemã e os corpos emaciados de seus pacientes”. Este efeito é intensificado pelos olhares despreocupados nos rostos das enfermeiras enquanto desempenham as suas funções; pelas posturas resignadas e desesperançadas dos presos com quem lidam, cujos rostos não são mostrados, agravando ainda mais a sua desumanização; e pela enfermeira que carrega indiferentemente um par de baldes passando pelas mesas ao lado de uma longa poça de água derramada que se acumulou no chão. Os médicos são enfermeiros e médicos de um hospital militar alemão próximo, colocados em serviço para lavar e desparasitar os prisioneiros, a fim de evitar a propagação do tifo, antes que pudessem ser internados no hospital improvisado da Cruz Vermelha nas proximidades.
Outro conjunto de notas oferece informações adicionais sobre a situação dos prisioneiros da Segunda Guerra Mundial e o tema da pintura: “A ‘lavanderia humana’ consistia em cerca de vinte camas num estábulo onde enfermeiras alemãs e soldados capturados cortavam o cabelo dos presos, banhou-os e aplicou pó anti-piolhos antes de serem transferidos para um hospital improvisado administrado pela Cruz Vermelha.”(LINK 9) [7]
3 histórias por trás dos cartões postais, de Jennifer Scott
A série de pinturas e colagens de Jennifer Scott de 2009, Stories Behind the Postcards, foi exibida no America’s Black Holocaust Museum (ABHM) em Milwaukee, Wisconsin. A inspiração para eles, disse ela, foram cartões-postais de souvenirs que, segundo o site do museu, “retratavam imagens de linchamentos [e foram] enviados por todo o país”. Esses linchamentos ocorreram entre a década de 1880 e a Segunda Guerra Mundial. Ao ver os cartões, Scott se perguntou o que ela não via neles, como “os familiares deixados para trás para derrubar a vítima, para lamentar e enterrar os restos mortais – se havia o suficiente para enterrar”.
O seu objectivo ao criar a série, disse ela, foi encorajar os espectadores a identificarem-se com a situação das vítimas e a “tentar imaginar a vida da vítima antes da morte ser capturada num postal”. Além disso, ela esperava levar o espectador “além dos pensamentos e sentimentos politicamente corretos típicos sobre raça e relações raciais”, para que a reflexão deles sobre seu trabalho e seu tema pudesse ter um impacto duradouro na próxima geração.
Em relação a três de suas pinturas, Três Gerações , O Impossível (foto) e Meu Filho, Meu Neto , Scott explicou que, diferentemente dos cartões postais – que eram em preto e branco ou em tons sépia, suas pinturas são coloridas. Sem a cor, o espectador poderá se distanciar das imagens perturbadoras. No entanto, as suas versões lembram ao mundo que “estes horrores ocorreram no meio da beleza da natureza e muitas vezes em plena luz do dia”. Três Gerações mostra uma mulher de meia-idade confortando uma mulher mais velha angustiada que está “fora de si de raiva e tristeza” enquanto se inclina sobre a vítima, uma jovem que, explicou Scott, foi linchada após ser estuprada. [8]
2 O Preço de Tom Lea
The Price (1944) é um lembrete horrível do custo que os combatentes individuais pagaram no campo de batalha da Segunda Guerra Mundial. Um fuzileiro naval dos EUA avançando através de um campo em Peleliu em 1944, em meio a uma espessa fumaça no solo e no ar, parece cambalear. O lado esquerdo do rosto, o ombro esquerdo, o lado esquerdo do peito e o braço esquerdo estão desfiados e vermelhos com o sangue. Aquele fuzileiro naval, explicou o artista Tom Lea, foi “atingido por um tiro de morteiro, cambaleou alguns metros assim e simplesmente caiu”. O Price ficou pendurado do lado de fora do escritório de Eisenhower no Pentágono depois da guerra, acrescentou o artista, “para lembrá-lo do preço da guerra”.
Adair Margo, dono de uma galeria e amigo do artista de El Paso, Texas, disse: “Ele foi a única testemunha ocular da guerra que retratou tiros sendo disparados e soldados americanos sendo destruídos com sangue e vísceras no chão”. A arte de Lea, acrescentou Margo, representa retratos honestos da verdade da guerra, naquela época e hoje. Duas razões pelas quais Life despachou Lea para pintar a guerra, disse Margo, foram que Lea “poderia pintar a batalha em cores, quando a fotografia era em preto e branco”, e ele tinha a habilidade de “reunir partes [da luta] para comunicar toda a batalha.”
Larry Decuers, curador do Museu Nacional da Segunda Guerra Mundial em El Paso, disse que a exposição Vida e Segunda Guerra Mundial das pinturas de Lea da coleção de arte do Exército dos EUA, emprestada pelo Centro de História Militar do Exército dos EUA, incluía vinte e seis imagens que Lea pintou durante a guerra. As pinturas em exposição foram as que apareceram na revista Life durante o conflito em si, oferecendo aos leitores um vislumbre da guerra sem rodeios. Durante a operação dos EUA contra uma força japonesa entrincheirada em Peleliu, 1.100 fuzileiros navais morreram e 5.000 ficaram feridos, enquanto praticamente todos os 11.000 soldados japoneses na ilha foram mortos.” [9]
1 A Coluna Quebrada de Frida Kahlo
Nem todas as catástrofes são criminais, marciais, sociais ou políticas, e nem todas afectam grupos ou nações inteiras. A tragédia que se abateu sobre a artista mexicana Frida Kahlo foi acidental e pessoal. Também foi responsável pela grande maioria de seu trabalho como artista. Suas pinturas retratam em grande parte suas deficiências físicas e sofrimento e seus efeitos em sua vida pessoal.
Kahlo, que sofreu de poliomielite quando criança, quase morreu em um acidente de ônibus quando era adolescente. Ela sofreu múltiplas fraturas na coluna, clavícula e costelas, uma pélvis quebrada, um pé quebrado e um ombro deslocado. Logo após esse acidente devastador, Kahlo adotou a pintura como forma de enfrentar e superar sua provação, cujos efeitos continuaram por toda a sua vida. “Desde o início de sua recuperação”, explica um site dedicado à artista, “ela começou a se concentrar fortemente na pintura enquanto estava engessada”. Apesar de ter passado por 30 operações, ela persistiu em pintar retratos retratos dela mesma , em grande parte autobiográficos, embora simbólicos .
The Broken Column , um retrato da artista de 1944, mostra Kahlo de topless, com os braços ao lado do corpo, chorando enquanto olha para o espectador. Um lençol está enrolado em seus quadris, e um espartilho ortopédico composto de tiras sobre os ombros e ao redor do torso prende seu abdômen. Ela é dividida por uma grande e larga fissura que mostra, no lugar de sua lombada, a coluna um tanto quebrada do título da pintura. A fissura, ou fenda, escreve a historiadora de arte Andrea Kettenmann, autora de Kahlo, torna-se um símbolo “da dor e da solidão do artista”. Outro símbolo da dor de Kahlo são os pregos que perfuram seu rosto e corpo. O que Kettenmann afirma sobre outra pintura de Kahlo, A Paisagem (1946-1947), também é verdade para A Coluna Quebrada: “A paisagem desolada e fissurada [sugestiva do corpo quebrado do artista] fornece o pano de fundo para o trabalho de Frida Kahlo”. [10]
