Todos nós ficamos sentados ouvindo as letras de nossas músicas favoritas, tentando entendê-las. Muitas vezes, o significado da música nos escapa, mas outras vezes, entendemos o que o compositor estava tentando dizer. . . ou pelo menos pensamos que sim. Aqui estão 10 músicas que pensávamos ter entendido, mas estávamos errados.
10 ‘I Shot the Sheriff’ de Bob Marley era sobre controle de natalidade
Esther Anderson era uma jamaicana nativa que ajudou a construir a Island Records no início dos anos 1960. Ela era atriz e fotógrafa e co-escreveu músicas e letras para o selo Island Records. Anderson estava na cidade de Nova York em 1972 quando conheceu Bob Marley em uma festa em um hotel.
Eles começaram a namorar, e Anderson, quase desde o início, colaborou com Marley em suas músicas. Para o próximo álbum de Marley and the Wailers, Burnin’ , Marley e Anderson escreveram “I Shot the Sheriff”. Posteriormente, Marley afirmou que parte da música era Baseado em eventos reais , mas não deu mais detalhes. Durante anos, os fãs especularam sobre as origens da música e folhearam os jornais em busca de tiroteios contra xerifes e deputados. Então, em 2001, Anderson escreveu uma biografia de Marley, onde revelou o que deu origem à música.
Marley cresceu em uma família católica, mas quando conheceu Anderson, ele era rastafari. Suas crenças profundamente arraigadas proibiam o uso de métodos anticoncepcionais, e ele frequentemente discutia com Anderson sobre o uso da pílula. Marley queria que Anderson tivesse seu filho e considerava o controle da natalidade a morte de sua “semente”. Anderson recusou, principalmente quando descobriu que Marley era casado e já tinha vários filhos.
O resultado foi um verso específico de “I Shot the Sheriff”. De acordo com Anderson, o xerife John Brown foi na verdade o médico que prescreveu suas pílulas anticoncepcionais, e o delegado, presumivelmente, foi a própria Anderson. Com esta revelação, a letra agora fica mais clara:
O xerife John Brown sempre me odiou,
por quê, não sei:
toda vez que planto uma semente,
ele diz para matá-la antes que cresça .
9 ‘A Tout Le Monde’ do Megadeth era sobre expressar amor
O Megadeth é considerado um pioneiro no subgênero “thrash metal” do heavy metal e tem sido fortemente criticado por suas letras violentas e pela preocupação com a morte. Portanto, é um pouco chocante ouvir que uma das músicas mais controversas da banda é sobre expressar amor antes que seja tarde demais.
Essa música era “A Tout le Monde” (que significa “Para o mundo” ou “Para todos”), lançada em 1994. A letra da música soa como uma nota de suicídio e foi amplamente criticada por promover o suicídio entre adolescentes. Não ajudou o fato de ter saído em um álbum intitulado Youthanasia . A MTV proibiu o vídeo por sua suposta mensagem pró-suicídio e só o transmitiu pela televisão depois que um aviso foi adicionado ao final do vídeo: “Suicídio não é uma resposta. Obter ajuda.”
O furor finalmente diminuiu quando um fã do Megadeth iniciou um tiroteio no campus do Dawson College em Montreal em 2006. Uma pessoa foi morta e outras 19 ficaram feridas antes que o atirador cometesse suicídio. O atirador blogou anteriormente que “A Tout le Monde” o inspirou. A banda rapidamente condenou a violência, especialmente porque dois de seus membros eram de Montreal.
Desde o início, Dave Mustaine (vocalista do Megadeth) insistiu que a música não era sobre suicídio. Em uma entrevista quando o álbum foi lançado, ele disse:
Não é uma música suicida . O que é, você, é quando as pessoas têm um ente querido que morre e eles terminam mal, você sabe, eles gostariam de poder dizer algo para eles. Portanto, esta é uma oportunidade para o falecido dizer algo antes de partir. E foi a minha impressão do que eu gostaria de dizer às pessoas, se eu tivesse, digamos, 3 segundos para fazê-lo na vida antes de morrer, eu diria ao mundo inteiro, a todos os meus amigos, eu amo todos vocês, e agora eu devo ir.
Mais tarde, Mustaine disse que estava pensando no falecimento de entes queridos depois de sonhar com sua falecida mãe, Emily. No sonho, Emily veio até ele especificamente para dizer “adeus” e que o amava, algo que ela não foi capaz de fazer antes de morrer. Mustaine decidiu que não cometeria o mesmo erro.
8 ‘Maneater’ de Hall And Oates era sobre a cidade de Nova York
Darryl Hall e John Oates são uma das duplas de maior sucesso na história do rock. A dupla teve 29 sucessos no top 40 entre 1976 e 1990, seis dos quais alcançaram o primeiro lugar. Uma dessas músicas foi “Maneater”, do álbum H2O de 1982 . Levada ao pé da letra, a letra parece ser sobre uma mulher implacável e predatória que usa sua beleza para atrair homens ricos para ela. A especulação de que a música era sobre a atriz e modelo britânica Kelly LeBrock tornou-se tão comum que a maioria das pessoas ainda acredita que ela é a inspiração, mesmo três décadas depois.
No entanto, uma música escrita por Hall, Oates ou ambos raramente é tão direta. Em uma entrevista de 2014, perguntaram a John Oates sobre o que realmente era a música “I Can’t Go For That (No Can Do)”, uma música que parecia ser sobre um amante que pedia demais:
Essa música é típica de muitas das letras que escrevemos ao longo dos anos. Parece que se trata de uma coisa, mas na verdade não é. [. . . ] Se tivemos algum tipo de filosofia para nossas letras ao longo dos anos, foi tentar pegar um assunto universal e de alguma forma fazer com que parecesse pessoal para que as pessoas pudessem se relacionar com ele como se fosse algo pessoal. O assunto subjacente na verdade não é. Essa música é sobre o mundo da música. Essa música é realmente sobre não ser pressionado por grandes gravadoras, empresários e agentes e receber ordens sobre o que fazer e ser fiel a si mesmo de forma criativa.
Outra música de sucesso deles – “Rich Girl” – parecia ser sobre uma mulher vaidosa, obcecada com sua própria riqueza. Oates disse que embora a música seja sobre uma pessoa realmente rica, o assunto é um homem, não uma mulher:
Foi escrito sobre um cara que era herdeiro de uma fortuna em fast-food. Obviamente, como Daryl é muito inteligente, ele percebeu que “Rich Girl” soava melhor do que “Rich Guy”. Essa é a verdade. Ele tinha muito dinheiro e muitas drogas – e ele simplesmente estava exausto. Ele veio me visitar uma vez e, depois que saiu, Daryl teve a ideia.
Quanto a “Maneater”, também não era sobre uma mulher:
“Maneater” é sobre Nova York dos anos 80 . É sobre ganância, avareza e riquezas estragadas. Mas temos isso no cenário de uma garota porque é mais identificável. É algo que as pessoas podem entender.
7 ‘You’re So Vain’ de Carly Simon provavelmente era sobre Daniel Armstrong
Poucas músicas geraram tanta especulação e frustração quanto o hit de 1972 de Carly Simon, “You’re So Vain”. Parte do motivo foi que Simon estava ligado – profissionalmente, romanticamente ou ambos – a alguns dos maiores nomes da indústria do entretenimento – Kris Kristofferson, Cat Stevens, Mick Jagger, Warren Beatty e James Taylor, seu marido na época. . Portanto, é um pouco surpreendente que o verdadeiro tema de sua música seja provavelmente um homem com quem a maioria das pessoas fora da indústria musical não está familiarizada.
Outra razão pela qual o mistério ainda chama a atenção depois de quatro décadas é que a própria Simon deu dicas e convidou os fãs a juntarem as pistas. Ela até realizou um leilão de caridade em 2003, onde sussurrou o segredo para o licitante com lance mais alto, Dick Ebersol, presidente da NBC Sports, que pagou US$ 50 mil .
Quando ela lançou uma versão atualizada de “You’re So Vain” em seu álbum de maiores sucessos, Never Been Gone, em 2010, ela disse que sussurrou o primeiro nome do homem durante uma pausa instrumental na música. Infelizmente, essa pista era difícil de ouvir e foi rapidamente relatado que o nome era “David”. Não era. De acordo com Simão:
Eu disse “Ovídio” de frente e de trás para frente no CD, e para alguns saiu soando como “David”, eu acho. Mas eu quis dizer isso como uma alusão à metamorfose, e que esse grupo de músicas foi recanalizado para uma barata diferente. Kafka? Café? Nuvens? Eu sei que é chato, mas pode ser bom!
Simon também mudou sua história ao longo dos anos. Em 1974, ela afirmou que o tema da música era uma compilação de vários homens. Mas em 2002, ela disse que o assunto era um homem e que ele já apareceu em algumas de suas outras canções. Seis anos depois, ela elaborou: “Quando eu tinha a frase ‘Você é tão vaidoso, provavelmente pensa que essa música é sobre você’, era definitivamente sobre uma pessoa . O resto das descrições veio basicamente do meu relacionamento com aquela pessoa.”
Durante anos, a mídia manteve que o tema da música era Warren Beatty, um homem que Simon namorou brevemente no início dos anos 1970. O próprio Beatty se convenceu de que a música era sobre ele e até ligou para Simon para agradecer pela homenagem. No entanto, ela afirma que embora Beatty se encaixe nas descrições da música, ele não é o sujeito.
Uma letra pode ser a chave para o mistério: “Então você voou em seu jato Lear até a Nova Escócia para ver o eclipse total do sol”. De acordo com a NASA, houve dois eclipses totais que puderam ser vistos na Nova Escócia no início da década de 1970. Uma foi no verão de 1972, muito depois de a música ter sido escrita, mas a outra foi em março de 1970 . Curiosamente, Simon estava encerrando seu relacionamento de dois anos com um homem chamado Daniel Armstrong no final de 1969 e início de 1970. O círculo de amigos deles planejava voar para a Nova Escócia para testemunhe o eclipse de março de 1970 em sua fase mais sombria.
Armstrong era dono de uma das principais lojas de guitarras elétricas da cidade de Nova York e contava entre sua clientela a banda Cream e Eric Clapton. “Eu fui o primeiro e único especialista em guitarra elétrica do mundo e conhecia todos os grandes guitarristas do mundo – eu simplesmente era dono de Nova York na época”, disse ele certa vez, descaradamente. Ele também afirmou que conhecia mais riffs de blues do que Clapton. Parece o tema da música de Simon?
De acordo com amigos, Armstrong não apoiava a carreira musical de Simon e destruiu sua já baixa auto-estima. Além disso, embora Simon tenha rompido o relacionamento, ela supostamente se arrependeu e carregou uma tocha por ele durante anos. Simon admite abertamente que pelo menos duas de suas canções – “I’m All it Takes to Make You Happy” e “Dan, My Fling” – foram inspiradas por Armstrong.
Em duas entrevistas separadas em 2004, Simon deu sua dica mais reveladora: o homem em sua música tinha as letras “a”, “e” e “r”. Todas as três letras podem ser encontradas no nome “Daniel Armstrong”. Talvez igualmente interessante seja o facto de 2004 ser o ano em que o Sr. Armstrong morreu.
Talvez nunca saibamos ao certo quem inspirou a famosa canção de Simon. Em 1989, ela disse: “Sempre me pareceu engraçado que as pessoas se interessassem pelo que eu estava pensando. Essa é a maior viagem do ego que alguém poderia ter. E por essa razão, é claro, nunca poderei entregá-lo .”
6 ‘Total Eclipse of the Heart’ de Bonnie Tyler era uma canção de amor de vampiro
A canção de Bonnie Tyler de 1983, “Total Eclipse of the Heart”, alcançou o primeiro lugar nas paradas dos EUA e do Reino Unido. A voz rouca e a letra assustadora de Tyler, reforçadas pelo videoclipe sombrio e gótico da música, deram ao mundo a impressão de que esta é uma música sobre dois amantes – o cantor e “Bright Eyes”. O relacionamento deles é incerto e doloroso. No entanto, o compositor da música pretendia que a dor fosse menos no coração e mais no pescoço.
O escritor da música foi Jim Steinman, famoso por três músicas do Meatloaf em seu álbum Bat Out of Hell de 1977 – “Two Out of Three Ain’t Bad”, “Paradise by the Dashboard Light” e “I’ll Do Anything for Love ( Mas eu não farei isso). No início da década de 1980, Steinman estava trabalhando em um musical baseado no famoso filme de vampiros Nosferatu . Uma das músicas que ele escreveu para a produção foi “Vampires in Love”.
Quando Meatloaf começou a compor músicas para Midnight At the Lost and Found em 1983, Steinman ofereceu duas músicas – “Making Love Out of Nothing at All” e “Vampires in Love”, que foi renomeada como “Total Eclipse of the Heart”. Mas a Epic Records queria que Meatloaf escrevesse suas próprias canções, então “Making Love” foi para Air Supply e “Total Eclipse” fui para Bonnie Tyler .
Então, em 2002, a produção de Steinman de Dance of the Vampires estreou na Broadway, e o público ficou surpreso que o Ato II abriu com – você adivinhou – “Total Eclipse of the Heart”, desta vez com o título original de “Vampires in Love”. ”
Steinman pretendia originalmente escrever todas as novas canções para a produção:
Eu tinha apenas um mês e meio para escrever todo esse show e precisava de um grande dueto de amor. [. . . ] Mas com “Total Eclipse of the Heart”, eu estava tentando criar uma canção de amor e lembrei que na verdade a escrevi para ser uma canção de amor de vampiro. [. . . ] Se alguém ouvir as letras, elas realmente parecem falas de vampiros . É tudo sobre a escuridão, o poder das trevas e o lugar do amor na escuridão.
5 ‘Give It Away’ do Red Hot Chili Peppers era sobre generosidade
Com letras como “O que eu tenho, você precisa colocar em você”, podemos ser perdoados por acreditarmos que “Give It Away” é sobre sexo. Afinal, “Give it away” é um eufemismo para perder a virgindade. Quando os Red Hot Chili Peppers foram convidados a aparecer no final da quarta temporada do seriado de desenho animado Os Simpsons em 1993, eles foram convidados a tornar seu crossover monstruoso “Give it Away” mais familiar , alterando a linha acima para “ O que eu gosto é que gosto de abraçar e beijar você.
Com uma análise cuidadosa de algumas das outras letras, porém, fica claro que algo mais está acontecendo. O segundo verso abre com:
Gente pequena e gananciosa em um mar de angústia
Guarde o seu mais para receber o seu menos
Não se impressione com o excesso material.
Em sua autobiografia Scar Tissue , o letrista Anthony Kiedis explicou que a gênese da música veio de um pouco de sabedoria que sua ex-namorada Nina Hagen transmitiu a ele:
Nina era uma alma sábia e percebeu o quão jovem e inexperiente eu era naquela época, então ela estava sempre me passando joias, não de uma forma enfadonha, apenas aproveitando as oportunidades. [. . . ] Certo dia, eu estava vasculhando seu armário, olhando todas as suas roupas malucas, quando me deparei com uma jaqueta exótica valiosa. “Isso é muito legal”, eu disse. “Pegue. Você pode ficar com ele”, disse ela. “Uau, eu não aguento isso. Esta é a jaqueta mais bonita que você tem aí”, eu disse. “Foi por isso que dei a você”, explicou ela. “É sempre importante doar coisas; cria boa energia. Se você tem um armário cheio de roupas e tenta guardar todas, sua vida ficará muito pequena. Mas se você tem um armário cheio e alguém vê algo de que gosta, se você dá a ele, o mundo é um lugar melhor.”
O conselho de Hagen permaneceu com Kiedis durante anos: Foi uma grande epifania alguém querer me dar sua coisa favorita. Isso ficou comigo para sempre. Cada vez que eu pensava “Tenho que ficar”, eu me lembrava “Não, em vez disso você tem que doar ”. Para o álbum Blood Sugar Sex Magik dos Peppers de 1991 , Kiedis escreveu uma música para transmitir essa sabedoria.
Qualquer pessoa familiarizada com a letra da música sabe que Kiedis fez uma homenagem a Bob Marley como um “poeta e profeta”. Mas Kiedis revelou que também inseriu uma homenagem a outra estrela que morreu muito jovem, River Phoenix. River era amigo do guitarrista do RHCP, John Frusciante, e do baixista Flea (também conhecido como Michael Peter Balzary). Na noite em que River morreu, em outubro de 1993, ele se apresentaria no palco com Flea no The Viper Room, uma boate de Hollywood. Ele desmaiou de overdose de drogas em frente à boate. Ele tinha 23 anos.
“River esteve presente durante a composição e gravação do nosso álbum”, disse Kiedis. O versículo: “Há um rio, nascido para ser doador, mantém você aquecido, não deixa você tremer. Seu coração nunca vai murchar, venha todo mundo, hora de entregar”, foi uma homenagem a ele.
4 ‘Jumpin’ Jack Flash’ dos Rolling Stones era sobre retornar às suas raízes R&B mais simples
Quando os Rolling Stones se uniram no verão de 1962, seu som rock and roll era muito mais sombrio, mais sexy e mais enraizado no blues do que seu maior concorrente, os Beatles. Mas em meados da década, os Beatles trocaram seu som pop rock pelo som folk rock de artistas como Bob Dylan, e os Stones seguiram o exemplo em 1967 com Between the Buttons . Então, quando os Beatles recorreram à psicodelia com o sargento. Pepper’s Lonely Hearts Club Band naquele mesmo ano, os Stones responderam com Their Satanic Majesties Request , seu terceiro álbum em um ano.
Naquele mesmo ano (ainda em 1967), Mick Jagger, Keith Richards e Brian Jones foram todos presos por violações de drogas e enfrentaram pesadas sentenças de prisão. Além disso, Jones estava se deteriorando mental e fisicamente devido ao abuso de substâncias. Quando a banda se reuniu em 1968 para gravar Beggar’s Banquet , eles decidiram retornar às raízes do blues. Mick Jagger diria mais tarde que “Jumpin’ Jack Flash” era sobre o ano anterior cheio de estresse: “Era sobre passar por momentos difíceis e saindo . Apenas uma metáfora para sair de todas as coisas ácidas.”
Os fãs há muito pensam que a música é sobre drogas – tudo, desde “gás hilariante” até injeção de heroína nos canais lacrimais. No entanto, a palavra “gas” na música não se refere a ficar chapado, mas à sensação que os membros da banda experimentam quando tocam seu riff de blues cativante, que é, como Richards aponta, o mesmo riff de seu hit rock-blues de 1965. “(Não consigo obter nenhuma) satisfação”, mas ao contrário. Richards diria mais tarde:
Quando você ouve um riff como “Flash”, você tem uma grande sensação de euforia, uma alegria perversa. Posso ouvir a banda inteira decolando atrás de mim toda vez que toco “Flash” – há um tipo extra de turbo overdrive. Você pula no riff e ele toca você. A levitação é provavelmente a analogia mais próxima do que sinto.”
O “Jack” da música é Jack Dyer, o jardineiro de Keith Richards, que certa manhã surpreendeu Jagger e Richards perambulando pelo jardim do lado de fora de sua janela. Richards o chamou de “Jumpin’ Jack” e Jagger acrescentou “Flash” para dar-lhes uma frase aliterativa para manter a música. Dyer era um simples caipira que parecia simbolizar uma época mais simples para Richards e Jagger, uma época para a qual eles queriam retornar. A música é a música mais tocada pelos Stones em seus shows, e eles frequentemente borrifam água e pétalas de flores no público quando a tocam, provavelmente uma homenagem a Dyer .
3 A ‘hora de encerramento’ do Semisonic foi sobre o parto
Por mais de uma década, todos – incluindo a maioria dos membros do Semisonic – pensaram que o vencedor do Grammy “Closing Time” era sobre a última ligação de um bar. Na verdade, depois que a música foi lançada em 1998, ela se tornou um dos pilares dos bares ao redor do mundo como um sinal para seus clientes de que eles estavam prestes a ser expulsos para a rua. Em uma entrevista de 2010, Dan Wilson, o escritor da música, disse:
Eu realmente pensei que esse era o maior destino para “Closing Time”, que seria usado por todos os bartenders, e foi mesmo. Ainda é. Sempre encontro pessoas que me dizem: “Ah, trabalhei neste bar por quatro anos e ouvia sua música todas as noites”.
Quando Wilson se sentou para escrever a música, ela originalmente seria usada como música de encerramento de seus shows:
Inicialmente eu estava tentando escrever uma música para encerrar os shows do Semisonic. Sempre terminamos com uma música chamada “If I Run” e eu gostei muito dela. John e Jake, os outros dois integrantes da banda, estavam sempre impacientes em encerrar o show com a mesma música. Então decidi escrever um novo encerramento para o set e pensei: “Ah, hora de fechar”. Porque todos os bares que eu frequentava em Minneapolis gritavam “hora de fechar”. Tinha um bar onde um cara sempre gritava bem alto: “Você não precisa ir para casa, mas não pode ficar aqui”, e acho que isso sempre ficou na minha cabeça.
No entanto, a música evoluiu à medida que Wilson a escreveu: “No meio da composição da música, percebi que também se tratava de nascer. Minha esposa e eu estávamos esperando nosso primeiro filho logo depois que escrevi essa música. Eu nasci no cérebro, fiquei impressionado com o trocadilho engraçado que era sair do útero . A esposa de Wilson estava grávida de uma menina, Coco. Numa outra entrevista, Wilson acrescentou: “É tudo uma questão de nascer e vir ao mundo, ver as luzes brilhantes, cortar o cordão umbilical, abrir-se para algo mais profundo e universal”.
Mas Wilson não queria contar aos outros membros da banda sobre o que realmente tratava a música. Ele sabia que compositores frequentemente escreviam canções para celebrar o nascimento de uma criança , como David Byrne dos Talking Heads (“Stay Up Late”, no álbum Little Creatures ), Stevie Wonder (“Isn’t She Lovely”, de Songs in the Key of Life ), R. Kelly (“Havin’ a Baby”, de Double Up ), Jay-Z (“Glory” como single) e Lauryn Hill (“To Zion”, de The Miseducation of Lauryn Hill ). Wilson elaborou:
[Os caras da banda] sabem instintivamente que assim que Junior entrar em cena, a próxima coisa que virá será uma música sobre Junior. [. . . ] Eu sabia disso. Eu sabia que meus colegas de banda… . . estavam sentindo esse pavor. Então eu fiz o que qualquer bom espreitador faria, e escondi minha música júnior, e fiz isso à vista de todos , que é onde um bom espreitador sabe que é o melhor lugar para esconder alguma coisa. E eu escondi isso tão bem à vista que milhões e milhões de pessoas ouviram a música e compraram a música e não entenderam. Eles acham que é sobre ser jogado em um bar, mas é sobre ser jogado no útero.
2 ‘Macarena’ de Los Del Rio era sobre uma mulher que dormia por aí
Qualquer pessoa nascida antes de 1991 quase certamente conhece a música e a dança “Macarena”. Por alguns anos, em meados da década de 1990, quase todas as recepções de casamento, bar mitzvah, eventos esportivos, bailes do ensino médio ou fundamental e piqueniques na igreja liberaram quatro minutos e uma quantidade significativa de espaço para que todos ao alcance da voz pudessem se reunir para agitar. suas bundas, agitam os braços e lentamente giram em círculo. A dança consistia principalmente de movimentos de braços e exigia pouca coordenação da parte inferior do corpo, possibilitando a participação de pequenos, centenários e todos os demais. Podia até ser executada sentada, o que tornava possível “dançar” mesmo que a pessoa estivesse embriagada, calçada em um assento de estádio ou na pista de dança de um navio de cruzeiro.
E com todos concentrados em seus movimentos legais de dança, poucos prestaram muita atenção às palavras. Não ajudou o fato de a maioria das palavras estar em espanhol. Também não ajudou o fato de haver quase uma dúzia de versões da música quando ela era mais popular, algumas com letras mais atenuadas, outras nem tanto.
A origem da música começou com uma dupla de espanhóis de meia-idade, Antonio Romeo Monge e Rafael Ruiz, que formaram o grupo Los Del Rios. Monge e Ruiz estavam juntos desde 1962 , cantando seu som flamenco-pop. Em 1992, Los Del Rios fez uma turnê pela América do Sul e, durante uma festa na Venezuela, conheceram uma deslumbrante dançarina de flamenco chamada Diana Patricia Cubillan Herrera. Ela e seus movimentos de dança inspiraram a dupla a escrever a música.
A música original era sobre uma mulher cujo namorado, Vitorino, alistou-se no exército. Em retaliação, ela dormiu com dois amigos dele. A mulher sonha com roupas novas, morar em Nova York e encontrar um novo namorado. O refrão incentiva a mulher a “ dar alegria ao seu corpo , Macarena. porque seu corpo foi feito para receber alegria e coisas boas.” Se foram as roupas ou a gratificação sexual que lhe deram “alegria”, fica para interpretação. A mulher e a música receberam inicialmente o nome de “Magdalena”, um coloquialismo para uma mulher sexy e assertiva, mas quando outra música foi encontrada com o mesmo título, Los Del Rios mudou o nome para “Macarena”.
A dupla lançou a música em 1993 como rumba. Tornou-se um sucesso na Espanha e, em 1994, já era tocado em toda a América do Sul. No ano seguinte, The Bayside Boys remixaram-na e deram-lhe uma letra mais picante . Nesta versão, Macarena declara “[Os meninos] todos me querem, não podem me ter. Então todos eles vêm e dançam ao meu lado.” Mas no refrão seguinte, ela incentiva os meninos: “E se vocês se comportarem bem, vou levá-los para casa comigo”. Macarena agora simplesmente despreza o namorado e pergunta ao público “Agora vamos lá, o que eu deveria fazer? Ele estava fora da cidade e seus dois amigos estavam muito bem.” Esta é a versão com a qual a maioria dos países de língua inglesa está familiarizada.
Em 1996, Los Del Rios lançou um videoclipe utilizando o remix dos Bayside Boys e 10 mulheres realizando a dança “Macarena”. Uma nova mania de dança foi lançada. Ninguém sabe ao certo a origem da dança, mas ela se tornou uma sensação cultural. Pessoas de todo o mundo agitavam suas coisas enquanto dois velhos sujos insistiam repetidamente com Macarena para “dar alegria ao seu corpo”. Você nunca mais verá essa música da mesma maneira, não é?
1 ‘Stairway to Heaven’ do Led Zeppelin era realmente sobre materialismo superficial
Considerada uma das maiores canções de rock da história, “Stairway to Heaven” de 1971 gerou mais do que sua cota de conjecturas quanto ao seu significado. O escritor lírico Robert Plant descreveu as origens das letras:
Eu estava segurando um lápis e papel e, por algum motivo, estava de muito mau humor. Então, de repente, minha mão estava escrevendo as palavras: “Há uma senhora que tem certeza de que Tudo que brilha é ouro / E ela está comprando uma escada para o céu”. Eu apenas sentei lá e olhei para as palavras e então quase pulei da cadeira.
Muitos reconheceram que a frase “tudo o que reluz é ouro” é o inverso da frase de Bilbo Bolseiro na Sociedade do Anel de Tolkien : “Tudo o que é ouro não reluz”. Bilbo estava observando que o valor de uma pessoa ou coisa nem sempre é evidente na superfície. A senhora da música, porém, tem “certeza” de que o oposto é verdadeiro.
Plant afirmou que queria uma música épica para o quarto álbum do Led Zeppelin e construiu essa primeira linha usando imagens celtas e de Tolkien para revelar gradualmente a superficialidade da perspectiva da mulher: “Começa com o conceito de tentar ter algo [que] desvendaria em camadas conforme a música progredia.”
Plant escreveu a maior parte das letras de uma só vez e admite que grande parte de sua inspiração veio da leitura de Magic Arts of Celtic Britain , escrita pelo ocultista Lewis Spence. Juntamente com o fato de Jimmy Page ter comprado a Boleskine House na Escócia, anteriormente propriedade do satanista Aleister Crowley, as especulações se voltaram para um significado satânico para a música.
Crowley era conhecido por ter instruído seus seguidores a falar ao contrário, e não demorou muito para que os ouvintes tocassem a música ao contrário. Já discutimos o suposto backmasking e a mensagem satânica da música. Plant zomba disso:
No que diz respeito a inverter as fitas e colocar mensagens no final, essa não é a minha ideia de fazer música. É muito triste. A primeira vez que ouvi isso foi de manhã cedo, quando morava em casa, e ouvi em um noticiário. Fiquei absolutamente esgotado o dia todo. Eu andei por aí e não conseguia acreditar, não conseguia levar a sério as pessoas que conseguiam fazer esboços como aquele. Tem muita gente que está ganhando dinheiro lá, e se é assim que precisam fazer, então faça sem minhas letras. Eu os estimo demais.
Eventualmente, a banda, e Plant em particular, cansaram-se da música. Em 1988, ele disse: “Eu teria urticária se tivesse que cantar ‘Stairway to Heaven’ em todos os shows. Eu escrevi a letra e descobri que a música tinha alguma importância e consequência em 1971. Mas 17 anos depois, não sei. Simplesmente não é para mim.”
Com o tempo, Plant até se cansou de separar suas letras. “Dependendo do dia, eu ainda interpreto a música de uma maneira diferente – e eu a escrevi”, disse ele certa vez. Ele chamou suas letras de “pomposas” e disse em 2012: “Eu tenho dificuldade com algumas letras de determinados períodos de tempo. Talvez eu ainda estivesse tentando entender o que estava falando. [. . . ] Todos os outros f-er são.
