Na Mongólia, um tipo fascinante de cantor é capaz de pegar uma única nota e dividi-la em seus tons componentes, parecendo cantar várias notas diferentes ao mesmo tempo. Nos EUA, um “eepher” usa uma espécie de “beatboxing caipira” para fazer o público rir e bater os pés. Nas extensões congeladas do Lago Baikal, na Rússia, um grupo de percussionistas explora os diferentes sons que o gelo emite quando batem nele. O que eles têm em comum – assim como o restante dos itens desta lista – é que todos eles exploram a conexão humana universal com o som, o ritmo e a música.
Esta lista inclui técnicas de composição, performance, instrumentais e vocais.
O Lago Baikal é o maior lago do mundo em volume de água; na verdade, é tão grande que contém 1/5 da água doce superficial descongelada do mundo. É também o lago mais profundo do mundo (pouco mais de um quilômetro e meio de profundidade) e talvez também o mais antigo do mundo. Baikal é o lar de uma série de animais fascinantes, incluindo uma das únicas espécies de focas de água doce, bem como um peixe extremamente gorduroso, sem escamas e translúcido chamado golomyanka.
Mas o que isso tem a ver com música? Bem, um grupo de percussão russo conhecido como “ ETHNOBEAT ” – da Universidade Técnica de Irkutsk – viajou para o Lago Baikal em março de 2012 para tocar bateria na superfície congelada do Lago Baikal. Veja como os membros do grupo enfrentam o clima de -20ºC para produzir uma bela variedade de sons percussivos usando apenas as mãos e os diferentes tipos de gelo à sua disposição. O grupo deve o projeto a uma falta de jeito – Tatiana, esposa de um dos bateristas, já havia caído de bunda, produzindo um som musical intrigante ao atingir a superfície. A partir daí surgiu um concerto singular, transformando a água congelada numa sinfonia.
Eephing (às vezes escrito eefing) provavelmente pode ser melhor entendido como um tipo de “beatboxing caipira” – embora seja anterior ao beatboxing em quase 100 anos. É uma técnica de canto dos Apalaches em ritmo acelerado que pode ser grosseiramente dividida em 1/3 dizendo “eef” (ou outra vogal + f), 1/3 peido na boca e 1/3 ofegante. Jennifer Sharpe, que traçou o perfil do lendário eepher Jimmie Riddle na NPR, descreveu-o como “uma espécie de chiado rítmico e soluçante”. Originou-se em comunidades agrícolas rurais no Tennessee, onde os eephers imitavam os sons de seus porcos e perus.
Eephing nunca teve muito sucesso no mainstream, mas obteve seus 15 minutos de fama em 1963, quando Riddle apareceu no single “Little Eefin ‘Annie” de Joe Perkins. Pequena Annie alcançou a posição 76 nas paradas da Billboard e expôs uma geração de ouvintes aos sons únicos de eephing.
Confira esse vídeo para uma breve lição rápida de Riddle.
Konnakol – às vezes chamado de “canto scat indiano” ou “beatboxing indiano” – é a arte da percussão vocal do sul da Índia. É um componente de “ ”, a linguagem das sílabas de tambor, junto com “tala” (ou “taal”), a parte percussiva feita com a mão em um tambor “mridangam”. Com tala, a métrica é mantida com ondas, palmas e contagem de dedos, enquanto o músico vocaliza simultaneamente o konnakol. solkattu
Artistas de konnakol aprendem regras e técnicas muito complexas, sistemáticas, quase gramaticais, para produzir percussão vocal rápida. Tal como acontece com qualquer sistema musical avançado, deve ser visto e ouvido para ser totalmente apreciado. John McLaughlin , um músico britânico e virtuoso da guitarra que estudou o konnakol e outras técnicas e estilos indianos, disse sobre o konnakol: “se você consegue entender o Konnakol – o sistema de aprendizagem de ritmo mais superior do mundo – você pode entender qualquer ritmo de qualquer país em diante. o planeta.”
Totalmente composto refere-se a uma peça musical que não repete nenhuma parte de si mesma, ou o faz raramente. Quase todas as composições têm elementos musicais que ocorrem repetidamente, especialmente a música pop, que tem uma estrutura bastante rígida e apresenta relativamente poucos desvios.
Música verdadeiramente composta é bastante rara, mas existem alguns exemplos bem conhecidos . Schubert escreveu uma série de “lieds” (poemas românticos alemães musicados), onde escreveu músicas diferentes para cada verso. A “Farewell Symphony” de Haydn também é totalmente composta. Na música popular, a maioria das peças compostas tem, de fato, uma certa quantidade de elementos repetidos, mas ainda são amplamente consideradas parte do gênero. Talvez o exemplo mais conhecido do rock seja “Bohemian Rhapsody” do Queen; o clássico de 1975 não tem refrão e é dividido em seções distintas que incluem elementos de folk, rock, hard rock, ópera e balada. Os Beatles têm uma série de músicas (incluindo “Happiness is a Warm Gun”, “A Day in the Life”) que são canções híbridas que compreendem duas partes muito distintas.
Hollerin’ é uma antiga tradição de canto cujas origens remontam aos primórdios da linguagem. Serviu a um propósito prático: comunicar informações a longas distâncias. Na década de 1700, na Carolina do Norte, os madeireiros gritavam para comunicar instruções importantes uns aos outros; sobreviveu por muitos anos em várias formas. Há muitos propósitos diferentes para um gritar , incluindo angústia (perigo), comunicativo (geralmente uma saudação básica), funcional (chamadas agrícolas do dia-a-dia) e expressivo (o puro prazer de gritar). Embora o hollerin’ esteja funcionalmente morto há algum tempo, um renascimento está em andamento desde 1969 na forma do The National Hollerin’ Contest em Spivey’s Corner, NC. Realizado no 3º sábado de cada mês de junho, o concurso busca resgatar a arte extinta e manter vivo seu legado.
Field hollering , um primo afro-americano de hollerin’, é um tipo de canto que pode ser considerado um parente próximo da “música de trabalho”. Considerado um potencial precursor do blues, gritando em campo não aparece em nenhuma gravação até meados da década de 1930, mas é conhecido por ter raízes muito mais antigas. Envolve falsete, portamento (deslizar de um tom para outro) e mudanças repentinas de tom.
Os cantores de garganta Tuvan realizam algo incrível: eles são capazes de cantar vários tons simultaneamente. Esses cantores – da região siberiana de Tuva – usam uma técnica vocal que é uma espécie de “canto harmônico”, um estilo de canto que existe em todo o mundo. O canto harmônico provavelmente se originou na Mongólia, nas regiões hoje conhecidas como Khovd e Govi-Altai. Tradicionalmente, estes “xöömei” têm sido homens, mas cada vez mais mulheres estão a começar a aprender a prática.
Quando você ouvir uma música gutural pela primeira vez, é bastante impressionante e provavelmente diferente de tudo que você já ouviu. O cantor começa com um som profundo, baixo e gutural e, com o tempo, ele o divide em seus tons componentes, amplificando cada um separadamente para que possa ser ouvido como uma nota distinta. É uma técnica tremendamente difícil de dominar, pois envolve vários componentes diferentes – devem respirar circularmente (ver item 2), para permitir que a voz seja contínua e ininterrupta, e então controlar várias partes da garganta e da boca (lábios, língua, mandíbula, véu palatino e laringe) para criar câmaras de eco em suas pregas vocais. A partir daí, eles manipulam o som para criar músicas distintas, multifacetadas e verdadeiramente únicas. cantores de garganta
Aquele som lamentoso e perturbador que uma Banshee faz? Isso é chamado de “ ” – um tipo de lamentação musical e vocal geralmente associada à Irlanda, embora exista em várias formas em muitas outras culturas. Aguentar é “fazer um alto e longo grito de tristeza; lamentar com entusiasmo. Embora não seja comumente ouvido na Irlanda hoje em dia (a maioria dos lamentos cessou no início de 1900), costumava ser uma prática padrão em funerais, seja por uma mulher solteira ou por um grupo de mulheres. Era uma vez, os entusiastas (“mná caointe”) realizavam estes “caoineadh” em velórios e funerais como forma de unir a comunidade numa demonstração de luto e luto. Keeners elogiavam os mortos, mas também amaldiçoavam aqueles que haviam feito mal ao falecido. Mais do que simples enlutados, mná caointe ajudou as comunidades a gerir a morte, cumprindo também deveres espirituais – incluindo ajudar os falecidos na sua viagem para a vida após a morte. lamentando
A prática pode remontar aos israelitas (e talvez até mais longe), que transmitiram o costume através das civilizações orientais, depois através dos gregos e romanos. Na língua irlandesa, a palavra foi escrita “cine”, muito semelhante à palavra hebraica “cina” – “lamentação ou choro com palmas”.
Hannes Coetzee mora na pequena cidade sul-africana de Herbertsdale, onde ganha a vida extraindo babosa de suculentas no deserto. Ele é conhecido em todo o mundo, no entanto, por seu estilo único de tocar guitarra – ele se autodenomina um “guitarrista de slides de colher de chá”. Com uma colher na boca servindo como uma espécie de slide, Coetzee extrai uma música distinta e vibrante de seu violão de corda de aço. A técnica se chama “optel an knyp”, que significa “pegar e beliscar”, e é um estilo de tocar que, até onde se sabe, foi inventado pelo próprio Coetzee .
A história de Coetzee recebeu reconhecimento mais amplo em um documentário de 2003 chamado “ Karoo Kitaar Blues”. O filme narra os esforços do músico sul-africano David Kramer em 2001 para realizar um concerto com alguns dos melhores músicos desconhecidos do país.
A respiração circular é uma técnica de respiração bastante complicada que permite efetivamente que uma pessoa sustente uma nota musical (ou sucessão de notas) indefinidamente. Superficialmente, não é muito complicado – quando você executa essa técnica, você está respirando normalmente normalmente, enquanto armazena uma pequena quantidade de ar extra em suas bochechas para que, quando ficar sem ar nos pulmões, você possa respirar. rapidamente pelo nariz enquanto você usa aquela reserva de bochecha para continuar tocando. A mecânica não é complexa de entender, mas é preciso muita prática para fazê-la. Certos instrumentos, talvez o mais famoso o didgeridoo, requerem esse tipo de respiração para serem tocados corretamente; embora os originais da respiração circular não sejam conhecidos, é possível que os aborígenes australianos tenham desenvolvido a técnica especificamente para o didgeridoo.
Embora muitos músicos tenham se destacado (pelo menos em parte) através do uso da respiração circular – incluindo o trompetista mexicano Rafael Mendéz, o saxofonista britânico Andy Sheppard e o líder de banda americano Irvin Mayfield – foi ninguém menos que Kenny G. quem estabeleceu um recorde mundial . Em 1997, o jazzista adulto contemporâneo tocou um mi bemol em seu saxofone soprano por 45 minutos e 47 segundos, conseguindo segurar a nota usando a técnica de respiração circular.
O guitarrista falante mais conhecido é provavelmente Peter Frampton , que cantou em seu “ Caixa de conversa ” nos singles de sucesso “Do You Feel Like We Do” e “Show Me The Way”. O Talk Box é uma unidade de efeitos que permite ao usuário conectar sua voz a um instrumento; Frampton tem sua própria linha de talk boxes e deve pelo menos parte de seu sucesso ao som distinto de sua voz falada através de sua guitarra elétrica.
Frampton, entretanto, não foi o primeiro músico a experimentar guitarras falantes. Alvino Rey , um músico americano da era do swing, frequentemente considerado o inventor da guitarra pedal steel, foi o pioneiro em um microfone de garganta de carbono conectado para afetar o tom de sua guitarra elétrica. Rey colocou o microfone na garganta de sua irmã, que murmurou palavras, produzindo o que Rey chamou de “Guitarra Cantante”. Muitas das músicas de Rey apresentavam um pequeno boneco de guitarra chamado “Stringy”, que agia como uma espécie de boneco de ventríloquo cantor e com voz de guitarra.
Em 1964, o pioneiro musical Pete Drake lançou “Forever”, um álbum cujo single de mesmo nome foi um grande sucesso. O estilo “cantar guitarra” foi ressuscitado e a música alcançou a posição 22 nas paradas da Billboard. O domínio de Drake na guitarra, tanto “falante” quanto não, o levou a aparecer em dezenas de sucessos na década de 1960, incluindo “Lay Lady Lay” e (provavelmente) “Stand By Your Man”.
“” é uma de guitarra , encontrada (entre outros estilos) no punk, reggae e no rhythm and blues, onde você aperta (e segura) as cordas contra o braço da guitarra e dedilha ao mesmo tempo. A palavra é uma mala de viagem (o resultado de duas palavras misturadas para formar uma nova) de “estrangular” e “arrancar”. O resultado é um som percussivo áspero e repetitivo que ficou famoso por James Brown e seu guitarrista , e pode ser ouvido claramente em seu hit de 1965 “Papa’s Got a Brand New Bag”. Técnica de Chanking Jimmy Nolen
Chanking está intimamente relacionado com “ arranhar frango ”, uma técnica semelhante que se diferencia pela liberação leve e rápida da mão que está sendo usada. Para fazer o som do arranhão do frango, os guitarristas pressionam levemente as cordas e as soltam rapidamente, enquanto dedilham muito rapidamente com a outra mão perto da ponte do violão.
