Desde que Dan Brown escreveu O Código Da Vinci , a Internet está inundada de pessoas tentando resolver os “mistérios” da grande arte. De alienígenas em pinturas renascentistas a inúmeras conspirações envolvendo a Monalisa , não sobrou pedra sobre pedra.
Mas nem todas as teorias sobre o significado de uma obra são tão abertamente malucas. Alguns conseguem ser completamente convincentes e totalmente alucinantes.
10 Um sátiro de luto por uma ninfa Na verdade mostra um assassinato brutal
Pintado por Piero di Cosimo em 1495, A Satyr Mourning Over A Nymph supostamente retrata uma cena das Metamorfoses de Ovídio . Nessa história, Procris é acidentalmente morta na floresta quando seu marido caçador, Cephalus, a confunde com uma fera e atira uma lança nela. É uma escolha de cena típica de um artista renascentista, com apenas um problema. Um exame minucioso prova que não há como o Procris de Cosimo ter morrido acidentalmente.
Segundo o professor britânico Michael Baum, todos os sinais apontam para a cena de um assassinato brutal . Procris tem lacerações profundas nas mãos, consistentes com alguém tentando se defender de um ataque de faca. Sua mão esquerda também está dobrada para trás em uma posição conhecida como “ponta do garçom”, normalmente encontrada em vítimas de homicídio que tiveram a medula cervical cortada nos pontos C3 e C4. Finalmente, há um ferimento no pescoço correspondente à posição de C3/C4. Em vez de ser uma cena de romance, a pintura de Cosimo mostra as consequências de um ataque frenético de faca.
Provavelmente isso não foi intencional. O professor Baum suspeita que Cosimo pediu ao necrotério local que lhe emprestasse um cadáver para a pintura e por acaso conseguiu uma vítima de assassinato.
9 Diego Rivera sugere que JD Rockefeller Jr. tinha sífilis
Homem, controlador do universo, de Diego Rivera, é uma das maiores pinturas da arte mexicana – literal e figurativamente. Originalmente encomendado para o Rockefeller Center, mas reconstruído na Cidade do México depois que Nelson Rockefeller questionou sua representação de Lênin e a destruiu , é uma das obras icônicas do século XX. É também um ato monumental de vingança. O mural afirma que o pai de Nelson Rockefeller tinha sífilis.
Um dos elementos-chave é a recriação do mural das recentes descobertas científicas. Galáxias, sóis em explosão e close-ups de bactérias enxameiam em sua cruz central, flutuando acima das cabeças de homens e mulheres. Depois que Nelson Rockefeller destruiu sua versão original, Rivera voltou e pintou seu pai, JD Rockefeller Jr., sob um daqueles close-ups de bactérias. A bactéria que ele escolheu era ser sífilis .
Não foi só isso que ele fez. Apesar de JD Rockefeller Jr. ter sido abstêmio por toda a vida, Rivera o atraiu com um martini e uma mulher que pode ser prostituta. Para efeito adicional, colocou Lenin numa posição de destaque.
8 Isabella Apresenta um homem escondendo sua ereção
Uma das principais luzes do movimento pré-rafaelita, John Everett Millais é provavelmente mais conhecido hoje por sua Ofélia . Pelo menos assim foi até 2012, quando os pesquisadores descobriram algo inesperado escondido em sua primeira pintura, Isabella . Apresentando vários personagens do Decameron de Boccaccio sentados ao redor de uma mesa em um banquete, também inclui o que parece inconfundivelmente a sombra de uma ereção.
O personagem em primeiro plano à esquerda da pintura está levantando uma perna e usando um quebra-nozes. Se você olhar de perto, poderá ver que a sombra projetada pelo quebra-nozes se alinha perfeitamente com sua virilha, fazendo-o parecer extremamente entusiasmado com a entrada. E longe de ser mais uma prova de que as nossas mentes estão irremediavelmente na sarjeta, foi quase certamente intencional.
O Decameron é um dos livros mais eróticos já escritos e a pintura está repleta de referências à sexualidade. A perna estendida do personagem pretende ser fálica, e uma pilha de sal derramada sobre a sombra do pênis provavelmente simboliza o sêmen. É o mais sujo possível sem simplesmente desenhar pornografia.
7 A Primavera É uma carta de amor à horticultura
Uma das pinturas mais famosas da Galeria Uffizi de Florença (o que já diz alguma coisa), La Primavera de Botticelli é também uma das mais misteriosas. Apresentando um grupo de mulheres em uma campina paradisíaca, os especialistas ainda discutem sobre seu significado alegórico. Mas há uma teoria que se destaca de todas as outras, em termos de evidência e estranheza – alguns afirmam que é tudo sobre horticultura.
O raciocínio vem da atenção alucinante aos detalhes que Botticelli colocou nas plantas de seu prado imaginário. Segundo estimativas oficiais, existem em exposição pelo menos 500 plantas individualmente identificáveis, compreendendo cerca de 200 espécies diferentes . Alguns sugeriram que representam todas as plantas que cresceram em torno da Florença do século XV e que floresceram entre março e maio, enquanto outros alegaram que incluem plantas fantasiosas que Botticelli poderia ter criado especialmente para a pintura.
Com toda essa atenção às flores, alguns aficionados mal registram as figuras humanas que estão acima. Foi até dito que a pintura representa “não tanto a alta cultura, mas a horticultura”.
6 A aula de música É excêntrico como o inferno
Pintado por Johannes Vermeer na década de 1660, A Lição de Música é considerado um dos maiores retratos da vida holandesa do século XVII. Apresentando uma jovem sendo ensinada a tocar um tipo de cravo chamado virginal por seu belo tutor, é uma representação fotorrealista de um dia típico da classe alta no mundo de Vermeer. Pelo menos, essa é a explicação padrão. Outra visão é que tudo tem a ver com sexo e luxúria oculta .
Segundo essa teoria, a pintura está repleta de pequenas pistas sobre a tensão sexual crua entre a menina e seu tutor. Não é novidade que o virginal tem sido associado à virgindade, enquanto o espelho acima dele revela que a menina está na verdade olhando para o homem enquanto brinca, distraída por sua “presença masculina”. Atrás deles, a jarra de vinho pretende sugerir que um efeito afrodisíaco está ocorrendo, enquanto o instrumento no chão funciona como um enorme símbolo fálico. O ângulo pelo qual vemos a pintura pode até sugerir que o observador é um voyeur.
Não é apenas esta pintura. Alguns críticos de arte afirmam que a presença da música em Vermeer sempre simboliza a sexualidade , tornando sua obra profundamente excêntrica.
5 Café Terraço à Noite É sobre a última ceia
Pintada em 1888, Cafe Terrace At Night é uma das obras mais importantes de Van Gogh . É também um dos seus mais queridos, apresentando uma versão clássica de Van Gogh em uma cena comum. Mas outra escola de pensamento afirma que há algo muito mais profundo em jogo. De acordo com uma teoria recente, Cafe Terrace At Night é na verdade sobre a Última Ceia.
Desde cedo, Van Gogh foi extremamente religioso . Seu pai era um ministro protestante, e críticos de arte influentes argumentaram que suas pinturas estão repletas com imagens cristãs . No caso do Café Terrace At Night , essa imagem vem na forma de Jesus sentado para comer com seus discípulos. Se você olhar atentamente para os comensais, verá que são 12 deles, sentados em torno de uma figura central de cabelos longos. Curiosamente, há até várias cruzes escondidas na imagem , incluindo uma diretamente acima da figura de Cristo.
Há evidências contemporâneas para apoiar essa afirmação. Quando Van Gogh escreveu ao irmão sobre a pintura, ele afirmou que o mundo tinha uma “tremenda necessidade” de religião. Ele também estava profundamente apaixonado por Rembrandt e expressou o desejo de reviver seu estilo de simbolismo cristão sutil . Cafe Terrace At Night pode muito bem ser a prova de que ele finalmente conseguiu.
4 Uma alegoria com Vênus e Cupido É sobre sífilis
Uma pintura que mostra Vênus e Cupido transando enquanto um careca assiste e um homem grita ao fundo sempre seria perturbador. Mesmo para os padrões do assunto, porém, a Alegoria com Vênus e Cupido de Agnolo Bronzino é sombria. Apesar de ser descrita como uma imagem erótica “de beleza singular”, há muitas evidências de que seja realmente um alerta sobre a sífilis .
O foco desta teoria é a figura gritando no canto inferior esquerdo da pintura. Embora classicamente seja considerado um símbolo de ciúme ou desespero, um exame mais atento mostra que eles estão, na verdade, muito doentes . Seus dedos estão inchados exatamente como seria de esperar de um paciente com sífilis, falta uma unha e seus cabelos apresentam sinais de alopecia sifilítica. Suas gengivas desdentadas até sugerem envenenamento por mercúrio, sendo o mercúrio a coisa mais próxima que a Itália renascentista tinha de um tratamento para DST.
Fica mais escuro. A criança que enche Vênus e Cupido de flores parece ter furado o pé em um espinho de rosa sem perceber. Tal falta de sensação resultaria diretamente da mielopatia sifilítica. Ou seja, a pintura parece mostrar os amantes rodeados pelo sofrimento induzido pela sífilis; uma visão do que os espera caso se deixem levar pela paixão.
3 El Autobus É sobre um acidente horrível
Pintado pela lendária artista mexicana Frida Kahlo em 1929, El Autobus é famoso por mostrar um corte transversal da sociedade mexicana vivendo lado a lado. Uma dona de casa, um operário, uma mãe nativa americana e um rico empresário gringo estão todos esperando o ônibus, junto com uma garota que provavelmente deveria ser a própria Frida. Se for esse o caso, então a pintura tem um subtexto muito mais escuro. Todos os seus súditos estão prestes a sofrer um acidente horrível.
Em 1925, Kahlo estava em um ônibus que bateu de frente em um bonde. O acidente foi tão grave que Kahlo foi empalada em um corrimão de metal, deixando-a em agonia pelo resto da vida. Seus trabalhos posteriores frequentemente faziam referência ao acidente, sugerindo que foi um milagre ela ter sobrevivido ao acidente. E El Autobus não é exceção. Foi sugerido que o operário seria o homem que salvou a vida de Kahlo puxando o corrimão de seu corpo quebrado , o que significa que a pintura é colocada pouco antes de eles embarcarem no ônibus. Longe de estarem voltando para casa, os personagens caminham diretamente para um violento encontro com o destino.
2 As pinturas dentro das pinturas da escola holandesa
A Idade de Ouro Holandesa da pintura perde apenas em estatura para a Renascença italiana. Como outras épocas, tinha suas próprias peculiaridades de estilo, como artistas incluindo outras pinturas no fundo de suas pinturas. Essas “pinturas dentro de pinturas” não eram apenas Vermeer e seus amigos se exibindo. Eles continham um código simbólico especial que dizia exatamente como ler cada imagem.
Pegue os chinelos de Samuel van Hoogstraten. À primeira vista, a pintura mostra um corredor vazio com dois chinelos, com um exemplar de Pai Admoestando Sua Filha, de Caspar Netscher, pendurado ao fundo. Quase parece chato. Mas os espectadores holandeses contemporâneos saberiam que a pintura de Netscher se passa dentro de um bordel. Combinado com o fato de os dois chinelos serem um par incompatível pertencente a um homem e a uma mulher, a inferência clara seria que o corredor estava vazio porque os ocupantes estavam ocupados fazendo sexo.
Outras vezes, o código era mais sutil. Homem escrevendo uma carta e mulher lendo uma carta (foto acima), de Gabriel Metsu, mostram um homem escrevendo uma carta para sua amante e ela lendo-a. Na segunda foto, a pintura de um navio em um mar tempestuoso é visível ao fundo, simbolizando a natureza turbulenta de seu relacionamento à distância. Em A Carta de Amor de Vermeer, a pintura de um navio sob nuvens ameaçadoras mostra que más notícias podem estar se aproximando.
Procure e você encontrará centenas de exemplos dessas “pinturas dentro de pinturas” holandesas, cada uma alterando sutilmente o significado da imagem maior.
1 O trabalho de LS Lowry está cheio de sofrimento oculto
Pintor de meados do século XX conhecido por retratar o noroeste da Inglaterra, LS Lowry era famoso por pintar vastas cenas urbanas com multidões de “ homens palito de fósforo ”. Embora ele fosse popular, o mundo da arte considerou suas pinturas triviais por muito tempo. Eles não poderiam estar mais errados. Como um sádico Onde está Waldo , as pinturas de Lowry estão repletas de flashes ocultos de sofrimento humano.
Em sua pintura Um Acidente , de 1926 (foto acima), uma multidão de pessoas se reúne perto de um lago, olhando para algo escondido no meio delas. Embora a pintura não seja flagrante, a cena foi inspirada em um suicídio local e o grupo deveria estar olhando para um cadáver encharcado . Seu trabalho de 1935, The Fever Van, mostra um grupo de pedestres olhando boquiabertos para uma van que buscava um paciente. Na época, a difteria e a escarlatina eram generalizadas em Manchester e frequentemente fatais. A mensagem tácita é que o sofredor invisível na pintura de Lowry quase certamente morrerá .
Outras pinturas de Lowry incluem pessoas brigando, sendo despejadas ou simplesmente olhando pelas janelas em um isolamento esmagador. Em cada caso, a tragédia nunca passa de um incidente de fundo, quase escondido na pintura. Todos os outros homens palito de fósforo continuam vivendo suas vidas diárias , inconscientes ou indiferentes ao sofrimento que há entre eles. A mensagem é que estamos totalmente sozinhos e nossa dor não significa nada. É provavelmente a mensagem oculta mais assustadora de todas.
