Cenários e cenários interiores e exteriores, temas e motivos, monstros e ameaças, até diálogos e efeitos sonoros – todos esses elementos de filmes de terror foram sugeridos por pinturas famosas.
Inspirados nas obras de artistas aclamados, os diretores de filmes de terror adicionaram efeitos sonoros, visuais e dramáticos às suas próprias visões criativas, aprimorando seus trabalhos artísticos com os dos mestres do expressionismo, do realismo mágico, do realismo, do surrealismo, do modernismo, do romantismo e do Barroco.
Os resultados são surpreendentes, acrescentando riqueza e profundidade às próprias imagens e temas dos filmes sobre o horrível e o terrível.
10 Foto de Dorian Gray
Embora possa não ser tão famoso quanto alguns dos outros pintores desta lista, Ivan Albright, o aclamado “mestre do macabro”, foi o escolhido do diretor Albert Lewin como o artista que pintaria o retrato do protagonista de seu filme de terror O Imagem de Dorian Gray (1945), uma adaptação do romance de Oscar Wilde de 1891.
No filme, assim como no romance, Gray, um jovem bonito, encomenda seu retrato. Como resultado de um acordo com o diabo, os efeitos da “vida dissoluta e má” de Gray deixam suas marcas na pintura, e não na própria aparência de Gray, e o vaidoso réprobo permanece tão jovem e bonito como sempre, apesar da passagem de tempo e sua multidão de ações vis. Embora o filme tenha sido filmado em preto e branco, Lewin tirou o retrato em cores para destacar a horrível transformação de Gray.
Na pintura a óleo de Albright, Retrato de Dorian Gray (1943-1944), Gray está envelhecido, com a testa enrugada, a carne deteriorada cinzenta, o nariz bulboso, a boca torcida e o rosto e as mãos manchados de sangue. Ele parece bastante louco, com olhos arregalados e esbugalhados, e suas roupas sujas e esfarrapadas, também manchadas de sangue, parecem mofadas. A mobília da sala em que ele está também está arruinada e falta gesso nas paredes. Rostos bizarros e formas monstruosas parecem aparecer nas paredes, nos móveis, nas roupas de Gray e no tapete floral sob seus sapatos gastos e manchados de sangue. Graças ao “retrato” de Albright, fica claro para o público que o estado da alma de Gray é, de fato, hediondo, por mais jovem e bonito que sua forma e semblante carnais possam parecer; a pintura é uma expressão perfeita do tema do filme: o mal corrompe a alma.
9 Sábado das Bruxas
Nas filmagens de The Witch: A New England Folktale (2015), o diretor Robert Eggers, que também escreveu o roteiro do filme, se esforçou para recriar o mundo do século XVII, no qual seu drama se passa, para que a representação realista do cenário fosse adicione credibilidade à premissa do filme de que as bruxas realmente existiram. Para este fim, ele também procurou retratar sua própria bruxa como verossímil.
Embora as bruxas fossem “muito mais primitivas e muito mais assustadoras” do que as pessoas hoje podem imaginar, disse Eggers, a bruxa em seu filme também deve impressionar seu público como alguém cuja existência teria sido realmente acreditada por seus contemporâneos. Por esse motivo, ela não poderia se assemelhar a versões de bruxas em “contos de fadas”. Uma maneira de garantir a precisão de suas representações da época do cenário de seu filme foi consultar “historiadores, museus e especialistas em história viva”.
Eggers também recorreu a uma obra-prima de um pintor famoso em busca de inspiração sobre como retratar sua bruxa: o Sábado das Bruxas de 1798, de Francisco Goya. Embora a obra esteja “fora” do período do mundo do século XVII de Eggers, é uma representação atemporal do tema, disse o diretor, e as “melhores representações visuais de bruxas que você poderia desejar”.
A pintura mostra o diabo, disfarçado de cabra, sentado ereto, com os chifres rodeados por uma guirlanda, rodeado de bruxas, uma das quais oferece à figura central um recém-nascido nu, enquanto outra apresenta uma criança nua e emaciada. Algumas das bruxas são mais velhas que outras, mas nenhuma é jovem. Além da apresentação das crianças, presumivelmente como sacrifícios, uma das imagens mais perturbadoras da pintura aparece ao fundo: corpos nus de três crianças pendurados pelo pescoço em um galho nu e pontiagudo cravado no chão.
Ironicamente, embora Eggers use a pintura de Goya como um estudo de bruxas, vendo em sua representação uma apresentação realista de como elas podem aparecer, Witches Sabbath, como as outras pinturas nas seis obras que Goya dedicou ao “tema da bruxaria”, são vistas por críticos como “uma crítica satírica das superstições da sociedade educada à qual. . . o pintor pertencia.”
8 Necronomicon IV e Necronomicon V
As pinturas retocadas do surrealista HR Giger são obras perturbadoras, inesquecíveis e únicas, apresentando figuras biomecânicas meio humanas e meio máquinas; arbustos antropomórficos; monstros parecidos com enguias; fetos; formas fálicas; máquinas; e um ser bizarro e monstruoso que inspirou a criatura extraterrestre no filme de terror de ficção científica de Ridley Scott, Alien, de 1979.
Pintando e esculpindo a criatura no set, bem como esculpindo o interior da nave espacial, Giger deu a Scott o que ele queria. Embora o artista tivesse preferido projetar a criatura alienígena de novo, Scott, impressionado pela “maneira única pela qual” as pinturas Necronomicon IV (1976) e Necronomicon V (1976) de Giger “transmitiam horror e beleza”, exigiu que Giger “seguisse seus forma.” Como resultado, não apenas o público de Scott ficou aterrorizado com o alienígena de Giger, mas o artista ganhou o Oscar de Melhores Efeitos Visuais em 1980 por seu trabalho no filme.
7 O Jardim das Delícias Terrenas
Regan MacNeil, possuída por espíritos malignos, jorra, além de vômito de projétil verde, palavrões, obscenidade, blasfêmia, insultos e injúrias contra os dois padres que vieram a sua casa para exorcizar os demônios internos. O comportamento bizarro do adolescente apresentou um problema. Como é a voz do diabo? O diretor de O Exorcista, William Friedkin, e Chris Newman, que trabalhou no departamento de som do filme, encontraram a resposta em uma fonte improvável: o famoso tríptico surrealista de Hieronymus Bosch, O Jardim das Delícias Terrestres (1490-1510).
Como Linda Blair, que interpretou Regan, era uma atriz mirim, Mercedes McCambridge, de voz rouca, proferiu grande parte da linguagem chula do filme de 1971. Friedkin mostrou a pintura de Newman Bosch, apontando as dezenas de demônios no painel do tríptico que representa a visão do inferno do pintor. “É assim que a voz de Satanás deveria soar”, sugeriu Friedkin. Para criar o “elaborado. . . cacofonia de sons sugerida pelas imagens demoníacas de Bosch, “centenas de. . . gravações” foram usadas para criar uma mistura de “sons diversos” que incluíam, entre outros, os do “coaxar das pererecas e dos zangões”.
6 O Império da Luz
A série surreal de pinturas a óleo e guache de René Magritte, chamadas coletivamente de O Império da Luz (1940-1960), forneceu a inspiração para uma tomada externa no filme de Friedkin. As pinturas apresentam uma cena semelhante: uma casa, cercada por formas noturnas de árvores, arbustos e sombras, iluminada apenas por um poste no gramado e uma luz em uma janela do andar superior, fica sob um céu diurno azul e nublado.
Como a pintura justapõe o dia e a noite de uma maneira impossível, muitos consideram a cena que ela retrata como misteriosa – uma imagem perfeita para um filme sobre a libertação de uma menina da possessão demoníaca. A pintura de Magritte inspirou a cena do filme de Friedkin que mostra a chegada do Padre Merrin, sozinho na rua, debaixo de um poste de luz, do lado de fora da casa onde o diabo o espera. O céu claro representa o céu, talvez a morada de Deus, enquanto a escuridão da terra, o domínio do diabo, simboliza o mal.
5 Pinturas de Amedeo Modigliani
O monstro de It, de Stephen King, é um metamorfo, capaz de assumir a forma do pior pesadelo de qualquer pessoa. Muitas vezes, aparece como Pennywise, o palhaço louco e ameaçador, mas, na adaptação cinematográfica de 2017 do diretor Andy Muschietti do romance de King, também se transforma em disfarces de lobisomem, leproso e flautista que emerge de um Amedeo Modigliani. pintura no escritório do pai do jovem Stanley Uris.
A flautista é assustadora porque seu rosto é incrivelmente alongado, os traços são além de assimétricos, porque impossivelmente desalinhados, e os crânios disformes parecem oscilar em pescoços alongados. Este avatar específico de It, explicou o diretor, é “uma tradução literal de um medo infantil muito pessoal. Na minha casa havia uma gravura de uma pintura de Modigliani que achei assustadora. E a ideia de conhecer uma encarnação da mulher me deixaria louco.” A representação de uma figura feminina na pintura era tão “deformada”, acrescentou o diretor, que lhe pareceu monstruosa. De certa forma, o flautista bizarro em sua versão de É assim que o monstro de King aparece para ele; Assumiu a forma mais aterrorizante para o diretor, uma realização do pior medo de infância de Muschietti.
4 O pesadelo
Em 1781, Henry Fuseli pintou Der Nachtmahr (O Pesadelo), em que um íncubo, ou demônio sexual masculino, pousa no abdômen de uma mulher adormecida vestida de camisola, com os braços e a cabeça pendurados para fora da cama e o resto do corpo. numa atitude sensual. A cabeça de um cavalo (pertencente à égua noturna, ou pesadelo) emerge das sombras densas do quarto.
Em 2015, a famosa pintura inspirou o tema do filme de mesmo título, dirigido por Akiz, pseudônimo de Achim Bornhak: a personagem principal do filme, Tina, dorme com a horrível criatura demoníaca ao seu lado. Ela está imaginando sua presença? Ela é a única que vê isso?
Real ou imaginário, como a entidade se relaciona com Tina e o que ela representa? Parece que Bornhak é propositalmente ambíguo quanto ao significado da criatura e, portanto, ao tema de seu filme. O ser semelhante a um feto poderia representar a loucura incipiente de Tina. Poderia simbolizar seu distanciamento de seus colegas. Isso pode sugerir o medo de rejeição de Tina.
As alusões do filme a 2001: Uma Odisséia no Espaço, de Stanley Kubric, e A Laranja Mecânica; ao místico poeta romântico inglês William Blake; e, claro, as pinturas de Fuseli parecem frustrar a interpretação tanto quanto podem oferecer pistas sobre o significado do filme, o que faz os críticos se perguntarem, ainda mais, quais poderiam ser as intenções de Bornhak. Talvez o significado do filme dependa das interpretações do próprio público.
3 Casa perto da ferrovia
Conhecida por milhões, a casa vitoriana de Norman Bates, isolada, na colina com vista para seu motel isolado, é uma das partes mais inesquecíveis do cenário da macabra obra-prima de Alfred Hitchcock, Psicose, de 1960. Muito menos sabem que a inspiração para esta casa de horrores é a pintura de 1925, House by the Railroad, do célebre Edward Hopper.
O Museu de Arte Metropolitana da cidade de Nova York descreve a residência da pintura como “uma grande casa vitoriana, com base e terreno obscurecidos pelos trilhos de uma ferrovia [que] criam uma barreira visual que parece bloquear o acesso à casa, que é isolada em uma paisagem vazia.” É exatamente esse clima que a casa de Hitchcock no topo da colina cria. Em vez de convidativa, a casa é proibitiva. Não existe como parte de uma comunidade maior, mas está, em vez disso, isolada e sozinha; isola seus residentes do mundo maior, permitindo que Bates viva em uma realidade imaginária de sua própria concepção, um mundo que prova ser tanto de solidão quanto de loucura.
2 Susana e os Anciãos
Outras pinturas além da de Hopper também inspiram um dos cenários de Psicose, a sala atrás do escritório de Bates no motel. De acordo com o trailer do filme, o próprio Bates descreve a sala como seu “local favorito”. Apontando para uma das pinturas na parede da sala, ele começa a explicar seu “grande significado”, mas não consegue concluir seu pensamento. A pintura é uma impressão de Susanna and the Elders, de William van Mieris, de 1731, que tem mais do que um propósito meramente decorativo ou estético; cobre o olho mágico através do qual Bates espiona Marion Crane.
A própria pintura lembra o décimo terceiro capítulo de Daniel na Bíblia Católica (o livro de Susana nos apócrifos protestantes), no qual Susana, uma jovem honesta, é espionada pelos mais velhos enquanto se banha. Quando ela recusa as suas exigências de ter relações sexuais com eles, eles colocam em perigo tanto a sua reputação como a sua vida ao mentirem sobre a terem apanhado em acto de adultério. A presença da pintura cria, portanto, uma alusão que sublinha os paralelos entre a situação de Susanna e a do próprio Crane, intensificando o suspense do filme. Também implica o público do filme, que, como os mais velhos da pintura e o próprio Bates, também “espiona” Crane enquanto ela toma banho.
1 Vênus com um espelho
A sala atrás do escritório do Bates Motel também exibe a obra-prima de Ticiano, Vênus com Espelho, de 1555. Voluptuosa, a deusa seminua está sentada, com o braço direito e a parte inferior do corpo envoltos em veludo vermelho, olhando para um espelho sustentado para esse fim por um Cupido alado. Uma segunda atendente semelhante segura um espelho de mão atrás da cabeça, para que ela possa se examinar tanto por trás quanto pela frente. Seu olhar extasiado sugere que ela está satisfeita com o que vê.
Como observa Katrina Powers, em sua discussão sobre a pintura no The Journal of American Culture: “Ela leva a mão esquerda ao peito, talvez para admirar a pulseira de ouro e o anel que a adornam”, enquanto também considera se a joia é uma boa combinação para “seus brincos de pérola e as decorações de ouro e pérolas que ela usa no cabelo loiro”. De forma alguma seu braço levantado deve ser interpretado como “protegendo sua nudez”, declara Powers, pois é, mais provavelmente, “uma das muitas poses” que ela faz enquanto contempla “sua própria beleza”.
Na exibição do retrato de Vênus ao lado da pintura de Susanna, os críticos viram múltiplos significados, incluindo “a conexão entre voyeurismo, desejo e violência” (Donald Spoto); “voyeurismo, acusação injusta, inocência corrompida, abuso de poder, segredos, luxúria e morte” (Erik Lunde e Douglas Noverr); e “uma fantasia de estupro” (Michael Walker). Pode ser, também, que, para Bates, Marion represente a tentação da sexualidade feminina que a sua “mãe” lhe proíbe (Vênus) e o desejo de se render a essa tentação, através do voyeurismo (Susanna) que termina em violência e morte para Marion , a personificação desses impulsos e necessidades conflitantes.
