A natureza explosiva e introspectiva da música rock sempre proporcionou um refúgio para párias, adolescentes angustiados e também para tipos taciturnos. Mas ao longo dos anos, alguns músicos e compositores levaram as tendências naturalmente emotivas do rock a novos extremos. Os resultados são registros que perscrutam ousadamente as profundezas da psique humana, levando consigo ouvintes curiosos.
Os registros desta lista exploram sentimentos de raiva, desespero e depressão, mas também abordam futuros distópicos, rituais ocultos, assassinato, morte e doenças. Em certo sentido, eles estão para a música assim como os horrores e os thrillers estão para os filmes. Mas os registros aqui também não são apenas sombrios. Em vez disso, esses álbuns também são algumas das melhores peças musicais da história do rock.
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10 Solte os cisnes de My Dying Bride
My Dying Bride já era uma força estabelecida conhecida por seu som de metal lento e sombrio quando lançou Turn Loose the Swans em 1993. No entanto, o segundo álbum seria uma mudança considerável estilisticamente em relação ao seu álbum de estreia. Para começar, o vocalista Aaron Stainthorpe adicionou vocais limpos e partes faladas junto com seu rosnado habitual. Enquanto isso, o pianista/tecladista/violinista Martin Powell encontrou muito mais espaço para trabalhar.
As mudanças musicais resultaram em um álbum que carregava uma vibração muito mais gótica, com longos momentos atmosféricos tomando o lugar da abordagem brutal anterior da banda. Mas embora o álbum possa não ser tão agressivo quanto seus lançamentos anteriores, é sem dúvida um dos álbuns mais sombrios e sombrios já feitos e um lançamento marcante do metal. [1]
9 Minha Guerra por Black Flag
1984 foi um ano marcante para o lendário grupo punk Black Flag. A banda gravaria nada menos que três álbuns ( My War , Family Man e Slip It In ) e realizaria mais de 170 shows. Seria o primeiro desses álbuns, My War , que acabou provando ser o mais memorável. Aqui, a banda, conhecida por seu ritmo implacável, pegou influência de nomes como MC5, Stooges e Black Sabbath e optou por um som mais lento, mais experimental, mas igualmente mais sombrio.
Somando-se à musicalidade “suja” estava a performance vocal quase esquizofrênica e paranóica do vocalista Henry Rollin, mais notavelmente evidente na faixa-título que o vê gritando “Você é um deles!” no ouvinte. É claro que nada disso incomodaria tanto as paradas na época, mas seu som caótico provou ser extremamente influente e essencialmente abriu o caminho para a cena grunge rock de Seattle em seu rastro. [2]
8 Black Sabbath por Black Sabbath
Lançado em 1970 no Dia dos Namorados (entre todos os dias), o primeiro álbum do Black Sabbath pode parecer inofensivo para os padrões de hoje, mas precisava ser mencionado. Inspirado por Aleister Crowley, Dennis Wheatley, HP Lovecraft e JRR Tolkien, Black Sabbath – quatro caras de Birmingham, Inglaterra – mergulhou em assuntos que outros ainda não haviam ousado, incluindo representações do ocultismo e do próprio Satanás.
Mas, é claro, a música em si também se mostrou bastante revolucionária para a época. Na verdade, a combinação do estilo hard blues-rock do guitarrista Tony Iommi e temas líricos sombrios essencialmente definiram o modelo para todo o heavy metal. Surpreendentemente, a sua influência no metal – e na música em geral – começou há mais de cinquenta anos. Na verdade, Iommi observou certa vez que “não nos ouvi ser citados como influência até que bandas como Nirvana, Soundgarden e Metallica, e algumas músicas punk, como os Stranglers, surgiram”. [3]
7 Manequim de Portishead
Embora suas batidas trip-hop e som centrado no vocal tenham feito o que alguns consideraram um álbum chill-out, você não precisaria prestar atenção para não perceber que Dummy também é um dos álbuns mais sombrios já feitos. Inspirado por um drama de TV de mesmo nome dos anos 1970 sobre uma mulher surda que se torna prostituta, o primeiro álbum do Portishead é um álbum chocante e visceral em sua essência. Carrega consigo tons de crítica política e social que perduram sob canções de saudade e desespero desesperados.
Apesar de ter estreado em 1994, o álbum permanece fresco, atraindo novos ouvintes para o estilo vocal sensual e folk da cantora Beth Gibbons, combinado com as escolhas únicas de samples de Geoff Barrow. Seu som distinto os ajudou a passar da cena club para um público indie esperando para absorver sua música. [4]
6 In Utero do Nirvana
Quando o Nirvana começou a trabalhar em seu último lançamento de estúdio em 1993, eles encontraram uma vasta sombra pairando sobre eles. O álbum anterior, Nevermind, mudou para sempre o cenário da música alternativa, mas seu sucesso se mostrou problemático para uma banda enraizada em uma estética DIY e anti-establishment. O vocalista principal Kurt Cobain até mesmo chamaria Nevermind de “candy ass”, ressentindo-se de seu som altamente acessível e esperando retornar a algo mais cru com In Utero .
Embora o debate continue para sempre sobre qual álbum foi melhor, não há dúvidas de que In Utero é uma fera totalmente diferente. Não apenas por causa do som agitado, anti-acessível e caótico, mas também pelo conteúdo lírico. Temas relativos a doenças e enfermidades estão em todos os registros. Mas embora as letras pareçam ativamente impessoais, fragmentos da luta de Cobain aparecem. Esse é notavelmente o caso da abertura do álbum, “Serve the Servants”, onde Cobain aborda seu sucesso (“A angústia adolescente valeu a pena, agora estou entediado e velho”) e o relacionamento com seu pai (“Eu tentei muito ter um pai, mas em vez disso eu tive um pai”). Independentemente dos acontecimentos trágicos que aconteceram depois, o álbum é uma obra visceral e, por vezes, perturbadora. [5]
5 Mais perto do Joy Division
Lançado dois meses depois que o vocalista da banda, Ian Curtis, cometeu suicídio, Closer é outro álbum onde é muito fácil julgar eventos da vida real. Ainda assim, é difícil não ouvir Curtis neste disco e ouvir um homem lutando com seus demônios interiores.
De acordo com entrevistas, a maior parte da banda estava de bom humor durante a gravação de Closer , exceto Curtis, sofrendo de epilepsia e depressão e tendo um caso – ele estava em uma situação geralmente horrível. Isso parece óbvio em vocais como “Tenho vergonha das coisas pelas quais passei/Tenho vergonha da pessoa que sou”. Infelizmente, porém, seus companheiros de banda não perceberam como as coisas estavam ruins. Como disse Stephen Morris em uma entrevista de 2018: “Sinceramente, achei as letras de Ian realmente brilhantes, mas ele estava escrevendo sobre outra pessoa”. De qualquer forma, não há dúvidas de que Closer é uma das peças musicais com som mais sombrio já criada. [6]
4 Sujeira de Alice in Chains
Dirt é um daqueles álbuns que parece contraditório. Seus grandes riffs e refrões vibrantes fazem dele uma fatia de hard rock digna de um estádio. Enquanto isso, o conjunto vocal harmonioso e muitas vezes assustador de Jerry Cantrell e Layne Stacey, momentos de instrumentação abrasiva e temas líricos sombrios revelam uma fera mais sombria por baixo.
Na verdade, temas de auto-ódio, depressão e raiva desenfreada percorrem todo o álbum, todos sustentados pelo ataque implacável de guitarras e bateria. Em outro lugar, o letrista Cantrell evoca uma imagem da guerra do Vietnã através dos olhos de seu pai em “Rooster” e presta homenagem ao vocalista do Mother Love Bone, Andy Wood, no evocativo “Would?” [7]
3 OK Computador por Radiohead
O Radiohead construiu uma reputação com sucessos angustiantes, mas adequados para o rádio, com seus dois primeiros álbuns, Pablo Honey e >em>The Bends. Mas com OK Computer , o grupo começou a se deixar levar por suas inibições criativas, graças à gravadora que lhes deu luz verde para fazer o que bem entendessem. O resultado seria um som atmosférico, mas claustrofóbico, que evoca uma sensação orwelliana no ouvinte.
Os temas das letras do álbum variavam desde a pressa de sobreviver a um acidente de carro (“Airbag”) até uma doença mental grave (“Climbing up the Walls”). Mas um medo sublinhado da distopia digital permeia tudo, desde as declarações arrepiantes de uma voz robótica em “Fitter Happier” (“Calma, mais apta, mais saudável e mais produtiva”) até aos vocais de Thom Yorke que soam como apelos desesperados (“Sem alarmes e sem surpresas, por favor”). Graças aos avanços tecnológicos, o álbum só ficou mais assustador e vital com a idade, e a banda em si não olhou para trás, para seus dias alternativos desde então. [8]
2 A espiral descendente de Nine Inch Nails
Quando a faixa mais acessível de um disco é sobre o vício em heroína e automutilação e crescendos para um sugestivo final semelhante a um tiro (e o aparente primeiro single é intitulado “March of the Pigs”), você sabe que está ouvindo algo um pouco confuso. No entanto, aparentemente contra todas as probabilidades, The Downward Spiral provou ser um grande sucesso, alcançando o segundo lugar nas paradas da Billboard e consolidando Trent Reznor como uma força significativa no cenário musical.
O álbum foi fortemente influenciado por The Wall do Pink Floyd e Low de David Bowie , pegando as paisagens sonoras instrumentais e de sintetizador do último e o conceito abrangente de uma figura solitária e ferida do primeiro. Mas, é claro, Reznor também trouxe seu icônico som de rock industrial para o evento. O resultado é um som caótico, abrasivo e destrutivo que se recusa a ceder. Atormentado por problemas com drogas e problemas de relacionamento, Reznor comparou a experiência de fazer The Downward Spiral a “descer por um bueiro e puxar a tampa”. Quando você ouve o álbum, é difícil imaginar o contrário. [9]
1 A Bíblia Sagrada por Manic Street Preachers
Com temas líricos cobrindo assuntos como exploração (“Yes” e “Faster”), campos de concentração (“The Intense Humming of Evil”) e anorexia (“4st 7lb”), The Holy Bible de Manic Street Preachers é sem dúvida um dos as coisas mais corrompidas já gravadas. Até mesmo os samples deste álbum, que incluem trechos de uma adaptação de 1984 de Orwell (“Eu odeio a pureza. Odeio a bondade. Não quero que a virtude exista em lugar nenhum. Quero que todos sejam corruptos”) e o comovente documentário Caraline’s Story , parecem desanimados. . O fato de a própria música do disco parecer quase “punk-pop” às vezes só resulta em uma justaposição surpreendente.
Infelizmente, toda a tristeza foi muito real para o guitarrista Richey Edwards, que assumiu a maior parte das letras aqui. Sofrendo de depressão, abuso de álcool, automutilação e anorexia, Edwards desapareceria apenas cinco meses após o lançamento do álbum, com seu carro encontrado abandonado perto da ponte do rio Severn. Seu desaparecimento em 1005 permanece um mistério. [10]
