O gênero do filme experimental remonta até onde a história do cinema nos leva. Um dos primeiros filmes experimentais foi feito pelo assistente de Thomas Edison, William Dickson, no cinetoscópio chamado “Monkeyshines nº 1” por volta de 1889 ou 1890. Na verdade, você poderia dizer que todo o cinema mudo antigo era experimental, pois os cineastas estavam literalmente descobrindo como usar a câmera e a edição para contar uma história ou usá-la para expressar ou explorar artes visuais oníricas.
Do filme experimental surgiram muitas novas ramificações do gênero. Um dos mais proeminentes foi o avant-garde, que geralmente não tem um objetivo convencional e se concentra na exploração de questões inovadoras e criativas, como tempo, fantasia, sonhos ou percepção. O clássico do cinema mudo alemão, O Gabinete do Dr. Caligari é um dos primeiros exemplos mais famosos de sonhos ou percepção.
Hoje, o gênero deu origem a outras ramificações, como a poesia cinematográfica e o diário cinematográfico, semelhantes às obras do falecido grande Jonas Mekas. Até mesmo o documentário experimental existe há mais tempo do que os espectadores imaginam; os filmes sinfônicos da cidade são um dos primeiros exemplos ou, mais recentemente, “My Winnipeg”, de Guy Maddin.
Baseando-se na história do cinema experimental e em trabalhos mais recentes, aqui estão dez filmes experimentais que você deve assistir.
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10 “Um Filho Andileu” (1929)
Esta é a introdução de muitos estudantes de cinema ao filme experimental. O título francês se traduz como “Um Cachorro Andaluz” e não tem nada a ver com o filme em si. Elaborada por Luis Bunuel e Salvador Dali, esta jornada surrealista silenciosa usa a lógica dos sonhos para construir uma não-narrativa que é muito freudiana em seu design e pretende ser chocante.
O conceito do filme é na verdade uma mistura de dois sonhos que ambos os criadores tiveram: a mão de Dali coberta de formigas e Bunuel cortando um olho com uma lâmina. Quando assistido, o filme provoca desconforto porque você está tentando dar sentido a um sonho e não consegue. Nossos cérebros tentam encontrar algo identificável no filme e às vezes não conseguem. Quando sentimos algum tipo de conexão, é uma interpretação completamente diferente, que era o que os cineastas queriam. Eles queriam deixar você pensando e tentando entender isso. Eles sabem que você não pode ser exatamente como uma obra de arte surreal; está sempre em debate sem qualquer solução verdadeira.
É isso que torna “Un Chien Andileu” imperdível para qualquer pessoa interessada em cinema experimental. [1]
9 “A Vida e a Morte de 9413: Um Extra de Hollywood” (1928)
Este filme é uma joia escondida do cinema mudo. O filme foi feito por US$ 97 em 1928 e, no cinema de vanguarda americano, é considerado um dos primeiros pilares do gênero.
É centrado em um ator que segue para Hollywood na esperança de fazer sucesso, apenas para ser desumanizado pelos estúdios, conseguindo o papel de um simples figurante. Eles até escrevem 9.413 em sua cabeça, tornando-o apenas um número em seu sistema.
O que torna o filme tão único é como eles gastaram seu orçamento com falta de recursos e deram visualmente a Hollywood esse vazio surreal, algo que as pessoas de fora não tinham visto antes retratado. O uso de iluminação expressionista alemã, sobreposição, formas retorcidas e ângulos desorientadores realmente tornam o filme memorável, pois mostra visualmente a queda do ator na loucura e na morte causada pelo humilhante lado negro de Hollywood. [2]
8 “Manhata” (1921)
Este filme é considerado por muitos o verdadeiro primeiro filme de vanguarda americano. “Manhatta” foi uma colaboração entre o pintor Charles Sheeler e o fotógrafo Paul Strand. O documentário não narrativo é um poema visual que simplesmente explora duas coisas. Primeiro, proporcionou uma visão abstrata da cidade através de composições visuais cuidadosamente elaboradas. A segunda é como a câmera é usada. Isso é feito experimentando fotografia, filme, movimento minimalista de câmera e movimento incidental em cada quadro do filme, explorando suas relações entre si.
Por ser um filme da era muda, usa intertítulos, mas, ao contrário da maioria dos filmes, usa um poema de Walt Whitman em vez de diálogos ou explicações de cenas. [3]
7 “De Longe” (2020)
Um curta-metragem absolutamente lindo que levará apenas dois minutos do seu tempo. Isso faz parte do gênero de poesia cinematográfica que mencionei anteriormente. Sua simplicidade e uso de edição tornam-no uma experiência duradoura.
Muito parecido com “A Vida e a Morte de 9413: Um Extra de Hollywood”, o cineasta e poeta Andrei Purcarea usa o que tem a seu favor para impulsionar visualmente o poema. Muitas das cenas não têm nada a ver com o que está sendo dito exatamente quando você assiste, mas, ao mesmo tempo, você tem essa sensação de compreensão.
Porém, diferentemente de “A Vida e a Morte de 9413”, este filme não possui cortes rápidos ou sobreposições. Na verdade, a edição e o ritmo são mais parecidos com “Manhatta”, contando-nos visualmente uma história para acompanhar o poema. Todo esse filme é realmente sobre um navio ou é mais sobre algo na vida que representa um navio que perdemos e não podemos mais ver? O que os personagens perderam? De quem eles sentiram falta? O uso da solitária cadeira vermelha e do espelho nesta praia voltada para o mar…muito existencial. Muito experimental. Muito comovente. [4]
6 “Catarse” (2018)
Este curta-metragem usa lindamente o estilo experimental para invocar emoções à medida que viajamos pela mente do sujeito. É um lembrete surreal de que podemos não saber o que alguém está passando, mesmo que pareça calmo por fora. Este filme de Naleeka Dennis segue Marsha enquanto ela luta para lidar com a perda de seu amado ao tentar viver em um mundo de fantasia. Mas ela deve eventualmente lidar com sua dor.
A cena final atinge especialmente esta casa, já que o mundo parece muito estranho ao seu redor agora. Foi a mesma coisa antes de mergulharmos em sua mente, mas saber com o que ela está lidando realmente muda sua perspectiva. [5]
5 “Até que não houvesse nada” (2020)
Este maravilhoso curta foi lançado no ano passado e realmente assume uma premissa fantástica: estar na Terra em seus momentos finais ao entrar em um buraco negro. Criadas por Paul Trillo, as imagens a princípio parecem bonitas, mas mudam repentinamente à medida que se estendem em direção ao céu. Embora possa parecer um filme sombrio no início, Trillo observa: “Algum dia isso vai passar e não sobrará nada… Isso não é algo a temer ‘porque viemos do nada’, como diz Alan Watts… e do nada surge algo novo .”
Os visuais surreais causados por intensas forças gravitacionais com o uso do filósofo Alan Watt falando sobre o significado do nada realmente dão ao filme uma sensação muito mais profunda. [6]
4 “Estelar” (1993)
Stan Brakhage é a mistura perfeita de artista e cineasta. Com 380 filmes em seu currículo, é difícil escolher qual escolher. O trabalho de Brakhage é único e pode ser melhor descrito como pinturas ao vivo. O que significa que ele pintaria, riscaria ou faria algo em cada quadro e depois o projetaria. Os resultados foram realmente alucinantes. “Stellar” se destaca para mim porque parece algo que poderia ter sido usado nos primeiros filmes de ficção científica como 2001: Uma Odisseia no Espaço ou programas de TV como o Star Trek original .
Os últimos quadros são particularmente surpreendentes, pois uma imagem estranha aparece entre as imagens estreladas. Como toda arte, “Estelar” é tudo o que você percebe que seja. Para mim, é uma viagem pelo espaço e pelo nascimento dos universos, com a primeira criatura do universo surgindo no final. Veja como você interpreta isso. [7]
3 “Prefeito da Noite” (2009)
Uma jóia fantástica de filme. Os visuais de Guy Maddin remetem aos primeiros filmes mudos, ao mesmo tempo que dão um toque de modernidade ao filmar em formatos mais recentes que incluem até VHS. No entanto, é o uso da iluminação, dos truques da velha escola e da edição que realmente ajuda a dar a este filme seu aspecto surreal. Como se estivéssemos assistindo a um sonho.
“Night Mayor” é uma viagem visual à mente de um imigrante bósnio, Nihad Ademi, que pensa ter descoberto uma forma de aproveitar o poder da Aurora Boreal para transmitir imagens de costa a costa. [8]
Um curta-metragem absolutamente imperdível!
2 “A luz está chamando” (2004)
Bill Morrison é um cineasta incrível. Ele é o único que ajuda a trazer filmes esquecidos ou quase decadentes de volta à vida como cinema experimental. Eu sugiro fortemente seus filmes Decasia (2002) e Dawson City: Frozen Time (2016).
“Light Is Calling” é um curta que ele fez em 2004, no qual pega um filme de nitrato em decomposição de 1926 intitulado “The Bells” e lhe dá uma nova vida.
Depois de ter o filme reimpresso opticamente, ele é editado em um novo formato para acompanhar uma composição de 7 minutos de Michael Gordon. A IMDb descreve o filme melhor como uma “meditação sobre a natureza fugaz da vida e do amor, vista através da emulsão turbulenta do filme”. [9]
Um magnífico sonho decadente.
1 “Malhas da Tarde” (1943)
Maya Deren era um pau para toda obra. Ela foi dançarina, coreógrafa, teórica de cinema, poetisa, fotógrafa, promotora de vanguarda e cineasta experimental.
Deren acreditava que o filme deveria ser uma experiência. “Meshes of the Afternoon” é definitivamente isso – e uma peça experimental muito importante. O filme é considerado um dos filmes experimentais mais influentes da história do cinema americano.
O filme é essencialmente um sonho. Usando uma lógica onírica para criar uma experiência única para o espectador, segue uma personagem feminina que adormece ao voltar para casa. Seus sonhos vívidos nos atraem enquanto seus desejos internos mais sombrios se manifestam diante de nossos olhos. Na verdade, é difícil distinguir a realidade do sonho, mas esse é o ponto. Ela envolve você mentalmente. [10]
Uma peça muito influente para muitos cineastas, incluindo as obras de David Lynch.
