A música é uma linguagem universal que pode provocar inúmeras emoções fortes no ouvinte. Como qualquer forma de arte, está sempre sujeita a interpretação. Em certos casos, um olhar mais atento à sua música favorita pode revelar o que inúmeras audições casuais ao longo dos anos não conseguiram expor. Às vezes, essas profundezas ocultas são decididamente assustadoras.
Abrangendo uma ampla gama de tópicos enervantes e apresentando referências sutis e abertas, algumas das músicas mais conhecidas de todos os tempos podem ser sobre mais do que você imagina à primeira vista. Seja através de letras enganosamente perturbadoras, acompanhamentos musicais que evocam emoções ou uma combinação inteligente de ambos, essas 10 canções conhecidas contêm profundidades sombrias que você provavelmente não percebeu.
As 10 melhores músicas com histórias sombrias
10 “No ar esta noite”
Phil Collins
“In the Air Tonight”, o hit monstruoso do álbum Face Value de Phil Collins, de 1981 , é sem dúvida uma obra-prima musical que definiu uma geração inteira. Qualquer pessoa familiarizada com o número, entretanto, deve ter notado que ele tem um tom distintamente sombrio, tanto musicalmente quanto liricamente.
As letras estão abertas à interpretação. Mas após uma inspeção mais detalhada, fica claro que a música é sobre alguém que uma vez cometeu algum ato indizível e indescritível que foi testemunhado sem saber pelo cantor na época.
Durante a música, Phil supostamente está se dirigindo a esse indivíduo, revelando o que sabe sobre ele e se preparando para algum ato de retribuição há muito esperado. Isso é evidenciado pelo refrão: “Tenho esperado por esse momento durante toda a minha vida”. [1]
A música em si contribui para a sensação tensa e atmosférica da música, conforme descrito no título. Tendo usado o mínimo de percussão, a bateria explosiva introduzida após o segundo verso leva a tensão crescente a um clímax dramático. A letra vaga e um tanto sinistra e o clímax obscuro contribuem para a sensação geral assustadora da música.
9 “Hotel Califórnia”
As Águias
“Hotel California”, a faixa-título do quinto álbum dos Eagles, é um tour de force musical com estilos contrastantes, o melhor solo de guitarra de todos os tempos e, sim, letras um tanto assustadoras.
Em entrevistas subsequentes, a banda procurou acabar com as especulações selvagens sobre o conteúdo lírico de seu maior sucesso, alegando que se tratava da vida hedonista de excessos que viviam na época. Muitos acreditam, porém, que a verdade é um pouco mais sombria.
A música fala sobre um viajante no deserto da Califórnia que se depara com um hotel incomum. Suas estranhas experiências parecem provavelmente ser sobre a adoração do diabo.
Sentindo-se incapaz de abordar o assunto de frente, a banda supostamente fez a música como uma alusão metafórica ao satanismo com muitas pistas para quem quiser olhar. Diz-se que a capa do álbum retrata Anton LaVey, que fundou a Igreja de Satanás na Califórnia na década de 1960. (Algumas pessoas acreditam erroneamente que a Igreja de Satanás foi fundada em 1969, exatamente o ano mencionado na música, mas na verdade foi lançada em 1966.)
Os viajantes comentam ao chegar ao hotel que “isto pode ser o paraíso ou isto pode ser o inferno”. Uma referência posterior a esfaquear, mas ser incapaz de matar “a besta”, fornece mais pistas. O verso final da música, “você pode conferir quando quiser, mas nunca pode sair”, pode ser interpretado como uma descrição do ato irrevogável de vender a alma ao diabo. [2]
8 “Jeremy”
Pearl Jam
“Jeremy”, uma música clássica do Pearl Jam, trata de um jovem problemático que sofre bullying na escola e é emocionalmente negligenciado pelos pais em casa. O vocalista Eddie Vedder diz que a música foi inspirada na história real de Jeremy Delle, de 16 anos. Em 1991, ele cometeu suicídio na frente de sua turma e de seu professor no Texas. Depois de ler a história em um jornal, Vedder ficou tão comovido com o relato que começou a escrever uma música sobre o assunto.
O que torna “Jeremy” particularmente arrepiante, entretanto, não é apenas a história que a inspirou, mas a forma como a música se desenrola. A maior parte da música parece ser principalmente da perspectiva de um aluno que intimidou o menino e da culpa que o agressor sente por ter desempenhado um papel nos eventos que se seguiriam, enquanto ele “[tenta] esquecer isso”.
O refrão, “Jeremy falou na aula hoje”, pode ser visto como uma metáfora para o suicídio do menino. Ele falou no sentido de que finalmente fez uma declaração drástica e suas ações expressaram sentimentos que ele não conseguia expressar em palavras. Embora a música não se refira ao suicídio em si, conhecer a história por trás da letra a torna decididamente arrepiante. [3]
7 “Paint It Black”
dos Rolling Stones
“Paint It Black”, uma das primeiras obras-primas dos Stones, é um exemplo clássico de variações de estilo dentro de uma única peça musical. As partes lentas, sinceras e movidas pela cítara são intercaladas com interjeições cativantes e otimistas, todas sobrepostas pelos vocais emocionantes de Mick Jagger. Mais do que apenas uma melodia contagiante, porém, a letra da música fornece uma representação vívida da depressão e da visão de mundo incolor que a acompanha.
Pode-se argumentar, porém, que a cor preta é mais comumente associada ao mal do que à depressão e que a música descreve com mais precisão o mal inato que existe dentro de todos nós. “Vejo as meninas passando vestidas com suas roupas de verão, tenho que virar a cabeça até que minha escuridão desapareça” é uma frase que dá credibilidade a essa noção. [4]
Os usos associados de “Paint It Black” no cinema apoiam ainda mais este ponto de vista. A famosa música toca nos créditos finais de O Advogado do Diabo , após a reviravolta final do filme revelar o triunfo final do mal. Uma versão instrumental também aparece na 1ª temporada da série de TV Westworld , onde fornece música de fundo para um tiroteio particularmente horrível e violento.
6 “Ei Joe”
Jimi Hendrix
“Hey Joe”, a música que lançou a incrível carreira de Jimi Hendrix, é um clássico de todos os tempos. No entanto, o tema da música é surpreendentemente perturbador. O conteúdo da letra trata de um homem que descobre a infidelidade de sua esposa e decide matá-la. Mais tarde, ouvimos o relato do tiroteio. A música termina com o aparente plano do homem de fugir para o México para fugir das autoridades. [5]
O que torna a música ainda mais assustadora é o caráter casual com que todo o assunto é abordado, como se fosse uma conversa amigável entre amigos. A música começa com o cantor perguntando: “Ei Joe, aonde você vai com essa arma na mão?” O homem a quem se dirige revela suas intenções assassinas em uma resposta bastante improvisada.
Mais tarde, Joe faz um relato direto do assassinato, dizendo: “Sim, eu atirei nela”. Isso demonstra uma aparente falta de remorso e orgulho macabro por seu feito.
Além disso, a música mantém uma sensação geral otimista e positiva que contrasta fortemente com o negócio do assassinato premeditado. Talvez a música sugira que tais coisas são necessárias de vez em quando e são até motivo de comemoração.
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5 “Não pague ao barqueiro”
Chris de Burgh
“Don’t Pay the Ferryman”, o single de sucesso de Chris de Burgh em 1982, não parece uma música que contenha qualquer conteúdo assustador quando ouvida casualmente. A história ali contada diz respeito a um indivíduo que deseja atravessar um rio. Ele é avisado para não pagar ao operador da balsa até que o serviço seja executado e ele seja entregue em segurança ao outro lado.
A natureza mais sombria dessa música decorre do fato de que o barqueiro mencionado é provavelmente uma referência a Caronte, a figura encapuzada que transporta os mortos através do rio Estige, que divide Hades da Terra na mitologia grega. A punição por recusar a Caronte a moeda de ouro exigida como pagamento é ter o acesso negado ao submundo e ser forçado a permanecer para sempre um fantasma. [6]
Múltiplas referências líricas ao longo da música apoiam esta noção, o que significa que a perspectiva retratada é a de uma pessoa morta condenada a uma eternidade no Inferno. Ele é avisado de que não pode deixar Caronte enganá-lo na barganha, para que não sofra as consequências. Um ponto de vista inegavelmente assustador.
4 “(Não tema) The Reaper”
Blue Oyster Cult
“(Don’t Fear) The Reaper”, o famoso single de sucesso do Blue Oyster Cult, trata da questão da morte. Como tal, passou a aparecer com destaque em muitos filmes e livros de terror. Embora muitos acreditem que a música trata da inevitabilidade da morte e de como ela não deve ser temida, a letra pode ser interpretada como uma promoção do suicídio.
Os versos “Romeu e Julieta estão juntos na eternidade. . . podemos ser como eles” parecem sugerir que a morte prematura é um meio de fugir da dura realidade da vida e de nos reunirmos para sempre com os entes queridos. Afinal, o famoso jovem casal de Shakespeare cometeu suicídio juntos.
Além dos dois primeiros versos, tocados em lá menor, a música dá uma guinada dramática para um solo de guitarra assustadoramente lamentoso. Isso parece representar o próprio ceifador e contrasta fortemente com as letras supostamente otimistas expressas anteriormente.
Curiosamente, quando a música volta ao estilo presente na primeira parte da música para o verso final, um distinto gemido do solo ainda pode ser ouvido ao fundo, uma possível sugestão de que a ameaça de morte perdura sempre. [7]
3 “Under The Bridge”
Red Hot Chili Peppers
“Under the Bridge” foi o primeiro hit mainstream do Red Hot Chili Peppers e possivelmente a melhor música de todos os tempos. Um afastamento completo do conhecido som funk animado da banda, esta música é uma balada lenta e triste, aprimorada ainda mais pelo estilo único de guitarra de John Frusciante.
Inspirada em um poema que o vocalista Anthony Kiedis compôs enquanto dirigia um dia, a música transmite seus crescentes sentimentos de solidão e isolamento da banda. Também serve como uma reflexão comovente sobre a vida do ex-guitarrista do Peppers, Hillel Slovak, que faleceu em 1988. [8]
O que torna essa música particularmente arrepiante, porém, é a última parte que menciona a ponte sob a qual Kiedis usava drogas com frequência. Considerando que ele estava viciado no momento em que este artigo foi escrito e que a morte de Eslovaco foi resultado de uma overdose de drogas, a letra “debaixo da ponte no centro da cidade, eu dei minha vida” torna-se uma descrição assustadoramente precisa do autodestrutivo pesadelo do vício em drogas do qual muitas vezes parece que não há escapatória.
2 “Fade to Black”
do Metallica
“Fade to Black”, outra balada um tanto fora do personagem em comparação com as ofertas anteriores da banda na época, é uma das canções mais conhecidas do Metallica. Na verdade, é um marco em seus shows ao vivo até hoje.
A letra foi escrita por James Hetfield depois que seu amplificador de guitarra favorito foi roubado em 1984. Lidando com a dor da perda e a depressão que a acompanha, a música parece ser sobre alguém cuja agonia convida à contemplação suicida. [9]
Pesada em sentimentos poéticos e deprimentes como “o vazio está me enchendo ao ponto da agonia”, a letra misteriosa termina com o aparente suicídio do cantor enquanto ele diz: “A morte me cumprimenta calorosamente, agora vou apenas dizer adeus”.
Os suaves versos acústicos são separados por um interlúdio musical cheio de riffs de guitarra carregados de acordes pesados do Metallica, um aparente contraste entre a miséria inconsolável do cantor nos versos e sua raiva inexprimível por sua situação desesperadora.
1
Bonecos Goo Goo “Iris”
Escrita para o filme Cidade dos Anjos de 1998 , estrelado por Nicolas Cage, esta canção lindamente trágica parece ser sobre um amor não correspondido. Embora aberta à interpretação, a letra pode transmitir um sentimento um pouco mais sombrio.
“Iris” é da perspectiva de um indivíduo profundamente apaixonado por alguém completamente inconsciente de sua existência. A descrição fornecida pode ser considerada a de um perseguidor obsessivo. Além disso, a frase “você sangra só para saber que está vivo” indica que esse suposto perseguidor talvez não seja totalmente estável mentalmente. [10]
O fato de que a banda quase certamente não pretendia que sua música carregasse tons tão sombrios é interessante por si só. Isso apenas mostra que a linha entre o amor e a obsessão pode facilmente ficar confusa e muitas vezes é simplesmente uma questão de perspectiva.
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