Com o recente lançamento de Get Back , o exame minucioso de Peter Jackson sobre os Beatles em tempos difíceis, o interesse pela famosa banda aumentou. Mais interessante do que o trabalho conjunto foi a música que o quarteto gravou individualmente na década de 1970. Esta lista oferece uma seleção organizada.
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10 McCartney (1970)
Embora a separação tenha sido dolorosa para todos os membros, parece que Paul McCartney foi o que mais sofreu e passou grande parte de 1970 cuidando de suas feridas bebendo – excessivamente. Na verdade, foi apenas através do incentivo da sua esposa Linda que o baixista encontrou a espontaneidade necessária para gravar o seu álbum de estreia: um esforço lo-fi que viu o homem gravar todos os instrumentos sozinho. Não é polido nem focado, mas é isso que aumenta o charme do esforço, ao detalhar a felicidade recém-descoberta que a paternidade lhe ofereceu. “The Lovely Linda” demonstra a devoção do compositor à sua esposa, enquanto as músicas acústicas “Every Night” e “Junk” destacam os pequenos nadas que compensaram a perda da banda.
Entre os instrumentais e as elegias oníricas está “Maybe I’m Amazed”, uma balada de piano que aparentemente continua a narrativa dos épicos dos Beatles “Hey Jude” e “Let It Be”. Canalizando a decepção da separação para algo muito mais grandioso e adulto, a música mostra um homem enfrentando a idade adulta e todas as provações que a acompanham. Desde 1970, os robustos Rod Stewart e Billy Joel cobriram o número. [1]
9 Beaucoup do Blues (1970)
O baterista Ringo Starr foi amplamente considerado o menos provável dos quatro de ter sucesso como artista solo, e Sentimental Journey – supostamente gravado para agradar sua mãe – pouco fez para dissipar os rumores. Mais felizmente, Starr lançou outro álbum naquele ano, voltado especificamente para sua voz distinta. Tendo conquistado um nicho para si mesmo como cantor country, Starr voou para Nashville para absorver as influências, fazendo a curadoria de um álbum que é reverente e verdadeiro ao gênero que lhe deu tanto prazer quando criança.
Sob o olhar atento de Pete Drake, Starr completou um LP de quatorze faixas, embora duas delas tenham permanecido inéditas até os anos noventa. A faixa-título continua sendo a cantiga mais lembrada do álbum. Mas há mais no disco, não menos importante, a dolorosamente romântica “I Wouldn’t Have You Any Other Way”, enquanto “Loser’s Lounge” demonstra uma das performances vocais mais vulneráveis do baterista. No geral, Starr provou ser um cantor competente, provando que o material combinava com sua voz. E envolvido no coração do gênero country, ele encontrou sua voz, e muito mais. [2]
8 Todas as coisas devem passar (1970)
Subestimado por seus colegas de banda e pelo empresário e produtor George Martin, George Harrison, no entanto, tinha um catálogo robusto de músicas que ele sabia que os Beatles nunca conseguiriam gravar. Apropriadamente, seu álbum de estreia acabou sendo um disco triplo, embora o terceiro vinil – completo com instrumentais de guitarra vigorosos, embora prolongados – possa ser uma coisa boa demais para ouvintes casuais.
E, no entanto, os dois primeiros discos mostram um poeta que anseia por solidão, consolo e sinceridade no mundo em que habita. “Wah Wah”, escrita durante as sessões de Get Back , contém seu arpejo de guitarra mais feroz, o que não quer dizer que o resto seja agradável. “Awaiting on You All” alerta os ouvintes sobre os males do Papa, e “Hear Me Lord” demonstra um pecador indigno da absolvição de seu Deus. E depois há a superlativa faixa-título, mostrando uma maturidade que ele nunca teria desenhado, se não fosse pelas muitas viagens pessoais que fez à Índia nos anos 60.
“Fui ao George’s Friar Park”, lembrou o produtor Phil Spector, “e ele disse: ‘Tenho algumas cantigas para você ouvir’. Foi interminável! Ele tinha literalmente centenas de músicas, e cada uma era melhor que as outras. Ele teve toda essa emoção acumulada quando foi liberado para mim.” [3]
7 Banda Ono de Plástico (1970)
George Harrison não foi o único Beatle repleto de ambições não realizadas. John Lennon, cheio de raiva desde sua infância problemática, finalmente conseguiu gravar muitos de seus sentimentos em fita, muitos deles investigando a morte de sua mãe (“Mãe”) ou as falhas em sua educação (“Bem, Bem, Bem ” e “Herói da classe trabalhadora”). “Acho que é realista e verdadeiro para mim o que vem se desenvolvendo ao longo dos anos desde ‘In My Life’, ‘I’m a Loser’, ‘Help!’, ‘Strawberry Fields’”, disse Lennon à Rolling Stone . “São todos registros pessoais.”
Ajudá-lo nesta busca foi Yoko Ono, a artista de vanguarda que sentiu que a única maneira de tornar a arte significativa era torná-la verdadeira. Como se reconhecesse a ambição, Lennon optou por não contratar outro guitarrista e tocou ele mesmo todos os solos. Mas atrás dele estava Ringo Starr, o único ex-Beatle em quem ele ainda podia contar para apoio. [4]
6 Imagine (1971)
Tendo jogado grande parte de sua raiva no disco listado anteriormente, Lennon seguiu com Imagine , seu álbum mais popular e o último que produziu na Inglaterra. Na verdade, é um disco que soa muito “inglês”, e até mesmo os roqueiros de Nashville “Crippled Inside” e “I Don’t Wanna Be a Soldier” têm uma sensação paroquial que só poderia ter resultado de observar o mau tempo cair fora de sua casa. .
Há destaques: “Oh Yoko!” exibe seu êxtase com um casamento triunfante, e “Oh My Love” continua a metáfora. Ao mesmo tempo, “Jealous Guy” sugeriu que estava determinado a finalmente fazer as pazes com seu ex-parceiro de composição. Paul McCartney reconheceu o simbolismo, e os dois concordaram galantemente em não criticar um ao outro tão venenosamente como fizeram naquele momento. [5]
5 Ringo (1973)
Parece estranho agora, mas Ringo Starr teve maior sucesso nas paradas do que seus companheiros de banda. “It Don’t Come Easy” foi um sucesso monstruoso em 1973, assim como “Back Off Boogaloo”, um número de rock pesado que pode ter sido influenciado por Paul McCartney. E quando se tratava de suas relações com os outros membros dos Beatles, Starr podia afirmar com orgulho que cada um deles o tinha em alta estima.
Então aconteceu que ele pediu a seus três ex-companheiros de banda que contribuíssem com faixas para seu último disco. McCartney criou “Six O’Clock”, um número pop alegre que soava como um desdobramento dos Wings, enquanto Lennon cantou “I’m the Greatest”, um número estrondoso, embelezado pela guitarra ardente de Harrison. “Eu não poderia cantá-la”, refletiu Lennon, “mas foi perfeita para Ringo. Ele poderia dizer: ‘Eu sou o maior’ e as pessoas não ficariam chateadas. Ao passo que se eu dissesse ‘Eu sou o maior’, todos levariam isso muito a sério.”(Link 6)
O melhor de tudo é que o álbum contou com a co-autoria de Harrison-Starr, “Photograph”, cumprindo uma ambição há muito perdida que a dupla discutia há muito tempo. [6]
4 Banda em Fuga (1973)
Da grande tragédia surgiu uma música tremenda e, como diz McCartney na série de Peter Jackson, seu melhor trabalho veio quando ele estava contra a parede. Compensando dois membros da banda (Henry McCullough saiu do Wings, seguido pelo baterista Denny Seiwell), McCartney acabou gravando muitos dos instrumentos que compunham o mosaico sonoro de Band on the Run . Esta situação não foi ajudada pelo fato de ele ter perdido uma fita de demos quando foi assaltado com uma faca em Lagos, tornando o álbum muito mais difícil de ser concluído.
E ainda assim o material valeu a pena, culminando em uma seleção poderosa de faixas pop. “Jet” continua sendo a favorita do baixista ao vivo, e ele é conhecido por mudar para a guitarra sempre que toca “Let Me Roll It”. Mas para este escritor, é o estrondoso “1985” que continua sendo o verdadeiro destaque, revelando um lick de piano que eclipsa o de “Maybe I’m Amazed”.
“É uma coleção de músicas, e a ideia básica sobre a banda em fuga é uma espécie de fuga da prisão”, ele supôs. “No início do álbum, o cara fica preso entre quatro paredes e sai correndo. Existe um fio condutor, mas não um conceito.” [7]
3 Paredes e Pontes (1974)
McCartney estava desfrutando de um segundo fôlego criativo, mas Lennon estava protelando. Os esforços recentes em Sometime In New York City e Mind Games decepcionaram os críticos, enquanto sua separação de Yoko Ono sugeria que sua vida pessoal estava interrompendo seu processo de escrita. Mas, tal como fez em 1970, ele transformou a sua miséria pessoal em grande arte, e Walls and Bridges permanece como o último dos álbuns essenciais de John Lennon. Ele lançou um álbum cover e uma colaboração com Ono antes de ser impiedosamente abatido em 1980.
“Going Down On Love” continha uma dolorosa coda intermediária (“Alguém pode me ajudar?”), e “Steel and Glass” ofereceu momentos de reflexão horrível. E então houve “Nobody Loves You (When You’re Down and Out), uma balada folk que se mantém tão bem por seu vocal animado quanto pelos metais agressivos. Em notícias mais felizes, “#9 Dream” mantém o Beatle refletindo sobre as muitas glórias de sua vida – até mesmo oferecendo à namorada May Pang uma harmonia vocal – e Elton John aparece para fazer um vocal de apoio para a alegre “Whatever Gets You Thru the Noite.” [8]
2 Vênus e Marte (1975)
Wings finalmente alcançou o ouro com seu quarto álbum, e o fundador Paul McCartney finalmente ficou feliz em permitir que seus colegas de banda se envolvessem no processo de composição. O guitarrista Denny Laine canta “Spirits of Ancient Egypt”, e Jimmy McCulloch – o famoso músico escocês promovido a membro da banda – contribui com “Medicine Jar”, um número explosivo que detalha sua propensão para beber muito e devassidão.
Linda McCartney se destaca como cantora, especialmente na cintilante “Love In Song”, que apresenta uma de suas performances em falsete mais complexas. E depois há “Rock Show”, uma abertura contundente que presta homenagem ao Led Zeppelin, a banda que carregou a chama dos Beatles até os anos setenta. Outros destaques são o blues “Call Me Back Again” e o doo-wop dos anos 1920 “You Gave Me The Answer”.
O álbum, nominalmente considerado o melhor dos Wings depois de Band On The Run, mostrou aos críticos que McCartney poderia trabalhar com membros da banda cujos nomes não eram Lennon, Harrison ou Starr. Não que houvesse qualquer chance de os Beatles voltarem a ficar juntos, já que Lennon anunciou sua intenção de se aposentar em 1976. [9]
1 George Harrison (1979)
Após uma turnê traumática em 1974, o guitarrista dos Beatles passou grande parte dos anos 70 isolado em Friars Park, sua mansão vitoriana. Mas otimista como sempre, ele lutou contra os dias difíceis para gravar o animado álbum de George Harrison, rendendo-lhe suas notas mais positivas desde 1970.
Tendo sido pai pela primeira vez em 1978, Harrison estava gostando do processo de testemunhar o mundo da perspectiva de outra pessoa. A alegria explode em “Blow Away”, uma música pop caleidoscópica que contém uma das linhas de guitarra mais apaixonadas de Harrison. Enquanto isso, “Sweet Dark Lady” foi escrita para a mãe de Dhani, Olivia, chamando a atenção para sua herança e talento como esposa. Enquanto isso, “Faster” prestou homenagem aos pilotos de Fórmula 1 que Harrison admirava e fazia amizade. Sinalizando uma mudança no som, George Harrison provou o modelo para sua produção de 1980, um corpo de trabalho onde “Your Love Is Forever” e “Here Comes The Moon” poderiam ficar felizes entre si.
“Acho que o que aconteceu entre este álbum e o último é que tudo está acontecendo bem para mim”, admitiu. “Minha vida está melhorando o tempo todo, estou feliz e acho que isso se reflete na música.” [10]
