Um concerto para piano é uma composição em que um piano solo (ou cravo) é acompanhado por um grande conjunto de outros instrumentos (geralmente uma orquestra completa, mas nem sempre). Esta lista apresenta 10 dos maiores (com uma entrada de bônus adicional do JFrater). Os critérios de inclusão e classificação das inscrições são talento musical, talento técnico, poder pianístico, equilíbrio entre piano e orquestra e influência histórica.
Possivelmente a peça mais famosa de Rachmaninoff, junto com seu Prelúdio em dó menor (que ele realmente se cansou de apresentar em público). Rachmaninoff é um dos poucos compositores clássicos da história que representou uma verdadeira ameaça tripla: compositor, intérprete e maestro de classe mundial. Assim, quando se tratava de compor para seu próprio instrumento, ele não fazia rodeios. Ele sabia o que um pianista com formação clássica deveria ser capaz de fazer, e com mãos gigantescas que podiam esticar uma décima terceira no teclado (a mão de um homem comum mal consegue uma décima), ele incorporou muitos acordes igualmente gigantescos em sua música. Este concerto começa com uma melodia envolvente, muito atmosférica, quase como um canto fúnebre. Como é típico de suas obras, o último movimento termina com um momento de euforia pulsante.
Esses acordes de 10 dedos são um dos principais cartões de visita de sua música, uma das razões pelas quais você pode reconhecer sua música depois de apenas alguns compassos. O seu 2º concerto foi a sua primeira obra de destaque em muito tempo, depois de uma série de esforços medíocres, e essa mediocridade o levava à depressão porque sabia que era muito melhor do que os críticos o faziam acreditar. Eles criticaram seu primeiro concerto. Sua 1ª sinfonia foi ridicularizada por Cesar Cui, dos “Big Five” russos, que afirmou que ela só poderia ser apreciada por músicos terríveis que morreram e foram para o Inferno, onde teriam que ouvi-la para sempre.
Rachmaninoff era sensível às críticas, e tais comentários, ecoados por Leo Tolstoy (que também considerava Beethoven horrível), juntamente com o suicídio repentino do mentor e amigo de Rachmaninoff, Tchaikovsky, levaram-no a 3 anos de depressão clínica e bloqueio de escritor. Ele finalmente superou isso com a ajuda de Nicolai Dahl, que o hipnotizou e repetiu sem parar: “Você é um grande compositor. Você comporá ótimas músicas.
Não é uma trapaça incluir este, pois embora Bach o tenha escrito para cravo (porque o piano só havia sido inventado recentemente e ainda não era um instrumento muito bom), hoje é tocado pelo menos com a mesma frequência no piano. . Esse é um dos aspectos mais surpreendentes da música de Bach, e um brilho que nenhum outro compositor pode reivindicar: sua música pode ser tocada com a mesma eficácia em qualquer combinação de instrumentos; nenhuma musicalidade se perde; esta é, portanto, a música mais pura que alguém já escreveu, e se a qualidade percussiva do piano não fosse levada em conta, esta estaria no topo da lista.
Bach originalmente a compôs para violino solo e mais tarde a refez para teclado. Como é típico de sua música, ela é extremamente complexa, com harmonia polifônica do mais alto nível e severas demandas técnicas, que Bach poderia executar com arte refinada. Também merece um lugar na lista porque é o primeiro concerto verdadeiramente solo, pelo menos no espírito de o solista ser capaz de se exibir.
Este tem a distinção de ter sido tocado pela primeira vez pelo próprio Franz Liszt. Não em público, mas quando Grieg o trouxe para aprovação. Liszt e ele se conheceram em 1870 em Roma, e Liszt pediu-lhe para tocá-la, mas Grieg disse que ainda não havia praticado, então Liszt leu tudo à primeira vista, até tocando as partes orquestrais.
Liszt imediatamente o elogiou muito, especialmente pelo sol sustenido na escala final no final do primeiro movimento. É um dos concertos mais populares da atualidade, sendo bastante fácil de executar em comparação com os outros desta lista, e no relativo menor de dó maior. Esta tecla permite que a música faça excelente uso da nota mais baixa do piano. O segundo movimento é um dos mais belos já escritos e uma peça da qual Grieg ficou particularmente orgulhoso. Sua intenção era lembrar ao ouvinte uma cachoeira verdejante.
Ainda hoje, existem alguns críticos e musicólogos, bem como intérpretes, que consideram este o melhor concerto de Beethoven. Este ouvinte não está tão convencido, mas o que Beethoven faz brilhantemente neste é um equilíbrio imaculado de melodia, desenvolvimento, técnica, musicalidade e equilíbrio entre solista e orquestra.
Beethoven é conhecido por temas curtos, semelhantes a motivos, que ele poderia desenvolver na forma mais elevada de música melhor do que qualquer um. Ele fez muito com pouco. Mas de vez em quando, como acontece com sua “Ode à Alegria”, ele conseguia inventar uma melodia tão lírica quanto as de Mozart. O mesmo se aplica a este concerto, mas o desenvolvimento adequado de tais melodias líricas é extremamente difícil para os compositores reunirem, como a história da música confirma. Mozart era da opinião de que se você consegue compor uma boa melodia, a parte difícil já passou. Sempre que uma excelente melodia e um excelente desenvolvimento se encontram, é uma obra-prima, e é precisamente por isso que este concerto o é.
O momento mais notável está na cadência no final do 2º movimento. O próprio Beethoven escreveu esta, mas deixou a cadência do 1º movimento para ser improvisada pelo intérprete. Ele marcou a cadência do 2º movimento como “una corda”. Nos pianos de hoje, chamamos isso de pedal suave, que desloca os martelos de todas as três cordas de cada nota para apenas uma de cada. Mas na época de Beethoven, esse pedal na verdade deslocava os martelos para uma ou duas das três cordas de cada nota, a critério do compositor, e ele indicava a cadência para aproveitar ao máximo essa habilidade, “due e poi o corde (dois e depois três cordas)” durante o trinado de abertura, e “due poi una corda (duas e uma corda)” durante o final. Hoje, isso só pode ser feito em um piano de época da época de Beethoven.
Hoje, este pode ser possivelmente o concerto mais famoso desta lista, já que Liberace praticamente o usou como música tema durante anos, chegando a tocar a abertura em teclas gigantes de piano ao redor de sua piscina. Tchaikovsky sabia tocar piano, mas não tinha prática suficiente para executar esta peça. Para um compositor supremo, isso não é uma muleta. Como todos os grandes nomes, Tchaikovsky escrevia numa escrivaninha, e não sentado ao piano.
Este concerto foi muito ousado para a época, especialmente porque Tchaikovsky o dedicou ao seu amigo e magnífica lenda do piano Nikolai Rubinstein, irmão de um pianista ainda maior, Anton. Nikolai era um mestre absoluto da música para piano de Mozart, e seu estilo de tocar não poderia ser mais perfeitamente adequado a obras tão alegres e tecnicamente refinadas. Anton foi quem quebrou as cordas enquanto praticava.
Este concerto teria sido perfeito, portanto, para Anton estrear, mas Tchaikovsky estava mais próximo de Nikolai e Nikolai quase sempre estreava as suas novas obras. Infelizmente, quando leu a partitura, jogou-a de lado, enojado, e começou a criticar duramente Tchaikovsky pelo que chamou de “um concerto contra o piano”. Era bombástico demais para o seu gosto. Tchaikovsky ficou, claro, ofendido com isso, mas anos depois Nikolai se aproximou dele e pediu perdão, explicando que ele demorou tanto para aceitar isso. Depois disso, ele fez isso o tempo todo.
Possui a passagem de oitavas mais famosa do repertório para piano, no 1º movimento. É preciso ser um verdadeiro músico para tocá-los corretamente, mas não para se exibir apressadamente. Há uma passagem de segunda oitava no 3º movimento. A parte mais famosa de toda a peça, porém, é a abertura, uma folia extática de música ultra-romântica de uma das mais românticas da era romântica. E essa abertura nem tem a primeira melodia. Isso leva à 1ª melodia. O primeiro movimento também termina extravagantemente com um dos poucos exemplos de cadência 1-4-1, quando 1 acorde (tônica) e 5 acordes (dominante) são quase tudo que você ouve no final de uma peça musical. O acorde 4 é chamado de subdominante.
Em termos de musicalidade, este ficaria em segundo lugar nesta lista, atrás do número 9, mas estamos igualmente examinando todos os aspectos do concerto para piano e, em termos de poder pianístico, este concerto é um amor. Mozart não é conhecido por músicas bombásticas, embora certamente tenha escrito algumas. A frase frequentemente usada (se você me permite a referência a Deus) é: “Bach nos deu a Palavra de Deus. Mozart nos deu a risada de Deus. Beethoven nos deu o fogo de Deus.”
Este concerto é típico daquela qualidade despreocupada e feliz pela qual Mozart é lendário. No entanto, a tecnicidade e a musicalidade deste exigem um pianista com uma técnica acabada, especialmente na digitação do presto legato. O segundo movimento é usado com grande efeito no filme “Elvira Madigan”, e agora o concerto às vezes é apelidado assim. Beethoven, Haydn e Hummel estiveram presentes em uma ou mais apresentações desta peça por Mozart, e todos concordaram que sua técnica, especialmente na mão direita, era impecável, com as passagens contínuas no 3º movimento tão ininterruptas quanto um rio. .
De longe o concerto tecnicamente mais difícil já escrito para qualquer instrumento, exigindo extremo poder pianístico. Vladimir Horowitz, um dos melhores intérpretes gravados, chamou-o de “elefante”. Tal como no seu 2º Concerto, a música deste reflecte as suas mãos, com muitos dos acordes grandes e grossos.
Sua cadência original para o primeiro movimento é preenchida com esses acordes massivos e o pianista deve bater no piano até a morte para entregá-lo com o caráter leonino adequado. Uma de suas melhores gravações é a de Lazar Berman, que não se esquivou de suas exigências. O primeiro movimento atinge vários clímax e depois morre silenciosamente em um segundo movimento exuberante e ventoso. Então, por sua reputação, Rachmaninoff acelera para uma finalização violenta no final do 3º movimento.
Uma das entradas mais refinadas desta lista e a obra por excelência do repertório de concertos para piano romântico. Toda a obra é baseada em um tema de 4 notas. Desce em menor como tema principal do 1º movimento. Na 2ª, sobe em maior. Schumann varia ainda mais no terceiro. É, portanto, uma espécie de trabalho cíclico, pretendendo explorar ao máximo todas as possibilidades de uma melodia. A obra cíclica mais monumental já composta é a Arte da Fuga, de Bach, que influenciou fortemente Schumann.
Sua esposa, Clara, a maior pianista da história, estreou esta em 1º de janeiro de 1846. Grieg pode ter sido diretamente influenciado por ela ao compor sua própria peça, nº 8. Ambos estão no mesmo tom de abertura e ambos começam com um acorde orquestral, seguido pelo solista descendente. Este está classificado em 3º lugar por causa de seu caráter romântico puro, o arquétipo de todos os anos 1800 e extrema complexidade musical. Combine os dois e você precisará, como Artur Rubinstein disse uma vez, “Ninguém com menos de 40 anos”, se quiser que seja jogado de maneira eficaz.
Infelizmente, o próprio Brahms nunca foi gravado tocando este, mas suas performances poderosas sempre derrubaram a casa. Ele era baixo, mas musculoso e podia facilmente transmitir seu amplo peso corporal às passagens fortes. Este concerto é hoje considerado possivelmente tão difícil quanto o terceiro de Rachmaninoff, não tanto por causa da técnica, mas porque um pianista diminuto está em grave desvantagem para superar a orquestra completa.
É uma peça estrondosa do começo ao fim, em 4 movimentos, não em 3. O 1º movimento tem uma passagem que parece muito com o Hino de Batalha da República, o que é uma coincidência total, e então termina com um floreio de trinado duplo , em que o pianista acrescenta outro dedo, depois outro, cada vez mais alto à medida que a orquestra cresce, e o piano deve ser ouvido sobre ele o tempo todo.
Há duas histórias de como ganhou o apelido de “Imperador”. Uma delas é que durante a sua estreia em Viena, um oficial do exército francês comentou na plateia: “C’est l’empereur de concerti!” ou “Este é o imperador dos concertos!” A outra história, e provavelmente a correta, é que o publicitário de Beethoven em Londres, Johann Cramer, deu-lhe o nome.
Foi estreado pela primeira vez em 28 de novembro de 1811 no Gewandhaus em Leipzig, com Friedrich Schneider ao teclado. A essa altura, Beethoven estava surdo demais para executá-la sozinho, mas certamente queria. Ele tendia a jogar muito rápido de excitação. Poucos meses depois, Carl Czerny, de 12 anos, aluno de Beethoven e mais tarde professor de Franz Liszt, estreou-o em Viena. Diz-se que Czerny tocou magnificamente, e isso é apoiado pelo fato de que Beethoven não teria permitido que ele o massacrasse.
Interpretar uma obra de arte tão difícil aos 12 anos é, hoje, quase inédito. Este foi um dos primeiros concertos, juntamente com o 4º de Beethoven, a romper com a tradição clássica de uma longa introdução orquestral precedendo o solista. Em vez disso, começa com a orquestra declarando a tonalidade e o piano juntando-se destemidamente às execuções e trinados da escala de cadência.
O terceiro movimento é, claro, tão fantástico quanto o primeiro, mas o segundo é uma das mais belas e poéticas peças musicais já escritas, romance não adulterado, o piano e a orquestra como amantes, e de longe o melhor movimento lento de todos os concertos. Rudolf Serkin tem, sob a regência de Leonard Bernstein, o direito de ter a melhor gravação dele.
Como amante da música clássica contemporânea e moderna, achei apropriado acrescentar à lista de concertos do Flamehorse a inclusão de um concerto para piano do meu compositor favorito, Alfred Schnittke. Schnittke compôs de uma forma muito eclética – usando citações de outros grandes compositores do passado, mas sempre acrescentando o seu próprio talento. Este concerto demonstra que a arte de compor concertos está longe de estar morta. É uma peça musical incrivelmente comovente e emocional. Se você gosta disso, vai adorar tudo da Schnittke. Eu definitivamente recomendo que você ouça mais músicas dele.
