De acordo com o ciclo não oficial de nostalgia “20 anos depois”, 2001 está programado para um ressurgimento. Em pouco tempo, todos estaremos ansiosos por telefones flip e pelo Yahoo! mecanismo de busca.
Algumas semanas atrás, vimos alguns dos melhores álbuns daquele ano. Voltamos agora a nossa atenção para o cinema com uma mistura de dramas, ação e filmes de animação de qualidade superior. Aqui estão dez dos melhores filmes de 2001.
Os 10 melhores álbuns lançados nos anos 2000
10 Lembrança
O filme desorientador sobre um homem com amnésia anterógrada inverteu tudo – inclusive seu lançamento. Apesar de ser um movimento de origem americana, Memento estreou inicialmente com uma tiragem limitada na Europa (incluindo o Festival de Cinema de Veneza) em 2000, antes de seu lançamento mais amplo em março de 2001. A AMPAS o considera oficialmente como um lançamento de 2001, evidenciado por sua indicação ao Oscar por Melhor Roteiro.
A memorabilidade de Memento vem de seu uso errático do tempo. O protagonista, Leonard, foi brutalmente agredido e sua esposa assassinada. Ele matou um dos agressores e está lutando para se lembrar do outro ataque por causa de sua incapacidade infligida pelo ferimento de se lembrar de qualquer coisa por mais do que alguns momentos. Depois disso, ele é uma tábula rasa de volta à estaca zero.
À medida que Leonard toma conhecimento de sua condição, ele começa a deixar pistas – lembranças – para seu futuro eu amnésico para ajudá-lo a avançar na investigação. Ele faz anotações, tira fotos Polaroids e até faz uma tatuagem da placa do agressor foragido. Ele finalmente encontra – e mata – seu homem (ou não?), apenas para descobrir que foi manipulado por um suposto amigo para fazer seu trabalho sujo. Leonard então mata esse suposto amigo, Teddy, em uma cena que o público percebe ter sido retratada em uma Polaroid da cena de abertura. Ainda está confuso?
O cineasta Christopher Nolan usa uma tática inteligente para ajudar o público a distinguir o rumo do tempo: as sequências coloridas retrocedem enquanto as cenas em preto e branco avançam. Isso explica por que as pessoas daltônicas, inclusive eu, ficavam tão perdidas o tempo todo.
9 Falcão Negro abatido
Lançado em dezembro de 2001, o filme de Ridley Scott sobre uma operação militar fracassada dos EUA oito anos antes parecia subitamente oportuno após os ataques terroristas de 11 de setembro. Retratando a névoa da guerra em uma missão horrivelmente desviada – um efeito propositalmente vertiginoso que rendeu um Oscar de Melhor Edição – Black Hawk Down deu aos espectadores uma visão angustiante da guerra poucas semanas após o início da invasão dos EUA no Afeganistão.
Em retrospectiva, Black Hawk Down serve como um alerta sobre os limites do poderio militar em nações remotas do terceiro mundo. O filme narra uma tentativa de ataque para capturar um líder da milícia somali escondido na extensa e decrépita capital do país, Mogadíscio. Inicialmente, tudo corre conforme o planejado, quando o grupo de ataque prende dois dos principais assessores do líder. Logo, porém, o caos se instala quando dois helicópteros Black Hawk são abatidos por granadas propelidas por foguete.
Os soldados norte-americanos – um elenco sem uma verdadeira personagem principal, que funciona bem num filme tão louco – mudam de rota para resgatar os sobreviventes do acidente, apenas para acabarem presos e com pouca munição. A incursão planeada de 90 minutos transformou-se em 17 horas de batalha sangrenta, durante as quais 19 soldados norte-americanos foram mortos.
Black Hawk Down traça paralelos com outro lançamento de 2001: a aclamada minissérie da HBO sobre a Segunda Guerra Mundial, Band of Brothers, que segue as aventuras da Easy Company desde o Dia D até a queda de Berlim. Ambos mostram a guerra em sua forma mais corajosa e infernal, ao mesmo tempo em que enfatizam a dedicação dos soldados ao seu dever e uns aos outros.
8 Onze do Oceano
As sequências atrozes que ele gerou desmentem o fato de que Ocean’s Eleven, o remake de Steven Soderbergh de 1960 do clássico Rat Pack de 1960 com o mesmo nome, está entre os filmes de assalto mais divertidos de todos os tempos.
Refazer um filme – especialmente um estrelado originalmente por Frank Sinatra, Dean Martin e Sammy Davis Jr. – é um negócio arriscado. Uma das razões pelas quais o Ocean’s Eleven funciona perfeitamente são quatro décadas de tecnologia; não na produção de filmes, mas na segurança dos cassinos. A premissa simples, mas convincente do filme levanta a questão: “Como pode um grupo de ladrões contornar os protocolos de segurança do estilo Front Knox de um moderno cassino de Las Vegas?”
O resultado é um filme do tipo Missão: Impossível, sem as armas de fogo de Tom Cruise e a imparabilidade geral. A tensão é cortada por atuações exemplares do elenco: George Clooney em sua forma mais arrogante; Matt Damon em sua forma mais estranha e distante; Brad Pitt no seu estado mais inteligente (Damon: “Você é suicida?” Pitt: “Só de manhã.”).
Enquanto Don Cheadle tenta paralisar a rede elétrica da Strip, Bernie Mac finge uma injustiça racial para distrair o dono do cassino (Andy Garcia), e um pequeno homem asiático que não fala inglês se esconde em um cofre para ter acesso ao cofre. há apenas o suficiente de cada personagem intencionalmente descomplicado para manter o público envolvido, em vez de irritado. Apropriadamente, tanto o gerente do cassino quanto o público são enganados antes de descobrirem como a gangue de anti-heróis rouba o Bellagio às cegas.
7 61*
A maioria dos filmes de esportes são comédias, então é irônico que um dos mais dramáticos já feitos tenha sido dirigido… por um comediante.
O 61 * dirigido por Billy Crystal relembra a temporada de beisebol de 1961, em que dois New York Yankees – Roger Maris e Mickey Mantle – ameaçaram o recorde de 60 home runs de Babe Ruth em uma única temporada. comparável também concorreu e, quando fica claro que Maris sozinho tem a chance de quebrar a marca da imortal Ruth, tanto a mídia quanto os fãs se voltam contra ele.
O filme é mais que um teatro esportivo: é um exercício de pressão. No decorrer da temporada de seis meses, o introvertido Maris é colocado sob tal estresse que seu cabelo cai em tufos, e ele tenta convencer o técnico Ralph Houk a colocá-lo no banco para preservar a marca de Ruth. Hauk recusa e, no último dia da temporada, Maris quebra o recorde de 61º home run.
Em 2001, 61* foi oportuno não pelo seu 61, mas pelo seu *. Quando Maris quebrou o recorde, a temporada de beisebol havia sido recentemente ampliada em oito jogos. Por esse motivo, foi colocado um asterisco no registo de Maris para significar o benefício de uma temporada um pouco mais longa.
Em 2001, porém, esse asterisco significava algo totalmente diferente: esteróides. Em 1998, DOIS jogadores – Sammy Sosa e Mark Maguire – quebraram a marca de Maris, este último acertando 70 home run. Então, em 2001, Barry Bonds atingiu ridículos 73. Todos os três foram associados a drogas para melhorar o desempenho, e os puristas ainda consideram Maris o campeão de home run em uma única temporada.
6 Monstros SA.
Junto com o Shrek original, Monsters, Inc. foi um dos dois excelentes filmes de animação lançados em 2001. O filme da Pixar para crianças contou com um elenco repleto de estrelas de dubladores, incluindo Billy Crystal, John Goodman, Steve Buscemi, James Coburn e Jennifer Tilly.
O enredo é simples, mas proposital. A cidade de Monstropoiis é alimentada pelos gritos das crianças, e a energia fica escassa quando as crianças não se assustam tão facilmente como antes. Assim, a cidade envia os seus principais “assustadores”, incluindo os dois protagonistas do filme, para corrigir a situação. Hijinks garantem, com uma comédia alegre sustentando a mensagem geral: que os monstros não são tão assustadores, afinal.
Em sua crítica para Salon, Charles Taylor resumiu o sucesso de Monsters, Inc. e, de fato, de qualquer filme que valha a pena voltado principalmente para crianças. Ele chamou o esforço de “agradável e muitas vezes engraçado, e os adultos que levam seus filhos para ver podem ficar surpresos ao descobrirem que estão se divertindo muito”. faz o que os melhores filmes de animação (como Aladin) ou franquias voltadas para crianças (como Harry Potter) fazem: transcende as divisões geracionais para atrair públicos de todas as idades.
Monsters, Inc. recebeu ampla aclamação da crítica e detém 96% de aprovação dos críticos no Rotten Tomatoes. Ele limpou as bilheterias, gerando quase US$ 600 milhões em todo o mundo, tornando-se o terceiro filme de maior bilheteria do ano.
5 Dia de treinamento
O Dia de Treinamento é uma prova positiva de que um excelente desempenho de atuação pode transformar um roteiro enfadonho em um sucesso de bilheteria aclamado pela crítica. Se você já se perguntou por que lendas como Denzel Washington arrecadam rotineiramente US$ 30 milhões por filme… bem, você nunca viu Training Day.
O enredo é fino e repetitivo. Washington interpreta o detetive da polícia de Los Angeles, Alonzo Harris, cuja área de narcóticos oferece amplas oportunidades para se sujar. O tema “policial em ação” é uma imitação de filme dos anos 80, ainda que banal, um ponto exacerbado quando a história vai… praticamente a lugar nenhum.
Designado para orientar um novo oficial (Ethan Hawke), Washington comete ofensas cada vez mais flagrantes à medida que o filme de alguma forma atinge uma duração de duas horas a partir de uma história de 20 minutos. Dre e Snoop Dogg distraem ainda mais o público de perceber que nada está acontecendo aqui além de um jogo prolongado de policial mau / policial pior.
Então, por que diabos o Dia de Treinamento está nesta lista? Simples: é sem dúvida o desempenho mais incrível da célebre carreira de Washington. Em outras atuações marcantes – Filadélfia, American Gangster, Malcolm X – Washington teve o benefício de um enredo atraente. O mesmo não aconteceu com o Dia de Treinamento, onde extraí-lo do filme seria um desastre absoluto. Vale a pena assistir ao Dia de Treinamento para testemunhar um ator brilhante, sozinho, transformar um filme abaixo da média em um filme eminentemente agradável.
A Academia concordou: Washington recebeu honras de Melhor Ator e rendeu a Ethan Hawke uma indicação de Melhor Ator Coadjuvante simplesmente por compartilhar a tela com ele.
4 Assassinato em uma manhã de domingo
Muito antes de “Making a Murderer”, a série de documentários da Netflix que retrata dois homens de Wisconsin que afirmam veementemente que foram falsamente condenados por assassinato, houve “Assassinato em uma manhã de domingo”, de 2001. O filme narra o caso de Brenton Butler, um jovem de 15 anos de Jacksonville, Flórida, acusado de atirar e matar a turista Mary Ann Stephens em 2000.
O caso tem uma notável semelhança com “Making a Murderer”. Em primeiro lugar, ambos os documentários mostram menores – Butler, 15 e Brendan Dassey, 16 – que admitiram os crimes e depois retrataram as suas confissões. Ambas as confissões têm circunstâncias complicadas: Dassey tem um QI de apenas 70 – o que é um retardo mental limítrofe. A situação de Butler parece particularmente atual: ele é negro e alegou que sua confissão ocorreu em meio a intimidação policial e abuso físico.
Conforme explorado no documentário, a investigação e o processo contra Butler foram forçados e desleixados, mesmo que suas alegações de ter sido espancado fossem improváveis. Butler era significativamente mais baixo e mais jovem do que o marido da vítima, que estava presente no assassinato, lembrou, e o interrogatório e a confissão de Butler ocorreram durante 13 horas, durante as quais seus pais não foram notificados (na verdade, eles haviam preenchido um relatório de pessoa desaparecida ).
O júri levou 45 minutos para absolver Butler. Em 2004, uma denúncia anônima levou a polícia ao verdadeiro assassino, Juan Curtis, que foi julgado e condenado depois que um reexame da bolsa de Stephens encontrou suas impressões digitais. O filme ganhou o Oscar de Melhor Documentário.
3 Os Tenenbaums Reais
Provavelmente o desprezo mais flagrante do Oscar de 2001 foi que The Royal Tenenbaums não foi indicado para Melhor Filme, nem Wes Anderson para Melhor Diretor. A comédia dramática de 2001 mostra Anderson refinando sua simetria, agora marca registrada, ângulos de câmera e estilo narrativo distinto de uma forma apenas sugerida em seu esforço anterior, Rushmore, de 1998.
Há tanta coisa para gostar que é difícil começar a dissecar. Para começar, o uso de cortes narrativos por Anderson para fornecer histórias excêntricas e cômicas a um elenco de personagens com falhas únicas serve para tornar cada um querido pelo público e impedir que qualquer um realmente emerja como personagem principal. O resultado é um elenco de heróis e anti-heróis de baixo nível pelos quais o público torce simultaneamente, apesar de saber que seus motivos e objetivos conflitantes tornam o sucesso de cada personagem uma impossibilidade.
E que elenco é esse. Luke Wilson como um tenista profissional fracassado e apaixonado por sua irmã adotiva (Gwyneth Paltrow), uma fumante enrustida, tímida, mas promíscua, sem um dedo. Owen Wilson como um amigo da família, um romancista viciado em drogas. Ben Stiller como um viúvo paranóico que detesta seu pai, Royal (Gene Hackman).
Outra característica marcante é a capacidade de Anderson de mudar os tons rapidamente. Cenas mostrando o roubo de uma loja de Royal com seus jovens netos e Danny Glover caindo em um buraco no canteiro de obras se transformam no desejo romântico semi-incestuoso de Luke Wilson e na eventual tentativa de suicídio. A trilha sonora ajuda o público a acompanhar o ritmo, com músicas punk animadas dos Ramones e batidas deprimentes de Elliott Smith encerrando extremos emocionais.
2 A sociedade do Anel
A primeira parte da trilogia O Senhor dos Anéis, de Peter Jackson, foi uma raridade bem-vinda: um blockbuster de grande orçamento que fez justiça a uma série épica de romances. Exemplificado por sua data de lançamento em dezembro, o filme tinha intenções de Oscar, em vez de ganhar dinheiro no verão – e foi entregue como poucos filmes de fantasia fazem.
Filmado na Nova Zelândia, terra natal de Jackson, um cenário adequado para a Terra Média de JRR Tolkien, A Sociedade do Anel é uma conquista ainda maior quando circunstâncias atenuantes são consideradas. A primeira é a densidade dos romances de Tolkien, essencialmente exigindo que cada filme tenha intimidantes três horas de duração. O outro desafio é o assunto; Simplificando, é realmente fácil fazer com que hobbits, anões, elfos e bruxos pareçam extraordinariamente cafonas.
Adaptações de livros de fantasia são extremamente difíceis de realizar (VER: Dr. Moreau, A Ilha de), e à primeira vista o esforço parece grande demais para NÃO falhar. Em vez disso, destaca-se por uma mistura de paisagens convincentes, ritmo adequado e efeitos especiais que complementam em vez de sobrecarregar.
A Sociedade do Anel foi indicada para incríveis 13 prêmios da Academia, incluindo Melhor Filme e Melhor Diretor, e levou para casa quatro troféus de Melhor Fotografia, Melhores Efeitos Visuais, Melhor Maquiagem e Melhor Trilha Sonora Original. De acordo com o Rotten Tomatoes, mais de 200 críticas dão ao filme uma pontuação média de impressionantes 91%, com 95% dos espectadores concordando.
1 Uma Mente Brilhante
É provável que Jackson tivesse ganhado Melhor Diretor e Melhor Filme por “The Fellowship”, se não fosse por um filme fascinante sobre… um matemático da Universidade de Princeton?
Também lançado em dezembro de 2001, A Beautiful Mind foi uma adaptação cinematográfica dirigida por Ron Howard de uma biografia de 1997 da autora Sylvia Nasar. Ele narrou a vida promissora que se tornou trágica de John Nash (Russell Crowe). Um génio da matemática a par de Matt Damon, do Good Willing Hunting, as primeiras realizações académicas de Crowe incluíram uma nova abordagem à dinâmica de governo e, alguns anos mais tarde, à decifração de mensagens encriptadas do inimigo para o Pentágono.
Infelizmente, o brilhantismo de Nash é virado de cabeça para baixo por… bem, pela cabeça dele. Ele desenvolve esquizofrenia paranóica e começa a usar seu talento para decifrar códigos para pesquisar obsessivamente em jornais e revistas em busca de mensagens soviéticas ocultas. É nesta virada sombria que A Beautiful Mind recebe elogios da crítica. À medida que o cérebro de Nash é lentamente sobrecarregado, o público é convidado a entrar em seus delírios, inicialmente pensando que são reais porque, como é o caso de muitas doenças mentais progressivas, seus primeiros sinais eram relativamente verossímeis.
O final feliz da cinebiografia imita o de Nash: eventualmente, ele aprende a ser mais esperto que seus delírios, uma espécie de mente heróica sobre a não-matéria. No final da década de 1970, Nash era mais uma vez um professor respeitado e, em 1994, ganhou um Prémio Nobel pelo seu trabalho revolucionário sobre a teoria dos jogos – que, incrivelmente tendo em conta a sua esquizofrenia, é a prática de prever interacções estratégicas entre decisores racionais.
