É muito possível que você conheça um ou dois desses compositores, mas, a menos que você seja um estudante de música ou um grande fanático por música clássica, é provável que não conheça, embora provavelmente já tenha ouvido algumas de suas músicas em filmes. Normalmente, estes não são compositores de filmes – são compositores clássicos por direito próprio. Eles são grandes pioneiros da música clássica do século XX. Como você pode ver, os americanos dominam um pouco o campo (embora essa possa ser apenas minha preferência pessoal).
1. Alfred Schnittke , russo [nascido em: 1934; Morreu: 1998]
Aqui temos o Concerto Gross de Schnittke para 2 Violinos – movimento 2: Tocata. Esta peça resume perfeitamente a música de Schnittke – temos melodias delicadas e bonitas nos instrumentos solo que começam a explodir em um mundo sonoro totalmente exclusivo deste compositor. Ouça pequenos trechos de outras peças famosas – Schnittke adorava citar uma peça famosa e depois rasgá-la em pedaços. Foi um dos primeiros compositores modernos a restaurar a forma do Concerto Grosso e adorava usar instrumentos inusitados como guitarras elétricas, bateria de jazz, piano honky tonk, e usava frequentemente cravo e celesta. Acredito que Schnittke será lembrado como um Mozart do século XX.
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2. Charles Ives , americano [Nascido em: 1874; Morreu: 1954]
Não há dúvida de que Ives é o compositor mais americano dos EUA. Na peça aqui Putnam’s Camp, Redding Connecticut, de seu Three Places in New England, você pode ouvir o verdadeiro espírito Ivesiano emergir. Você ouve citações de músicas americanas muito famosas que Ives ouvia quando jovem. Ele os incorporava em sua música e causava estragos neles (da mesma forma que Schnittke faz – embora Ives tenha feito isso primeiro). Acredita-se que Charles Ives (que trabalhava como corretor de seguros em tempo integral durante o dia) usou a maioria dos estilos de composição do século XX antes de qualquer outra pessoa, tornando-o um dos compositores mais importantes do século. Ao ouvir esta peça não pense que está ouvindo uma performance ruim – o som “bagunçado” está correto. Ives adorava misturar uma variedade de sons em total discórdia entre si. Ele era muito brincalhão e costumava escrever comentários engraçados em suas partituras. Se você não acredita que ele tinha talento, assista a esse vídeo de sua peça mais famosa, a Pergunta Não Respondeda (e sem dúvida a mais comovente).
3. Karlheinz Stockhausen , alemão [nascido em 1928]
O vídeo não é dele, mas a música é. Esta peça, Kontakte, é uma peça de música eletrônica clássica. Stockhausen foi um pioneiro no campo da música eletrônica. Ele é provavelmente mais famoso por seu Quarteto de Cordas de Helicóptero (você pode assistir trinta segundos aqui ), que é, como é intitulado, uma peça para um quarteto de cordas e quatro helicópteros. Faz parte de uma das óperas do seu ciclo “Luz” e já foi apresentada em público. A peça inteira é hipnotizante.
4. George Crumb , americano [nascido em: 1929]
Crumb recebeu muita exposição quando algumas de suas músicas (Night of the Electric Insects from Black Angels) foram apresentadas no Exorcist. Esta peça para piano é Uma Pequena Suíte para o Natal – Adoração dos Magos. Ele frequentemente pede que os instrumentos sejam tocados de maneiras incomuns e várias de suas peças são escritas para instrumentos amplificados eletricamente. A música de Crumb muitas vezes parece preocupar-se tanto com o teatro da performance quanto com a música em si. Em diversas peças ele pede aos jogadores que saiam e entrem no palco durante a peça. Ele também usou layouts incomuns de notação musical em várias de suas partituras. Em diversas peças, a música é simbolicamente disposta de forma circular ou espiral.
5. Sofia Gubaidulina , Tártara [Nascida: 1931]
A música de Gubaidulina é marcada pelo uso de combinações instrumentais inusitadas. Em In Erwartung combina percussão e quarteto de saxofones. Ela escreveu peças para koto japonês e orquestra ocidental. No início da década de 1980, ela começou a usar a sequência de Fibonacci como forma de estruturar a forma da obra. A sequência foi especialmente atraente porque fornece uma base para a composição e ao mesmo tempo permite que a forma “respire”. Ela desempenha um papel proeminente em peças como Perception, Im Anfang war der Rhythmus, Quasi hoketus e a sinfonia Stimmen… Verstummen… Ela é a única compositora feminina nesta lista, mas definitivamente merece a homenagem. A peça que ouvimos acima é a quarta parte do seu Concerto para Viola (1996/97).
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6. Iannis Xenakis , grego [Nascido: 1922; Morreu: 2001]
Este é o Xenakis Synaphai para piano e 86 músicos. Xennakis, nascido na Romênia, foi um dos compositores modernistas mais importantes do século XX; uma figura importante no desenvolvimento do modernismo musical no pós-guerra e um arquiteto. Os principais professores de composição de Xenakis foram Arthur Honegger, Darius Milhaud e Olivier Messiaen. Na época em que começou a compor para valer, Xenakis não tinha muito estudo formal de música e quase nada de teoria, e por isso estudou harmonia e contraponto com quem estivesse disposto a aceitá-lo como aluno, apesar de suas vastas lacunas de conhecimento e relutância em submeter-se à autoridade estabelecida. Ele é particularmente lembrado por seu pioneirismo na música eletrônica e computacional e pelo uso de técnicas matemáticas estocásticas em suas composições, incluindo probabilidade.
7. Alban Berg , austríaco [Nascido: 1885; Morreu: 1935]
O vídeo não é dos melhores, mas esta é a melhor cena da ópera Lulu, obra-prima de Alban Berg. Na cena aqui vemos o mestre do circo apresentando os personagens da ópera como animais (Lulu é a cobra). Esta é a primeira ópera composta inteiramente por linhas dodecafônicas – isso significa que você deve usar cada nota da escala apenas uma vez até que todas as notas da escala tenham sido usadas. Berg dominou a habilidade desse estilo (composição serial) e conseguiu transformar a matemática em beleza. A ópera termina com uma cena horrível em que Lulu é assassinada por Jack, o Estripador. Berg foi aluno de Schoenberg.
8. Aaron Copland , americano [Nascido em: 1900; Morreu: 1990]
Selecionei este vídeo em particular porque tem a melhor qualidade de som de todas as versões do youtube. É a fanfarra do homem comum. A maioria das pessoas conhece a peça, mas não o compositor, pois ela foi tocada mais de uma vez nos Jogos Olímpicos. É uma peça musical incrivelmente emocionante. Copeland escreveu muitas músicas para filmes, mas acabou sendo banido por acreditar que tinha tendências comunistas. Ele também escreveu uma ópera magnífica chamada Tender Land, que apresenta alguns dos mais belos escritos de um compositor americano. Esta é uma peça musical particularmente comovente. Infelizmente não inclui a peça inteira então você precisará comprá-la.
9. John Cage , americano [Nascido em: 1912; Morreu: 1992]
Cage é um compositor do qual você já deve ter ouvido falar – simplesmente por causa de sua infâmia. Cage é o compositor do famoso 4’33” – quatro minutos e meio de silêncio. Embora Cage tenha escrito muitas músicas com som bastante normal, sua experimentação com som faz dele o principal compositor de vanguarda do século XX. Ele freqüentemente usa gravações em fita, sons naturais, sons eletrônicos e objetos do cotidiano para produzir seu estilo único de música. Ele também foi um firme defensor do piano preparado. Ele escreveu muitas músicas aleatórias – nas quais a música é criada jogando um dado, jogando uma moeda ou qualquer outro método aleatório. Acima ouvimos sua Paisagem Imaginária nº 1 com várias imagens e videoclipes.
10. Anton Webern , austríaco [nascido em: 1883; Morreu: 1945]
Tal como Alban Berg, Webern foi aluno de Arnold Schoenberg – os três compositores são agora considerados como formando a Segunda Escola Vienense – o primeiro dos quais foi Mozart, Haydn, Beethoven e Schubert. Webern não foi um compositor prolífico; apenas trinta e uma de suas composições foram publicadas durante sua vida, e quando Pierre Boulez supervisionou um projeto para gravar todas as suas composições, incluindo aquelas sem números de opus, os resultados cabem em apenas seis CDs. O estilo de Webern é caracterizado por texturas muito espartanas, nas quais cada nota pode ser ouvida claramente; timbres cuidadosamente escolhidos, muitas vezes resultando em instruções muito detalhadas para os intérpretes e no uso de técnicas instrumentais estendidas (flutter tonguing, col legno, e assim por diante); linhas melódicas amplas, muitas vezes com saltos maiores que uma oitava; e brevidade: as Seis Bagatelas para quarteto de cordas (1913), por exemplo, duram cerca de três minutos no total. A peça acima – número dois do Funf Satze mostra claramente o estilo de Weberns.
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