Às vezes, o impensável acontece num cenário de filme por acidente e, às vezes, é intencionalmente. Certamente, não é incomum que um diretor faça exigências grandiosas, ordenando que os mares se abram para conseguir a cena perfeita. No entanto, alguns foram mais longe do que outros para conseguir isso, pegando o que poderia ser considerado pouco alcançável e aumentando para 11.
Em nome da criatividade, autenticidade e pura audácia, esses cineastas jogaram a cautela ao vento e foram pioneiros em inovações tecnológicas, construíram estruturas impensáveis, levaram os atores ao limite e fizeram de tudo para fazer o filme que queriam.
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10 Abel Gance criou um novo formato (Napoléon, 1927)
Muito antes de Ridley Scott tocar na história do infame comandante francês, Abel Gance fez o filme mudo profundamente influente Napoléon . Contando a história da vida de Napoleão Bonaparte, desde a escola militar até a invasão da Itália, o megaépico de 330 minutos é elogiado como uma obra-prima cinematográfica, pioneiro em um estilo de câmera fluido e abrangente que contrariava a convenção essencialmente estática de criação de tomadas no tempo.
Embora uma variedade de técnicas inovadoras tenham sido empregadas na produção de Napoleão , incluindo o uso surreal de cores, exposições múltiplas e imagens caleidoscópicas, a inovação mais significativa foi a invenção de um formato de filme totalmente novo por Gance.
O diretor criou o Polyvision, um formato personalizado projetado para cumprir sua visão para o clímax panorâmico do filme. Com três vezes a largura da projeção padrão da época e ainda consideravelmente mais larga do que qualquer proporção usada hoje, a Polyvision de Gance envolveu empilhar três câmeras enquanto filmava suas sequências e três projetores lado a lado para projetá-las. Escusado será dizer que o formato nunca decolou, mas o escopo, a ambição e o produto final são excepcionalmente impressionantes. [1]
9 O moinho de vento gigante de Terry Gilliam (O homem que matou Dom Quixote, 2018)
O extraordinário cineasta absurdo Terry Gilliam passou três décadas tentando fazer O Homem que Matou Dom Quixote , lutando contra estúdios e contratempos e definhando no inferno do desenvolvimento. No entanto, ele perseverou e levou o filme ao público em 2018, com Adam Driver e Jonathan Pryce ajudando a lançar um filme ousado, embora falho, que encerrou as lutas do diretor.
Um dos muitos desafios do caminho foi erguer os famosos moinhos de vento, que Quixote disputa acreditando serem gigantes. Apesar de estar em produção há três décadas, Gilliam teve um tempo de preparação limitado para filmar graças às limitações das licenças que estipulavam onde e quando ele poderia filmar em vários locais históricos.
Como resultado, construiu moinhos de vento em muitas aldeias e castelos em tempo recorde, percorrendo as suas criações pela Espanha continental, pelas Ilhas Canárias e por Portugal. Mas um dos desafios logísticos mais difíceis foi erguer a estrutura sobre uma antiga vila do século VI. Para garantir que a produção deixasse o espaço inestimável exatamente como o encontraram, eles tiveram um arqueólogo disponível para dirigir o trabalho – e, felizmente, para todos os envolvidos, nada foi danificado. [2]
8 Alfred Hitchcock jogou pássaros vivos em sua estrela (Os pássaros, 1963)
Apesar de ser um dos cineastas mais respeitados de todos os tempos, os relacionamentos de Alfred Hitchcock com suas estrelas femininas eram notoriamente tensos, e talvez nada mais do que com Tippi Hedren, a estrela do icônico filme de criaturas Os Pássaros .
Como protagonista do filme, Hedren tem consideravelmente mais tempo na tela do que qualquer outra pessoa, e isso significa que ela esteve próxima do diretor durante uma longa produção. Os dois não gostaram um do outro desde o início, e a tensão resultante veio à tona durante as filmagens da cena em que o personagem de Hedren é cercado por pássaros que bicaram no telhado e entraram na casa.
Determinado a tornar esta sequência o mais real possível, Hitchcock insistiu em usar pássaros vivos. Apesar da cena durar apenas um minuto na tela, os treinadores atiraram em Hedren com pássaros de todas as formas e tamanhos por cinco dias seguidos – algo que a estrela atribuiu ao ódio do diretor por ela. O resultado final é impressionante, mas é difícil defender que valeu a pena o trauma físico e emocional que Hedren teve de suportar. [3]
7 Cascas de amendoim e gafanhoto de Terrence Malick (Days of Heaven, 1978)
Um diretor muito mais benevolente, mas não menos dedicado, do que Hitchcock, Terrence Malick sempre esteve disposto a fazer grandes esforços para criar o filme que deseja fazer, inclusive, nos últimos anos, evitando o enredo e a narrativa convencionais em favor de filmes mais soltos e temáticos. composições (desconcertando o público e a crítica).
Nos primeiros dias de Malick, quando ele estava fazendo seu segundo grande drama de época romântica, Days of Heaven , o diretor não sabia como criar o efeito de uma praga de gafanhotos subindo de seus campos de trigo. Ao contrário de Hitchcock, ele não considerou a utilização de animais vivos. Mesmo assim, graças ao seu diretor de fotografia, Néstor Almendros, não foi necessário.
Almendros sugeriu uma técnica logisticamente audaciosa que proporcionaria o efeito enquanto mantinha o controle da cena, e Malick concordou. Eles alugaram helicópteros e os usaram para lançar milhares de cascas de amendoim enquanto dirigiam as câmeras para trás. Na projeção frontal, os gafanhotos com casca de amendoim pareciam estar voando do chão, girando em torno dos atores na cena. Embora ninguém estivesse convencido no momento, Malick foi em frente e funcionou perfeitamente. [4]
6 Acrobacias de briga de cães de Howard Hughes (Hell’s Angels, 1930)
Várias décadas antes da fundação do notório clube de motociclistas fora da lei de mesmo nome, Hell’s Angels chegou às telonas. Apresentando aviões militares e combates aéreos, o filme está enraizado na história de dois irmãos cuja participação no British Royal Flying Corps durante a Primeira Guerra Mundial os define.
Dirigido pelo excêntrico magnata norte-americano Howard Hughes, custou uma pequena fortuna para ser produzido e, apesar de ter ido bem nas bilheterias, não atingiu o ponto de equilíbrio. Não poupando despesas em um dos projetos mais apaixonantes de sua vida, Hughes – um entusiasta de aeronaves e aviador – projetou ele mesmo as sequências de luta aérea, valorizando a excitação e o perigo em vez do pragmatismo e da segurança.
Tão obstinada era a busca de Hughes pelas sequências aéreas perfeitas, e tão grande era seu ego que ele decidiu tentar ele mesmo as manobras mais perigosas, já que seus pilotos dublês não estavam dispostos a completá-las. Hughes subiu aos céus em um avião real da Primeira Guerra Mundial e, sem surpresa, caiu, mas saiu com vida e algumas boas fotos para mostrar isso. [5]
5 Tom Hooper fez todo o elenco cantar ao vivo (Les Misérables, 2012)
Claude-Michel Schönberg, Alain Boublil e Jean-Marc Natel adaptaram o romance histórico do século XIX de Victor Hugo como musical em 1980 e, desde então, Os Miseráveis tem sido um fenómeno global ininterrupto. Como tal, várias versões cinematográficas foram feitas nas últimas quatro décadas, mas nenhuma tão ousada quanto a adaptação estrelada de Tom Hooper em 2012.
Com um elenco composto por Hugh Jackman, Anne Hathaway, Russell Crowe e outros, muita coisa dependia da versão de Hooper e, em vez de fazer isso pela metade, o diretor optou por fazer com que todos cantassem suas partes ao vivo (em vez de dublá-las depois, como é a norma). Cada tomada envolvia o ator cantando a música inteira para uma série de microfones disfarçados de forma criativa, com um pianista tocando em seu fone de ouvido. Isso foi sem precedentes, especialmente em um filme tão grande em escopo e orçamento, apresentando atores com vários níveis de experiência (em vez de, digamos, cantores treinados) negociando com suas próprias habilidades vocais.
No entanto, ao permitir que seus atores tivessem a liberdade de adaptar o andamento, a entonação e a ênfase das músicas durante sua apresentação, Hooper conseguiu produzir uma abordagem original e matizada de um material já conhecido, mas que, no entanto, envolve suas raízes no teatro. [6]
4 James Cameron patenteou nova tecnologia de filme subaquático (Titanic, 1997)
Embora James Cameron tenha feito carreira combinando inovação tecnológica e produção cinematográfica, impulsionando avanços no cinema para se adequar a seus projetos, um dos exemplos mais impressionantes de sua engenhosidade veio antes de seu mega-blockbuster Titanic , influenciado pelos desafios de produção enfrentados enquanto ele estava fazendo The Abyss, de 1989 .
Buscando um nível de manobrabilidade subaquática durante as filmagens que simplesmente não existia naquele momento, Cameron acabou colaborando no projeto dois anos depois de um aparelho que permitia aos operadores e equipamentos de câmera se moverem mais facilmente durante sequências subaquáticas. A tecnologia impulsiona seu usuário com hélices presas a um carrinho. Embora possa parecer uma solução simples, ninguém a tinha feito antes de 1991!
E funcionou – permitiu que Cameron e sua equipe filmassem com muito mais fluidez e perfeição em ambientes subaquáticos apenas alguns anos depois, capturando filmagem subaquática do verdadeiro Titanic tanto para usar no filme quanto para informar o design de seus cenários. [7]
3 Werner Herzog puxou um barco sobre uma colina (Fitzcarraldo, 1982)
Fitzcarraldo foi uma produção notoriamente desafiadora para o inexpressivo diretor alemão Werner Herzog, agravada ao extremo pela inimizade entre ele e seu protagonista, Klaus Kinski. Embora as tensões fossem altas e as ameaças de morte abundantes, o desafio mais significativo da produção era, na verdade, logístico.
O filme é centrado no aspirante a barão da borracha (Kinski), que está determinado a transportar seu navio a vapor por uma colina íngreme para obter acesso a uma área da Amazônia rica em borracha. Procurando permanecer fiel ao tipo de realismo encenado que desceu ao verdadeiramente absurdo nos trabalhos posteriores do diretor (confira as sequências de entrevistas de Grizzly Man , de 2005, por exemplo), Herzog se contentaria com nada menos do que puxar um barco sobre uma colina. .
Assim, o diretor e sua equipe tiveram que deslocar 320 toneladas de navio a vapor genuíno sobre uma colina escorregadia e lamacenta em um local sem efeitos especiais. Realizando o feito com apenas dois dígitos de ferimentos e a morte de vários povos indígenas, Herzog coroou-se “Conquistador dos Inúteis”, certo de que ninguém havia realizado tal feito antes. Dado o pesadelo de saúde e segurança de tudo isso, provavelmente nunca mais o farão. [8]
2 Jacques Tati construiu uma cidade (PlayTime, 1967)
O filme mais ousado e ousado de Jacques Tati, PlayTime , vê o autor francês situar a sua narrativa numa Paris futura que se deformou significativamente sob a bota do capitalismo de consumo. Em grande parte ausentes estão as muitas maravilhas arquitetônicas da cidade, substituídas por fileiras e mais fileiras de edifícios idênticos, cinzentos e brutalistas.
Como Paris tem limitações sobre o que pode ser construído dentro da cidade, havia pouca esperança de que Tati se apoderasse de um terreno grande o suficiente para erguer a sua fachada futurista, e ele não era fã das fábricas propostas como substitutas. Assim, não querendo comprometer sua visão, a única opção de Tati (em sua mente) era construir a cidade do zero.
Para filmar, porém, ele não precisava de uma cidade inteira, então algo mais do tamanho de uma cidade foi erguido em seu lugar, carinhosamente conhecido como “Tativille”. Construída em três meses, a cidade foi construída em um campo aberto a leste de Paris, alugado ao diretor pela Câmara Municipal. Apresentava seu próprio terminal aéreo, lojas e escritórios em arranha-céus. Embora o diretor tenha tentado salvar sua amada cidade, o ministro da Cultura francês, André Malraux, ordenou a demolição de Tativille após o término das filmagens. [9]
1 Klim Shipenko foi ao espaço (O desafio, 2023)
A corrida espacial foi um dos acontecimentos sociais e tecnológicos significativos da Guerra Fria, quando os EUA e a Rússia lutaram com unhas e dentes para colocar primeiro um homem na Lua. Embora os Estados Unidos tenham saído vitoriosos, isso não impediu que os russos continuassem desesperadamente a tentar ofuscá-los nos anos seguintes. E embora muitos dos empreendimentos espaciais da Rússia tenham sido mal planeados, subfinanciados e malfadados, nenhum deles o foi.
O filme de 2023 do diretor russo Klim Shipenko, O Desafio – que mostra uma cirurgiã (Yulia Peresild) enviada ao Sistema Espacial Internacional para salvar um cosmonauta que está fraco demais para retornar à Terra – quebrou todas as fronteiras ao realmente acontecer no espaço. Shipenko acompanhou Peresild em órbita em 2021, executando uma missão de 12 dias que viu a dupla filmar cenas na ISS real.
Independentemente de ser bom ou não, O Desafio é o primeiro filme a ser rodado no espaço, superando um projeto semelhante proposto por Tom Cruise e Elon Musk e lançando Shipenko e sua equipe direto para os livros de história. [10]
