As estrelas do rock são populares. Muitos deles podem encher estádios de atletismo com multidões de devotos ansiosos para ouvi-los se apresentar ao vivo. Compreensivelmente, seus fãs também ficam curiosos para saber de onde seus ídolos tiraram ideias para os sucessos que escreveram. Especialmente durante as décadas de 1960 e 1970, o rock and roll, o country e o western, o blues e outros gêneros de música popular eram verdadeiramente originais, inovadores e criativos.
Nenhum cantor ou banda notável soava como qualquer outro; cada um era distinto; cada um era único, oferecendo seus próprios sons. Esta é uma das características dos músicos daquelas décadas que os tornaram famosos entre os fãs consagrados e novos, geração após geração. Aqui estão 10 origens dos clássicos do rock and roll dos anos 1960-1970, mas guloseimas que continuam a abalar a casa.
10 “Leve ao limite”
Randy Meisner, membro fundador do The Eagles, não apenas tocou baixo e cantou, mas também escreveu músicas para o grupo – ou, em muitos casos, partes de músicas. Como explica Meisner, embora ele tenha começado o hit da banda “Take It to the Limit”, a música permaneceu inacabada quando chegou a hora de gravá-la, e os colegas fundadores da banda, Glenn Frey (1948-2016) e Don Henley, vieram em socorro. preenchendo “os espaços em branco” nas letras.
A experiência de sentir que tinha visto tudo e feito tudo inspirou as palavras “leve ao limite”. As palavras pretendiam expressar não apenas seu mundanismo e tédio, mas também o sentimento de “envelhecer”. A música também pretende expressar a necessidade ou a tendência que alguém tem, apesar de tais sentimentos, de “simplesmente continuar socando” a cada dia, de continuar a “levar ao limite mais uma vez”.
9 “Lua Má Nascente”
Um filme – e o medo de furacões de um músico – inspiraram John Fogerty, do Creedence Clearwater Revival, a escrever os versos de “Bad Moon Rising”. O filme foi O Diabo e Daniel Webster (1941). Uma das cenas do filme em particular irritou Fogerty, ele explicou: a filmagem do furacão gerou a letra “Eu ouço furacões soprando / Eu sei que o fim está chegando”.
Para Fogerty, a ideia de “rios transbordando” devido aos efeitos da tempestade soou como “a voz da raiva e da ruína”, o que incentiva o aviso da música: “Não saia esta noite/ Bem, isso vai acabar com sua vida .”
Às vezes, o público ouvia “há um banheiro à direita”, em vez de “há uma lua ruim nascendo, certo”, o que, na ocasião, divertia Fogerty o suficiente para substituir as palavras mal compreendidas por aquelas que ele havia escrito.
8 “Eu e Bobby McGee”
“Me and Bobby McGee” é uma das muitas canções que ficaram famosas pela lendária artista de blues Janis Joplin (1943-1970). (Seu grupo, Full Tilt Boogie Band, pode ter ajudado um pouco.) A habilidade de Joplin de infundir nas palavras de uma música uma emoção poderosa e crua, especialmente uma tristeza profunda, apesar de suas interpretações altas e muitas vezes estridentes da narrativa da letra, eletrizou o público. . Como outras estrelas do mundo da música, não havia como confundir sua voz; Os vocais de Joplin, assim como seu estilo, eram únicos.
Embora ela seja mais moderada ao cantar “Me and Bobby McGee” do que costuma ser em muitas outras músicas, ela ainda explora as emoções de seus ouvintes, atraindo-os para o pathos e a perda expressados pela música, que narra alguns desgarrados. ‘ viagem de carona de Baton Rouge, Louisiana, a Salinas, Califórnia, e inclui o lamento sobre a mulher ter deixado Bobby “escapar”. Ela trocaria todo o seu futuro, diz a mulher, por um dia do passado, quando estava perto de Bobby.
A música só foi lançada depois da morte de Joplin; após seu aparecimento, em 1971, alcançou o topo das paradas. Joplin não escreveu a música; o lendário músico Kris Kristofferson e o compositor Fred Foster (1931-2019) são seus autores. Kristofferson também cantou a música, assim como outros luminares como Waylon Jennings (1937-2002), Grateful Dead, Loretta Lynn, Kenny Rogers (1938-2020) e The First Edition, Gordon Lightfoot, Dolly Parton, Miranda Lambert, Olivia Newton -John, Vicki Britton e Johnny Cash (1932-2003).
De todas as apresentações de outros que cantaram a música, Kristofferson parece ter preferido a versão de Joplin. Em suas próprias palavras, ele descreveu o efeito de ouvir a performance dela pela primeira vez. “A primeira vez que ouvi a versão de Janis Joplin foi logo depois que ela morreu. . . . Depois, caminhei por Los Angeles, só em lágrimas. Eu não conseguia ouvir a música sem realmente terminar.” A música sempre o lembrava dela: “Cada vez que canto, ainda penso em Janis”.
A ideia da balada foi do fundador e produtor da Monument Records, Fred Foster, que disse que o argumento decisivo foi que a música era sobre uma mulher: “Bobby McKee é ela”. Kristofferson, que confundiu “McGee” com “McKee”, diz que “nunca escreveu uma música sob encomenda”, mas concordou em levar em consideração a sugestão de Foster.
O ritmo de outra música, “Why You Been Gone So Long”, de Mickey Newbury (1940-2002), sugeriu a métrica de “Me and Bobby McGee”, e o filme de Federico Fellini (1920-1993), La Strada (1954), deu a Kristofferson a ideia do tema da música.
No filme de Fellini, um motociclista abandona a namorada na beira da estrada. Anos depois, ao encontrar outra mulher tocando no trombone uma música que sua namorada tocava quando estavam juntos anos antes, o motociclista pergunta onde ela ouviu a música. Uma jovem que apareceu do nada e depois morreu, desconhecida, costumava cantá-la, diz ela.
“Para mim”, diz Kristofferson, “essa foi a sensação no final de ‘Bobby McGee’. A espada de dois gumes que é a liberdade. Ele estava livre quando deixou a garota, mas isso o destruiu. Foi daí que veio a frase ‘Liberdade é apenas outro nome para nada a perder’.”
A própria Joplin fez outra alteração na música de Kristofferson. Ele transformou Bobby em uma mulher; ela o transformou de volta em um homem.
7 “Bola e corrente”
Joplin também cativou o público com sua versão de “Ball and Chain” (1968), uma canção sobre um relacionamento romântico problemático. Seus vocais, cheios de angústia, revelam a alma torturada de uma mulher apaixonada que não tem certeza de que seus sentimentos sejam totalmente correspondidos. Pode-se ouvir, nos lamentos e gritos de Joplin, a agonia da dúvida e a luta de uma mulher para aceitar um relacionamento em desintegração, possivelmente encerrado.
Como no caso de “Me and Bobby McGee”, esta canção, embora popularizada pela versão de Joplin, foi escrita por outro músico, o fenômeno do blues Willie Mae (“Big Mama”) Thornton (1926-1984), a quem Joplin considerava como uma espécie de mentor.
Embora “Ball and Chain” não tenha sido o grande sucesso de Thornton como provou ser para Joplin dois anos depois de Thornton cantar a música, a interpretação de Thornton também emocionou o público. Na verdade, alguns críticos preferiram o desempenho de Thornton ao de Joplin. De acordo com Notable Black American Women, Book II, editado por Jessie Carney Smith, “o desempenho de Joplin sempre foi cultivado e trabalhado, [enquanto] o de Thornton vem direto do coração com um soco na barriga [e] sempre contém um elemento de perigo. ”
Durante uma apresentação em 1979, Thornton, então doente, cantou a música como parte de sua aparição no San Francisco Blues Festival, onde, segundo o crítico Richard Cohen, foi o “ponto alto de seu set”, durante o qual ela “cantou, gemeu , gritou e fez tudo o que havia para fazer com uma música ”e foi recompensado com uma ovação de pé.
6 “Espuma”
Em sua autobiografia, Somebody to Love?: A Rock-and-Roll Memoir, escrita com Andrea Cagan, Grace Slick relata a origem de sua canção “Lather” (1968). Depois de uma noite romântica com seu “amante”, o baterista do Jefferson Airplane, Spencer Dryden (1938-2005), ela escreveu a música como uma expressão, na perspectiva dos “filhos perpétuos”, da expectativa de um casal de atingir “a idade iminente de trinta anos”. .”
Parte da personalidade de Dryden parece ter sido incluída na descrição de Lather na música. Embora, escreve Slick, ele tivesse “tristeza nos olhos, ele ria com facilidade”, e Lather parece em parte triste e em parte divertido quando, na música, ele olha para seu companheiro, seus “olhos arregalados e claramente [diz], ‘É é verdade que não sou mais jovem?’” Ao mesmo tempo, a música em si tem um tom melancólico apropriado à apreensão dos jovens sobre a verdade de que a juventude não é um estado eterno.
5 “Cavaleiros na Tempestade”
Suave e melódico, com notas de piano e gotas de chuva, “Riders on the Storm” (1971), é caracterizado como um “épico hipnotizante de sete minutos”. A composição foi um esforço colaborativo no qual Robbie Krieger, o guitarrista dos Doors, e Jim Morrison (1943-1971), o carismático vocalista da banda, estavam riffs da canção country-western do ator e compositor Stan Jones, “Riders in the Sky: Uma lenda do cowboy. O tecladista Ray Manzarek (1939-2013) “propôs a linha de baixo e a parte do piano” e o “estilo jazzístico” da música.
Morrison já havia elaborado a narrativa sobre um serial killer que também é mais do que simplesmente um assassino que pede carona. Como Manzarek explicou: “Jim. . . não queria completar a música apenas sobre um caroneiro assassino.” O verso final da música sugere que, embora a vítima não ocupe mais seu corpo, sua “vida essencial nunca terá fim, e o amor é a resposta para todas as coisas. Isso dá à música uma perspectiva diferente.” Na época em que a música foi escrita, seu personagem central, acrescenta ele, “estava muito à frente de seu tempo”.
4 “Névoa Roxa”
A música de “Purple Haze” (1967) de Jimi Hendrix (1942-1970) é uma mistura de efeitos, apontam Harry Shapiro e Caesar Glebbeek, autores de Jimmy Hendrix: Electric Gypsy, e inclui “técnicas de cordas abertas,. . . intervalos de quinta achatados, martelos e pull-offs em execuções de nota única criando sons modais e o famoso ‘Hendrix Chord’ – a nona afiada”, que, juntos, contribuem para seus “sons metálicos sujos, brutos e angulares”.
A letra da música, “escrita no andar de cima do camarim [de um clube], incluía “cerca de mil palavras”, disse Hendrix, ao sugerir, com desagrado, que o número deles havia sido cortado, uma acusação que o produtor Chas Chandler (1938-1996) ) negou, embora admitisse que, em geral, as letras das outras músicas de Hendrix eram frequentemente “editadas”. Embora Hendrix não visse a necessidade de manter as músicas curtas e “tendesse” a escrever músicas com “seis ou sete minutos” de duração, elas eram frequentemente encurtadas para metade dessas durações durante a produção, o que Chandler e seus associados consideraram melhorias. Embora um dos versos da música diga “’Scuse me while I Kiss the Sky”, durante os shows, Hendrix às vezes mudava de brincadeira “o céu” para “esse cara”, indicando o baterista Mitch Mitchell.
Embora muitos vejam a música como uma descrição mais ou menos disfarçada de uma experiência com LSD, Shapiro e Glebbeek não estão inclinados a vê-la como tal. Os versos existentes da música são, segundo Hendrix, apenas parte de um conjunto muito mais longo de letras, então a interpretação de seu significado é problemática, especialmente porque Hendrix dava uma resposta diferente cada vez que era questionado sobre a origem da música.
Além disso, tal leitura não levaria em conta as fontes que Hendrix alegou como inspirações, incluindo um sonho que teve durante o qual “estava andando no fundo do mar”, uma experiência que teve com “uma garota que tentou enredá-lo com vodu”. durante seu início. . . dias”, outras “experiências da vida real”, “imagens e temas” de livros de mitologia e ficção científica que ele leu e “interpretações alegóricas” de eventos históricos envolvendo migrações de “tribos pré-históricas” e contos Hopi da Mulher-Aranha, seus equivalente a Eva, que “nasceu na água” sob uma luz difusa que se assemelhava, para seus filhos, a “uma Névoa Púrpura”.
3 “Eu sempre vou te amar”
Os muitos projetos e atividades da talentosa grande música country Dolly Parton incluem cantar, tocar instrumentos musicais e escrever canções, uma das quais, “I Will Always Love You”, foi aclamada não apenas por ela, mas também por Whitney Houston ( 1963-2012), a versão deste último do hit sendo preferida por muitos, incluindo a própria Parton.
Composta como uma canção de despedida para Porter Wagoner (1927-2007), mentor e parceiro de negócios de Parton, depois que Parton começou a trabalhar sozinho aos 28 anos, a canção foi bem quando ela a cantou em 1972, mas ela deve ter conhecido por certa do grande sucesso que ela tinha em mãos quando Elvis Presley (1935-1977) pediu permissão para gravar sua versão de sua música. Infelizmente, o empresário de Presley, Tom Parker (1909-1997), apresentou termos que seriam um obstáculo para Parton, insistindo que Presley “ficasse com metade da publicação”.
Uma década depois, em 1982, Parton regravou a música, e ela novamente liderou as paradas. Dez anos depois, voltou ao topo e lá permaneceu por meses, quando Whitney Houston, dando um toque romântico à letra, cantou a música da trilha sonora de O Guarda-Costas, no qual ela estrelou, ao lado de Kevin Costner.
2 “Eu quero segurar sua mão”
Os Beatles abalariam o mundo com canções como “Michelle” (1965), “Nowhere Man” (1966), “Eleanor Rigby” (1966), “Penny Lane” (1967), “Strawberry Fields Forever” (1967), “ Tudo que você precisa é amor” (1967), “Lucy no céu com diamantes” (1967), “Lady Madonna” (1968), “Ei, Jude” (1968), “Revolução” (1968), “Volte” (1969), “A Day in the Life” (1978) e uma série de outros sucessos. A carreira de dez anos da banda começou com uma música simples, “I Want to Hold Your Hand” (lançada na Inglaterra em 1960).
Qual é a história por trás da música que lançou a carreira de um dos grupos de rock and roll mais famosos de todos os tempos? De acordo com o The Billboard Book of Number 1 Hits, de Fred Bronson, embora os Beatles fossem um sucesso na Inglaterra, ainda em 1963, a banda simplesmente não parecia, para seu empresário, Brian Epstein (1934-1967), ser ganhando qualquer força nos Estados Unidos. Epstein vinha tentando gerar algum interesse na banda com a Capitol Records, mas os executivos da empresa não viam futuro para os mopheads nos Estados Unidos: “Não achamos que os Beatles farão alguma coisa neste mercado”, disseram-lhe, quando eles recusaram a oferta de lançar os singles da banda.
Paul McCartney e John Lennon (1940-1980), que escreveram “I Want to Hold Your Hand” no porão da casa da namorada de McCartney, a atriz Jane Asher, escreveram-na especificamente para lançamento nos Estados Unidos, dando-lhe um “som gospel. ” Epstein “levou uma cópia demo” para Nova York um dia depois de os Beatles terem feito uma apresentação de comando para a Rainha Mãe. O diretor de operações do leste da Capitol, Brown Meggs (1930-1997), gostou do que ouviu e agendou o lançamento da música para 13 de janeiro de 1964. Durante a viagem, o empresário também se encontrou com um caçador de talentos, que providenciou para que a banda tocasse em dois programas de TV americanos.
No entanto, a WWDC Radio em Washington, DC, superou a gravadora e o The Jack Paar Program da NBC, transmitindo uma cópia de “I Want to Hold Your Hand” que a estação havia adquirido de um comissário de bordo da BOAC. A resposta do público foi extremamente favorável e a Capitol mudou a data de lançamento para 26 de dezembro. A gravação alcançou o topo das paradas, vendendo 15 milhões de cópias em todo o mundo. Os Beatles finalmente se tornaram um “sucesso instantâneo” nos Estados Unidos.
1 “Lua de Concentração”
Para o irreverente brincalhão Frank Zappa (1940-1993), as vacas sagradas não existiam. Qualquer tipo de hipocrisia, pretensão, farsa ou outra tolice era um alvo aceitável para suas letras, como sugerido pelo álbum We’re Only in It for the Money (1968) do The Mothers of Invention, cuja capa é em si uma paródia de o sargento dos Beatles. Álbum Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967).
Durante as décadas de 1960 e 1970, Zappa viu problemas e perigos tanto do lado do Estado conservador como do lado dos seus desafiantes independentes. O álbum não busca encontrar um equilíbrio ou compromisso entre eles, mas aponta as limitações e perigos de ambos.
Cada uma das músicas do álbum aborda algum aspecto da contracultura ou do estilo de vida hippie ou da cultura dominante contra a qual supostamente se rebela. “Quem Precisa do Corpo da Paz” ataca “hippies falsos”; “Mom & Dad” acusa autoridades sociais, como a polícia e funcionários do governo, mas também os pais; “Bow-Tie Daddy” satiriza pais ausentes e viciados em trabalho; embora “Harry, You’re a Beast” tenha sido visto como misógino, também pode ser visto como uma condenação de atitudes sexistas e do “privilégio masculino”; outras canções atacam outras deficiências e abusos tanto da cultura dominante como da contracultura.
Uma dessas canções é “Concentration Moon”, que se baseia na teoria da conspiração de que o presidente Ronald Reagan (1911-2004) planejou encarcerar hippies nos campos que foram usados para aprisionar cidadãos nipo-americanos durante a Segunda Guerra Mundial.
De acordo com Kelly Fischer Lowe, autora de The Words and Music of Frank Zappa, a música “conta essa história em um estilo bobo de canto de cervejaria, completo com estilos de piano e uma pseudo banda de metais tocando ao fundo. ” Esta canção, que é dirigida contra “o crescente autoritarismo do Estado” que Zappa temia estar testemunhando, é uma condenação direta de tais táticas, que “contrariam. . . cada parte da composição ideológica de Zappa.”
