Um milhão de dólares é muito dinheiro para a maioria das pessoas, especialmente quando é gasto em um único item. No entanto, as pinturas desta lista valem ainda mais para os colecionadores que as compraram, principalmente em leilões – em alguns casos, muito mais.
Surpreendentemente, estas obras de arte multimilionárias, muitas das quais não são de pintores cujos nomes são bem conhecidos do público, podem deixar muitos a perguntar-se quem em sã consciência pagaria alguma coisa, muito menos milhões, por tais peças. de – bem, arte.
É claro que a arte é subjetiva e os gostos das pessoas às vezes diferem muito. Ainda assim, a maioria de nós não conseguirá resistir a coçar a cabeça, ponderando como essas pinturas chegaram a custar pelo menos uma fração de seus preços de venda. Julgue por si mesmo: alguma dessas pinturas multimilionárias vale o dinheiro que os colecionadores pagaram pelo duvidoso privilégio de possuí-las?
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10 Sem título de Robert Ryman
Dependendo do quadro de referência de uma pessoa, algumas das pinturas do pintor minimalista americano Robert Ryman (1930-2019) parecem um pedaço de estuque colado em uma superfície retangular ou uma torradeira quadrada coberta com glacê branco e manchada com mofo verde.
Aparentemente, Ryman gostou tanto da pintura que a recriou inúmeras vezes, substituindo cores diferentes para criar o efeito “mofado” que desenvolveu em 1953 como um artista iniciante, usando óleo sobre tela para experimentar a técnica. Como aponta Suzanne Hudson, Ryman tornou-se “conhecido por produzir dezenas de quadrados brancos”, embora nem todos os seus quadrados sejam brancos, já que ele também usava cores ocasionalmente.
Havia uma razão para esta repetição de (principalmente) quadrados brancos. Ryman não estava preocupado em criar trabalhos representacionais. “Ele não estava interessado em compor um quadro”, explica Hudson, “mas em esclarecer o processo”. Ele queria aprender como a tinta funcionava. Ele também queria reduzir o espaço físico entre uma pintura e a parede onde ela estava pendurada. Para tanto, em uma experiência técnica, o minimalista pintou sua obra diretamente na parede. Embora fosse um pintor inovador e um artista conceitual, o trabalho de Ryman sempre pareceu retornar à sua experiência inicial com quadrados pintados, brancos ou não. [1]
Alguns podem parecer tortos diante da fixação do artista. Ainda assim, não há como negar que seus “quadrados brancos” valem muito dinheiro para alguns colecionadores, um dos quais pagou US$ 15 milhões por um dos retângulos de lados iguais, e ele nem tinha título – a menos que Sem título conte como um.
9 Ponto por Brice Marden
O artista americano Brice Marden (1938-), outro minimalista, também produziu uma série de pinturas quadradas, parecendo, durante algum tempo, tão fixado quanto Ryman tinha sido obcecado pelas suas próprias partituras de quadrados brancos. Como Roberta Smith aponta em sua resenha do trabalho de Marden: “Ao longo da década de 1970, Marden manteve sua fórmula de uma tela/uma cor com devoção monástica”.
No entanto, ao contrário dos quadrados de Ryman, os lados dos retângulos de Marden não têm comprimentos iguais. Os lados superior e inferior têm normalmente o dobro do comprimento dos lados direito e esquerdo. O próprio retângulo pode ser dividido em terços, cada um dos quais pode ter uma cor diferente, como em For Pearl (1970), ou diferentes tonalidades de uma única cor, como em Point (1969). É especialmente impressionante que uma das primeiras obras de transição de Marden, Point, tenha sido vendida em leilão por mais de 6 milhões de dólares ! [2]
8 Concerto Spazale, Atestado de Lucio Fontana
Doze linhas diagonais justapostas em alturas e comprimentos variados, algumas finas e claras, outras ligeiramente mais grossas e escuras, parecendo mais barras do que pinceladas calculadas de pincel, compõem a totalidade do Concerro Spizale (Conceito Espacial) do argentino-italiano Lucio Fontana, um em uma série de telas monocromáticas semelhantes. A sucessão de pinturas, disse o artista, constitui “uma arte para a Era Espacial”. E parece um pouco com o tipo de pintura que George e Jane Jetson poderiam ter na parede de sua casa semelhante à Stratosphere em Las Vegas ou que o Sr. Spock emolduraria na parede de sua nave estelar Enterprise.
A ideia para sua arte da Era Espacial resultou de uma espécie de acidente. Segundo um esboço biográfico do pintor, em 1948, durante “uma fúria, Lucio Fontana (1899-1968) destruiu uma pintura perfurando sua tela. A partir deste ato de destruição, formou-se um novo conceito de arte” pelo qual conseguiu um efeito tridimensional não pela tradicional técnica trompe d’oeil, mas perfurando e rasgando a superfície da tela para atrair a atenção para o espaço atrás e antes disso. Seu Concerro Spizale se divide em dois tipos: Bucchi, em que furos na tela produzem os efeitos, e Tagli, em que golpes de faca cumprem o mesmo propósito. [3]
O estilo inovador do fundador do Espacialismo exige preços elevados. Em um leilão da Sotheby’s, uma das pinturas de sua série Concerro Spizale foi vendida por incríveis US$ 12,78 milhões !
7 Fogo Negro I (1961) de Barnett Newman
No início de sua carreira, o artista americano Barnett Newman (1905-1970) fez experiências com o surrealismo, período durante o qual usou “zíperes”, ou linhas verticais finas, para dividir as áreas coloridas de suas pinturas. A declaração de Newman sobre a inspiração religiosa de seu trabalho pode explicar os títulos de algumas de suas primeiras obras, como Adão e Eva, Uriel e Abraão e de sua série Estações da Cruz. “Qual é a explicação do impulso aparentemente insano do homem para ser pintor e poeta”, pergunta Newman, “se não for um ato de desafio contra a queda do homem e uma afirmação de que ele retorne ao Jardim do Éden? Pois os artistas são os primeiros homens.”
O artista também se interessou em criar obras que não dependessem da representação de formas humanas ou paisagens. Ele queria, em vez disso, evitar “a tradição europeia de arranjo pictórico formal”. A sua solução foi evitar apresentar uma “figura” dominante num contexto recessivo. Para tanto, a tela sobre a qual está pintado Black Fire I (1961) é dividida ao meio. O lado esquerdo é preto; o lado direito, bege claro. À esquerda do centro, uma fina linha vertical preta separa ainda mais o lado bege da pintura, de modo que parece que tanto o preto quanto o bege se estendem um no território do outro, lutando para possuir a tela inteira. [4]
Em maio de 2014, Black Fire I foi vendido a um proprietário privado em um leilão lotado da Christie’s por US$ 84,2 milhões , mais de US$ 30 milhões a mais do que a casa de leilões havia previsto!
6 Composição Suprematista (1916) de Kazimir Malevich
A composição suprematista do vanguardista soviético Kasimir Malevich (1879-1935) chama a atenção pelo design, que apresenta cores vibrantes e uma composição diagonal em que formas retangulares parecem flutuar, suspensas no ar.
Parte de uma série chamada Composição Suprematista, sua pintura de 1916 com o mesmo título, como muitos outros trabalhos do artista, mostra um fascínio por formas geométricas e precisão que “encorajou seus seguidores a examinarem as perspectivas supremacistas por si próprios”, escreve John Milner em Kazimir . Malevich e a Arte da Geometria . Um dos seguidores de Malevich, de fato, limitou-se ao uso de um compasso e de uma régua como meio de compor desenhos e pinturas. Apesar de seu fascínio pela geometria, o próprio Malevich preferia “deixar [suas formas] voar”. [5]
Seus seguidores não foram os únicos intrigados com a abordagem inovadora de Malevich à pintura. Composição Suprematista (1916) vendida em leilão da Sotheby’s por US$ 85,8 milhões !
5 Sem título de Jean-Michel Basquiat
Uma das obras sem título do artista americano Jean-Michel Basquiat apresenta um crânio preto disforme (com traços faciais delineados em branco, nada menos) flutuando em um céu azul ao lado de formas brancas que lembram vagamente edifícios. A pintura se parece muito com um graffito que um transeunte pode ver nas ruas de quase qualquer cidade do mundo. Ele ainda traz uma “etiqueta”, ou assinatura do grafiteiro, as letras “AG”, no canto inferior esquerdo da tela.
O que a pintura pretende sugerir é difícil de dizer. As imagens vistas através da testa do crânio, dentro de sua boca e através do que parece ser uma janela em uma das formas vagas de construção podem oferecer pistas, mas elas próprias são apenas formas e não representações de objetos ou sujeitos humanos. Como tal, são de difícil interpretação, o que pode ser a intenção do artista.
Não parece ser por acaso, porém, que a pintura se assemelha a um graffito; Jean-Michel Basquiat (1960-1988) foi um grafiteiro de Nova York e sua pintura não foi executada com óleo, mas com tinta spray. Embora a caveira possa não agradar a todos, a pintura mundialmente famosa de Basquiat inspira respeito entre os colecionadores – foi vendida por mais de US$ 110,5 milhões em 2017! [6]
4 Bandeira (1954–1955) por Jasper Johns
Bandeira é um título adequado para a pintura da bandeira americana de 48 estrelas, do expressionista abstrato americano Jasper Johns (1930-). A obra foi inspirada em um sonho que o pintor, soldado recém-dispensado, teve na noite anterior ao início da pintura. A obra, escreve Carolyn Lanchner, curadora do Museu de Arte Moderna de Nova York, é frequentemente comparada a Ceci n’est pas une pipe (Isto não é um cachimbo) do surrealista belga René Magritte.
No entanto, a relação entre a pintura de Johns e a de Magritte é antitética: enquanto a pintura do surrealista aponta para a fronteira entre a realidade e a ilusão… a pintura de Johns “colapsa a sua diferença”. Flag deu um choque ainda memorável ao mundo da arte. [7]
Em 2010, mais de meio século depois de Johns ter criado a obra, Flag deu outro “salto memorável” quando foi vendido em uma venda privada por um valor “ estimado” de US$ 100 milhões !
3 Obra-prima de Roy Lichtenstein
A obra-prima do artista pop americano Roy Lichtenstein (1962) simula um painel de quadrinhos mostrando uma mulher loira ao lado do homem de cabelos escuros que criou a pintura que eles admiram. Sua tez branca resulta dos pontos Ben-Day comuns ao médium. A pintura do painel do gibi traz um balão de diálogo indicando que a personagem feminina está falando. “Ora, Brad querido, esta pintura é uma obra-prima! Que coisa, em breve você terá toda Nova York clamando pelo seu trabalho!
Segundo o Art Institute of Chicago, ao criar sua pintura, Lichtenstein adaptou um painel real de história em quadrinhos, alterando tanto a imagem quanto o texto e mudando o cenário do interior do automóvel em que o casal dirigia enquanto “tinha uma conversa incômoda”. a uma galeria de arte onde a mulher elogia o artista. No painel dos quadrinhos, ela diz: “Mas um dia essa amargura vai passar”. A mudança no diálogo, observa o comentário do Art Institute of Chicago sobre a pintura de Lichtenstein, “é um aceno ao senso de humor de Lichtenstein sobre sua nova fama no mundo da arte”. [8]
O preço de venda da obra-prima deve ter colocado um sorriso no rosto do artista: Agnes Gund, presidente emérita do Museu de Arte Moderna, vendeu a pintura por impressionantes US$ 165 milhões !
2 Nº 6 (Violeta, Verde e Vermelho) (1951) por Mark Rothko
Em 1951, o pintor abstrato americano Mark Rothko (1903-1970) pintou o nº 6 (Violeta, Verde e Vermelho), que mostra faixas horizontais de violeta, verde e vermelho – ou vermelho-laranja, na verdade. Há muito mais na pintura do que aparenta. De acordo com uma explicação sobre a obra, que foi vendida por US$ 184 milhões , ela é uma das 36 peças do “Caso Bouvier” – uma batalha judicial em andamento entre o magnata russo Dmitry Rybolovlev e seu negociante de arte, Yves Bouvier.
Mais especificamente, o Caso Bouvier é uma série complexa de ações judiciais, de âmbito internacional, envolvendo alegações de que Bouvier fraudou Rybolovlev em milhões de dólares usando preços inflacionados ou documentos falsos para manipular “preços na venda de obras de arte” não apenas por Rothko mas também de Pablo Picasso, Amedeo Modigliani, Paul Gauguin, Edgar Degas e Leonardo da Vinci. O resultado, alegadamente, foi que as pinturas foram vendidas por muito mais do que o seu valor real de mercado. [9]
1 Intercâmbio (1955) por William de Kooning
O expressionista abstrato americano William de Kooning está no topo da nossa lista, seu Interchange de 1955 foi vendido por mais dinheiro do que qualquer outra pintura comprada antes de setembro de 2015. O vendedor foi a Fundação David Geffen e o comprador, o gestor americano de fundos de hedge Kenneth G. Griffin. Hoje, seu preço de venda permanece atrás apenas do Salvator Mundi de Leonardo da Vinci , vendido por US$ 450,3 milhões em novembro de 2017.
A obra de arte certamente faz muitos coçarem a cabeça maravilhados. Claro, é abstrato, parecendo uma colcha de retalhos confusa e um tanto mal definida de cores e formas que, mais do que tudo, tendem a confundir o espectador. Não é exagero sugerir que a confusão pode até deixar o corpo tonto. O que é exatamente o Intercâmbio? Felizmente, o artigo de Bart Barnes numa edição de 1997 do The New York Times oferece uma visão da confusão de De Kooning. “Suas pinturas oscilavam entre a representação e a abstração”, sugere Barnes. Então, se ainda não tivermos certeza do que estamos vendo, ele vem direto e nos diz: A “massa carnuda e rosada no centro [representa] uma mulher sentada”. [10]
Com este mistério resolvido, podemos passar para outro. Quanto Griffin pagou pelo privilégio de possuir a Interchange? (Rufar os tambores, por favor.) A pintura custou-lhe espantosos 300 milhões de dólares !
