A indústria cinematográfica já tem mais de um século – e nesse período, inúmeras tradições e piadas internas do cinema se desenvolveram. Eles variam de hábitos da indústria a cartões telefônicos pessoais de cineastas, que podem adicionar uma dose sólida de interesse àqueles que têm apetite por filmes.
Você deve ter notado que em filmes onde um número de telefone é falado ou de alguma forma visível, quase sempre começa com ‘555’. Isso remonta à década de 1960, quando algumas companhias telefônicas nos Estados Unidos criaram uma série de números de telefone fictícios para uso em filmes e programas de TV. Isso evitava que os clientes fossem assediados por terem, coincidentemente, o mesmo número de telefone que poderia aparecer em um filme. Na maioria dos casos, os filmes seguem esta diretriz – mas tome cuidado se você mora fora da América do Norte, porque o prefixo 555 só é protegido nessa região e pode ser um número de telefone válido em outros países.
Sally Menke foi uma editora de cinema que teve uma associação de longa data com Quentin Tarantino, trabalhando em todos os seus filmes até Bastardos Inglórios, antes de falecer em 2010. Editar um filme envolve muitas horas sentado em frente a uma tela, montando imagens brutas em sequência. e aparar qualquer gordura até que o filme tenha a aparência desejada. A filmagem bruta, além das performances obviamente pretendidas, muitas vezes inclui atores e equipe dentro e ao redor do set antes e depois da cena, por exemplo, o diretor chamando de “ação” e “corte”.
Como um gesto atencioso para Sally, trabalhando como escravo na edição preliminar, o elenco e a equipe muitas vezes acenavam para a câmera no início e no final da tomada e diziam ‘Olá, Sally!’ – às vezes adicionando uma mensagem própria para mantê-la divertida durante o trabalho.
Muitas vezes incluídas como um aceno para uma pequena parte do público, para serem ignoradas pelo resto, as aparições envolvem alguém importante fazendo uma aparição breve e inesperada em um filme, muitas vezes sem dizer uma única linha. Alguns diretores são particularmente conhecidos por isso – Alfred Hitchcock provavelmente mais do que ninguém, tendo participado de papéis na maioria de seus próprios filmes.
Quentin Tarantino também gosta de aparecer em seus próprios filmes – embora muitas vezes desempenhe um papel mais significativo, embora coadjuvante.
A Pixar, estúdio especializado em filmes de animação, desenvolveu uma tradição de fazer referência a seus próprios filmes, personagens e funcionários ao longo de seu trabalho. Isso começou quando ela estava produzindo animações curtas e continuou durante toda a sua produção.
Eu poderia explicar todas as referências, mas talvez fosse mais fácil fazer uma lista rápida: John Ratzenberger, o bar favorito de todos em Cheers, teve um papel em todos os filmes da Pixar desde que dublou o mal-humorado Hamm em Toy Story; os livros na estante do quarto de Andy em Toy Story levam nomes de curtas-metragens da Pixar; um brinquedo Buzz Lightyear é visível na cirurgia dentária em Procurando Nemo; um caminhão Pizza Planet (novamente de Toy Story) aparece na maioria dos outros filmes da Pixar; e a bola saltitante Luxo (de um de seus shorts) geralmente aparece em algum lugar no fundo.
Talvez a auto-referência mais fácil de identificar seja o texto ‘A113’. É uma referência à aula de animação que John Lasseter e Brad Bird frequentaram, e aparece em todos os filmes da Pixar e em alguns outros trabalhos dirigidos por Brad Bird. Você pode vê-lo em placas, números de série de objetos, números de trens, números de quartos e até mesmo nas palavras faladas de alguns personagens.
Apresentado na maioria dos filmes de John Landis é uma referência a um filme inexistente chamado ‘See You Next Wednesday’. Aparecendo pela primeira vez no filme Schlock em 1973, e depois em Blues Brothers, Trading Places, Twilight Zone (um filme parcialmente creditado como Alan Smithee – veja o número 2) e An American Werewolf in London, para citar alguns.
Alguns atores, intencionalmente ou não, tornam-se tão identificados com um tipo de personagem que acham difícil se separar e se tornarem conhecidos por qualquer outra coisa. Uma lista de exemplos pode incluir William Shatner como Capitão Kirk, Hugh Grant como o romântico inglês desajeitado ou Samuel L Jackson como o durão legal. No entanto, existem alguns atores que – embora não exclusivamente – parecem determinados a que seu personagem morra no maior número possível de filmes.
Gary Oldman, Michael Biehn, Leonardo DiCaprio, Robert De Niro, Steve Buscemi (que sempre parece ter mortes terríveis) e Gary Busey adquiriram o hábito de morrer antes dos créditos rolarem. Mas não consigo pensar em nenhum ator que tenha exibido seus tamancos na tela mais do que Sean Bean, que tem cerca de 20 mortes em filmes em seu nome. Isso inclui (alerta de spoiler!) Golden Eye, Patriot Games, O Senhor dos Anéis, A Ilha, Equilibrium, Outlaw, Essex Boys, Far North, Don’t Say a Word e The Field – o último dos quais o vê morto por uma vaca. Kenny, de South Park, certamente estaria perto do topo, se incluíssemos programas de TV.
Para tornar o processo de adição de efeitos sonoros um pouco menos tedioso, existem coleções de efeitos sonoros que os cineastas usam para atender a requisitos específicos. Um exemplo pode ser o som de um portão enferrujado se abrindo, uma explosão distante, um trovão… ou o estertor mortal de um vilão sem rosto.
Algo chamado ‘Grito de Wilhelm’ tornou-se um exemplo de áudio frequentemente usado sempre que o malvado capanga/soldado/espectador azarado encontra seu criador. Foi nomeado em homenagem ao personagem ‘Soldado Wilhelm’ do faroeste de 1953, The Charge at Feather River, embora tenha sido usado pela primeira vez dois anos antes em um filme chamado Distant Drums.
O Grito de Wilhelm foi popularizado pelo engenheiro de som Ben Burtt, que o usou inicialmente (e repetidamente) em Star Wars e em muitos outros filmes de George Lucas e Steven Spielberg. Vários outros cineastas começaram a usá-lo em seus trabalhos e agora ele se espalhou para a maioria dos filmes de ação e até mesmo para TV e videogames. Depois de saber como é o som, você começará a ouvi-lo em todos os lugares.
Desde que isso me foi apontado, não pude deixar de perceber. Os filmes parecem ter uma obsessão em usar imagens, sombras e planos de fundo laranja e azul em pôsteres e obras de arte. Li um pouco sobre a teoria das cores na arte – e de acordo com a roda de cores de Johann Wolfgang von Goethe, o azul e o laranja são complementares entre si. Assim como o vermelho e o verde, o amarelo e o violeta.
Quando utilizadas em conjunto, as cores complementares são naturalmente agradáveis esteticamente, o que é importante para atrair a atenção das pessoas para um filme através do seu pôster ou capa do DVD. Existem muitas interpretações sobre quais emoções exatamente o laranja e o azul pretendem evocar, mas alguns dizem que o laranja nos faz imaginar excitação e vitalidade, enquanto o azul tem um clima calmante e fresco. Seja qual for o seu significado, os promotores de filmes parecem acreditar que eles têm o efeito desejado – e se você olhar as capas da sua coleção de filmes, poderá encontrar um padrão emergente.
Quando o controle criativo de um filme é tirado de um diretor, ele pode pedir para ser creditado como ‘Alan Smithee’. Isso aconteceu pela primeira vez com o filme Death of a Gunfighter, de 1969, que foi inicialmente dirigido por Robert Totten, antes de ser assumido por Don Siegel depois que Totten foi demitido no meio da produção.
Nenhum dos diretores quis receber o crédito pelo filme e argumentou que o ator principal Richard Widmark foi o diretor de fato durante toda a produção. Para resolver o problema, a direção do filme foi creditada a Alan Smithee. Apesar de não ser uma pessoa real, ele permitiu que todos salvassem a aparência sem chamar a atenção, sendo o nome único e ao mesmo tempo comum.
As regras do Directors Guild of America também declaravam que os diretores que recebiam a proteção de um crédito de Alan Smithee não tinham permissão para discutir suas motivações para remover sua identidade de um filme na imprensa. Como consequência, Alan Smithee foi, por um tempo, considerado um diretor de verdade, embora eventualmente se espalhasse a notícia sobre o pseudônimo e seu verdadeiro propósito.
Ampliar a lucratividade de uma história fazendo sequências não é novidade. Os romances já faziam isso muito antes do cinema, com a primeira sequência do filme sendo Fall of a Nation em 1916, a continuação do nascimento de uma nação, tecnicamente brilhante, mas incrivelmente racista. Não há nada necessariamente errado com a ideia de sequências: algumas foram excelentes, incluindo O Poderoso Chefão II, Aliens, Toy Story 2 e O Cavaleiro das Trevas.
Às vezes, porém, a produção de sequências parece pouco mais do que um empreendimento comercial cínico (como ousam os estúdios de cinema querer ganhar dinheiro?!). Não tenho certeza se realmente precisávamos de Rocky V, Jaws: The Revenge ou Oceans 13. O mesmo vale para prequelas: Hannibal Rising e The Thing (2011) realmente não fizeram nada para elevar suas respectivas séries. Cada vez mais, também existe o hábito de espaçar uma série de filmes, com algumas sequências tendo as partes 1 e 2 (Harry Potter, Crepúsculo), ou sendo ampliadas em uma trilogia (O Hobbit), ou cada personagem recebendo seu próprio filme de introdução (O Hobbit). Vingadores).
