A busca por histórias de origem na música costuma ser uma busca incessante pela história. A arte raramente é criada no vácuo, o que significa que os músicos – por mais original que seja o seu trabalho – são inerentemente influenciados por outros que vieram antes deles. Mesmo as músicas mais recentes são, através das experiências dos seus compositores, em parte uma homenagem.
Existem, no entanto, certos músicos que se destacam como pioneiros – aqueles cujos talentos especiais ou estilos contra a corrente se tornaram pontos de premonição sobre o rumo que a música estava tomando. Quer isto significasse promover um género incipiente ou incorporar novas técnicas e instrumentos aos já existentes, aqui estão dez exemplos de músicos à frente do seu tempo, em ordem cronológica.
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10 Charlie Christian eletriza o jazz
Benny Goodman, o clarinetista de jazz cujas habilidades como líder de banda lhe valeram o apelido de “O Rei do Swing”, não estava convencido. Em 1939, seu grupo estava entre os mais populares dos EUA e ele não estava interessado em consertar algo que não estivesse quebrado. Então, quando um associado lhe pediu para considerar contratar um jovem músico talentoso – um aficionado pela nova guitarra elétrica – Goodman se mostrou desinteressado.
Felizmente para os fãs de jazz, insistiu o caçador de talentos John Hammond. Durante o intervalo de um show em Beverly Hills, Hammond, da forma mais clandestina possível, deslizou Christian para o palco e para dentro da banda. Quando Goodman percebeu, ele começou a tocar uma cantiga chamada “Rose Room” que ele presumiu que Christian não conhecia. Ele estava errado, e o lamento épico que se seguiu fez de Christian um membro da banda e, pouco depois, da guitarra elétrica um pilar popular no jazz a partir do início dos anos 1940.
Tanto “Rose Room” quanto “ Voo Solo ”, outro grande espetáculo de Christian com a Benny Goodman Band, exibiram o tipo de swing intuitivo e fluidez de notas únicas que definiram a contribuição da guitarra elétrica para o gênero. Notavelmente, sua forma de tocar também era decididamente parecida com uma trompa, tanto que as pessoas que o ouviam (mas não o viam) tocar muitas vezes pensavam que ele estava tocando saxofone. [1]
Infelizmente, Christian não pôde testemunhar a influência descomunal que teria no jazz. Morreu em 1942, de tuberculose, com apenas 25 anos.
9 John Fahey: Simplicidade Complexa
A música do violonista John Fahey foi além do original e único; foi totalmente estranho. O equivalente auditivo da noite das sobras, seu estilo basicamente jogava tudo em uma panela, misturava seus sabores díspares e servia. Começando com uma base de folk e blues – na verdade, o estilo de Fahey foi descrito como American Primitive, [2] um termo cunhado para definir um estilo autodidata e minimalista proeminente nesses gêneros – sua música incorporou tudo, desde ragas orientais e cósmicos. psicodelia até notas fúnebres clássicas modernas e misteriosas.
Apesar da miríade de influências, o som em si era oximoronicamente simples: às vezes inventado na hora, o brilho de Fahey normalmente tocava em um violão de cordas de aço desacompanhado. As improvisações complexas, mas graciosas, que Fahey afirma incorporarem elementos psicológicos e espirituais, fizeram com que muitos o vissem como um dos fundadores de um subgênero conhecido como música New Age. [3]
Fahey, o homem, era tão estranho quanto Fahey, o músico. Seu senso de humor sombrio incluía a adoção de um alter ego, Blind Joe Death (que também era o título de seu álbum de estreia de 1959), e o hábito de títulos de músicas esquizofrênicas como “The Waltz That Carried Us Away And Then A Mosquito Came and Then A Mosquito Came and Comi minha namorada.
8 James Jamerson: o baixista elétrico que impulsionou a Motown
“James quem?” você pergunta? James Jamerson: o pioneiro do baixo elétrico há muito tempo desconhecido que, junto com sua banda de estúdio, The Funk Brothers, tocou em mais discos de sucesso do que The Beatles, The Rolling Stones, The Beach Boys e Elvis Presley… juntos. [4]
Você pode não reconhecer o nome de James Jamerson… mas reconhece James Jamerson. Pense no riff de baixo que abre “You Can’t Rush Love” do The Supremes ou “My Girl” do The Temptations. Aquele belo ritmo estrondoso que domina o palco antes do cantor começar a cantar… esse é James Jamerson.
Antes de vir para a Motown, Jamerson tocava jazz – um gênero em que aperfeiçoou um estilo de tocar corajoso e enérgico que ajudou tantos sucessos a estourar nas ondas do rádio. Tão prolífico quanto talentoso, Jamerson participou de uma ampla gama de sucessos do apogeu da Motown, mas, devido ao hábito da gravadora de manter seus músicos nas sombras, nem sequer foi listado em um álbum até que o megastar Marvin Gaye se certificou de receber o crédito. para “ O que está acontecendo ”.
Jamerson foi um dos primeiros a se desviar de seus contemporâneos baixistas, que geralmente se apegavam a raízes e quintas mais convencionais. [5] Ao percorrer um território harmônico mais aventureiro, Jamerson criou linhas de contraponto com vocalistas – uma inovação que levou ao seu merecido apelido: The Hook.
7 Black Sabbath: pioneiros do metal viraram megastars
É tentador ser contra a popularidade e voltar atrás em Ozzy e seus companheiros de banda para encontrar alguns exemplos misteriosos de headbangers agora obscuros. Mas às vezes aqueles que fizeram isso primeiro fizeram bem o suficiente para se tornarem megastars; tal foi o caso do Black Sabbath. Embora riffs de guitarra profundos e cantos gritados já existissem antes de 1970 – Jimi Hendrix, The Who – foi o Black Sabbath quem, de acordo com o jornalista musical Noah Lefevre, “mostrou ao mundo o que era o metal”. [6]
O álbum de estreia autointitulado do grupo – lançado em 13 de fevereiro de 1970 (propositalmente ou não, uma sexta-feira) – alcançou o top 10 na UK Albums Chart e alcançou a posição # 23 na US Billboard Chart. Na verdade, o álbum foi tão bem que seu sucessor, Paranoid, foi adiado porque seu antecessor ainda estava vendendo.
Valeu a pena esperar: de acordo com Steve Huey do AllMusic, Paranoid – que contou com os sucessos lendários “Iron Man” e o anti-Vietnã “War Pigs” – foi “um dos maiores e mais influentes álbuns de heavy metal de todos os tempos”, que “ definiu o som e o estilo do heavy metal mais do que qualquer outro disco na história do rock.”
O sucesso comercial imediato do Black Sabbath tornou-se ainda mais impressionante porque, de uma forma verdadeiramente inovadora, os primeiros trabalhos da banda receberam críticas negativas de muitos críticos musicais. Isso incluiu a Rolling Stone, que perdeu completamente o foco do gênero nascente ao chamar o álbum de estreia de “discordante”, “velocitizado” e “nunca encontrando sincronia”. Bem, duh.
6 Kraftwerk: música dos anos 80 nos anos 70
Muitas épocas têm atos que pareciam prever o rumo que a música está tomando. Um bom exemplo é REM, uma banda que estourou no auge do glam rock das bandas de cabelo dos anos 1980 com uma vibração alternativa que apontava tendências. No entanto, a banda alemã Kraftwerk pode ser o exemplo mais nítido de clarividência que antecipa uma década, não por causa do seu talento descomunal, mas sim pela época em que o fizeram.
Em 1978, o disco era rei, e uma contracultura musical compreensivelmente enojada gravitou em torno do punk rock como seu oposto polar; você não pode ficar muito mais distante do que Bee Gees e Ramones. No meio estava uma mistura de new wave e rock & roll tradicional. Ninguém estava realmente capturando aquele cartão de visita notável da década de 1980: pop cafona e alegre.
Os anos 70 realmente não tiveram um momento de Safety Dance: um hit idiota, mas estranhamente atraente, proporcionando uma prévia do pop brega, mas cativante dos anos 80. Mas teve o Kraftwerk – que, apesar do sucesso comercial mediano, [7] é considerado pioneiro da música eletrônica. Acima está uma joia particularmente estranha de 1978, chamada Die Roboter.
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5 Loira: Herói do Hip-Hop?
Como a maioria dos gêneros, o hip-hop tem muitos pioneiros ao longo de seu caminho do underground ao mainstream. Indiscutivelmente a mais proeminente dessas influências foi uma música que, em 1979, ajudou a dar nome ao gênero; esta foi “Rapper’s Delight” do Sugarhill Gang, cujo riff de abertura levou os fãs às lojas de discos pedindo “aquela música de ‘hip hop’”. O hino alcançou a quarta posição na parada da Billboard e foi elogiado pela US National Public Radio como uma das canções mais influentes do século XX. [8]
Uma fã menos provável da chama incipiente do hip-hop era uma garota branca chamada Debbie Harry, vocalista da banda punk que virou new wave Blondie. Curiosamente, Harry realmente tinha uma conexão com Rapper’s Delight: em 1978, Blondie estava se apresentando com o grupo funk Chic em Nova York, quando vários membros do Sugarhill Gang começaram a fazer freestyle sobre “Good Times” do Chic, cujo baixo se tornou a batida do hit rap.
No ano seguinte, Blondie lançou “Rapture”, creditado como o primeiro grande sucesso do hip-hop a usar música original [9] em vez de batidas sampleadas. Impulsionada pelo canto cadenciado de Harry, Rapture também se tornou a primeira música número 1 a incorporar um elemento de rap.
Infelizmente, as habilidades de mestre de cerimônias de Harry fazem Vanilla Ice parecer Biggie Smalls. De acordo com songfacts.com, [10] “O rap de Harry é tão bobo que parece que ela poderia estar zombando do gênero.” No entanto, durante os primeiros dias do hip-hop, o tipo de letra simples e aleatória, como “o homem de Marte comendo carros” de Harry, era típica da arte ainda em evolução.
4 Escolar D
Cinco anos depois de Blondie ter lançado rimas memoráveis como “and you get in your car and you drive real far”, Jesse Bonds Weaver Jr., nascido na Filadélfia, também conhecido como Schoolly D, deu ao hip-hop um tom mais ousado que refletia melhor a vida de minorias urbanas na América. Misturando realismo empobrecido com violência, uso de drogas e uma pitada de bravata sexual, Schoolly D é considerado por muitos o fundador do gangster rap.
Entre o trio de singles do álbum de estreia autointitulado de Schoolly D em 1985 estava “PSK What Does It Mean?” Significava Park Side Killas, uma gangue de rua à qual Schoolly D era afiliado. Em um estilo de contar histórias agora enraizado no gênero, Schoolly D convida os ouvintes enquanto fuma maconha, transa e ameaça atirar em um “mano idiota” tentando chutar rimas tão novas quanto as dele.
Vários rappers gangster nomeiam Schoolly D como uma inspiração importante, incluindo Ice T, Public Enemy e NWA. No entanto, embora seu assunto estivesse à frente de seu tempo, as habilidades de rap de Schoolly D não estavam; típico de meados da década de 1980 – ainda na infância do hip-hop – suas canções compreendem em grande parte rimas simples, muitas vezes desajeitadas, que não se comparam a lendas como Ice Cube, Biggie Smalls e Tupac Shakur, que logo adotariam o gangster rap completamente para o mainstream. Schoolly D gravou um total de oito álbuns, nenhum dos quais obteve sucesso comercial.
3 Edie Brickell: Seattle passando pelo Texas
Talvez a prévia mais heterodoxa do som de Seattle dos anos 1990 tenha sido fornecida por uma mulher do Texas. Em 1988, a banda de rock alternativo Edie Brickell & the New Bohemians lançou seu segundo álbum, Shooting Rubberbands at the Stars . O álbum alcançou a posição # 4 nos EUA, e seu primeiro single, “What I Am”, alcançou o Top 10 na parada da Billboard dos EUA.
Filmar Rubberbands não é exatamente grunge, mas certamente não é metal ou glam rock. Ele se destaca orgulhosamente sem gênero entre seus contemporâneos, um álbum com músicas que dizem “talvez possamos ser um pouco mais discretos e vestidos aqui”. O vídeo de “What I Am” reforça essa frieza refrescante, apresentando Brickell circulando em um palco simples, sem o cabelo despenteado, as roupas com estampa de leopardo e a pirotecnia comum nos vídeos daquela época.
Embora certamente pioneiros, Brickell e sua banda tiveram boa companhia. Naquele mesmo ano, a banda inovadora de Perry Farrell, Jane’s Addiction, lançou seu primeiro grande álbum de estúdio, Nothing Shocking, apresentando o clássico hit “Jane Says”. Enquanto isso, o Red Hot Chili Peppers, embora ainda sem sucesso comercial, lançou três álbuns em 1987.
2 Rage Against the Machine: Hip-Hop encontra Hard Rock
Assim como o Black Sabbath no gênero heavy metal, o Rage Against the Machine é a primeira e melhor banda que seu gênero, rock-rap, já viu. Claro, considerando que seus concorrentes neste gênero de mashup incluem Limp Bizkit e Lincoln Park, inspiradores de protetores de ouvido, isso não é exatamente uma afirmação controversa.
Com batidas derivadas do funk, a habilidade de guitarra de grande calibre de todos os tempos de Tom Morello [11] e o raivoso reality rap do vocalista Zack de la Rocha, o RATM soou diferente de qualquer coisa antes dele, tão relevante quanto qualquer banda durante sua década. -longo prazo e totalmente melhor do que qualquer banda que tentou combinar rock e rap desde então. Lançado no final de 1992, durante o auge da era grunge – e quando os jovens brancos estavam começando a comprar música rap em massa – o álbum de estreia autointitulado da banda alcançou o primeiro lugar na parada da Billboard dos EUA com a força de sucessos como “Killing in o Nome”, “Bala na Cabeça” e “Recuperar o Poder”.
Não foi apenas o estilo da banda que se afastou totalmente dos Nirvanas e Pearl Jams do mundo. Em meio a um mar de música alternativa introspectiva e gangster rap violento, o cartão de visita do RATM era o vitríolo justo, com o jogo de palavras inventivo de de la Rocha vomitando veneno contra o tratamento dado pelo governo dos EUA às minorias (especialmente os nativos americanos), à ganância corporativa e à supremacia branca. RATM influenciou muitas bandas associadas ao subgênero “Nu Metal”, popular em meados da década de 1990, principalmente Korn.
1 Mann vs Máquina (Música)
Exceto por sua passagem como cantora da banda dos anos 80, Till Tuesday, Aimee Mann pode ser a melhor musicista da qual a maioria das pessoas nunca ouviu falar. Depois de partir do Till Tuesday como um new waver de cabelos espetados no espírito de Cyndi Lauper, Mann se voltou para o folk-rock e para o interior da música; seus dois primeiros álbuns solo, “Whatever” de 1993 e “I’m With Stupid” de 1995, receberam elogios da crítica, mas não tiveram sucesso comercial.
Mann então fez algo verdadeiramente inovador: ela disse a três grandes gravadoras – Imago, Geffen e Interscope – para irem para o inferno, e não apenas viveu para cantar a história, mas também aumentou significativamente sua popularidade. Ela se tornou, de acordo com o Washington Post, Her Own Mann, [12] uma rebelde do rock leve que começou a atrair o público tanto por seu desafio ao chá no porto quanto por sua habilidade como cantora/compositora.
Em 1999 – mesmo ano em que fundou sua própria gravadora, a Superego – Mann foi indicada ao Oscar por “Save Me” (acima), da trilha sonora do filme Magnólia . Desde então, ela lançou sete álbuns solo e, desafiando o Pai Tempo e também as convenções, melhorou com a idade: seu último lançamento, Mental Illness, de 2017, ganhou um Grammy de Melhor Álbum Folk.
Apesar de não ter registado exactamente nenhum dos dez maiores sucessos [13] na sua carreira, Mann, que completa 60 anos este ano, ainda lota salas de concerto no seu país natal, os EUA e no estrangeiro – um raro exemplo de uma artista feminina que prospera apesar de desprezar a máquina musical moderna.
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