Muitos cineastas desenvolvem uma marca. O público vê o nome de um diretor e sabe que pode esperar um certo tipo de experiência de entretenimento. Quando cada mestre do cinema abaixo saltou para algo surpreendentemente diferente, o resultado poderia ser um sucesso artístico e comercial ou um fracasso igualmente espalhafatoso.
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10 Steven Spielberg
Steven Spielberg, de 28 anos, praticamente inventou o blockbuster de verão quando Tubarão (1975), seu segundo longa-metragem, mais que dobrou o faturamento de sua competição mais próxima. A partir daí, ele acumularia uma série incomparável de ação e sucessos baseados em CGI, incluindo Os Caçadores da Arca Perdida (1981) e suas sequências de Indiana Jones, ET o Extra Terrestre (1982) e Jurassic Park (1993). Mais tarde, ele se expandiu para ambiciosos dramas históricos como Amistad (1997), War Horse (2011) e Lincoln (2012), ganhando mais de vinte indicações ao Oscar de Melhor Diretor e/ou Melhor Filme, com vitórias por A Lista de Schindler (1993). e Salvando o Soldado Ryan (1998).
Depois de abordar os mistérios do universo em Contatos Imediatos de Terceiro Grau (1977), Spielberg desviou-se fortemente do curso com 1941 (1979), declarado em seu pôster como “Uma Comédia Espetacular!” Essa brincadeira exagerada não faltou talentos cômicos, com roteiro de Robert Zemeckis (que mais tarde criaria a trilogia De Volta para o Futuro ) e apresentando John Belushi, Dan Aykroyd, Ned Beatty e John Candy.
Seus personagens, alimentados pela paranóia na costa da Califórnia após o ataque a Pearl Harbor, destroem um salão de dança, uma roda gigante e quase tudo o mais à vista. Em outra mudança para Spielberg, as receitas de bilheteria caíram mais do que o avião de combate errante de Belushi, e ele não dirigiu outra comédia até o momento. [1]
9 Brian De Palma
Brian De Palma trabalhou principalmente como cineasta independente por mais de uma década antes de se tornar famoso com Carrie (1976). Dentro de alguns anos, o material promocional de Dressed to Kill (1980) o classificou como “Mestre do Macabro”. Scarface (1983), Body Double (1984), The Untouchables (1987) e Carlito’s Way (1993) consolidaram sua reputação de dramas que eram muitas vezes cheios de suspense, violentos, quentes ou todos os itens acima, com estrelas de primeira linha como Al Pacino, Michael Caine, Kevin Costner e Sean Connery.
Mas na primeira experiência de De Palma com uma produção de estúdio, ele dirigiu a improvável dupla de Tom Smothers e Orson Welles na comédia excêntrica Get to Know Your Rabbit (1972). Smothers (sem o irmão Dick) fez sua estreia na tela grande como um homem que abandona um trabalho de escritório insatisfatório para perseguir seu sonho de se tornar um mágico sapateador. Ele é orientado por Welles, que certa vez demonstrou suas habilidades mágicas na vida real ao levitar Lucy Ricardo em um episódio de I Love Lucy (1956).
odiou tudo o que De Palma fez, demitiu-o, refez cenas e refez o filme. Ainda insatisfeito, o estúdio arquivou o resultado por um ano e depois retirou-o dos cinemas após apenas algumas semanas de lançamento limitado. De Palma não trabalhou com outro grande estúdio até The Bonfire of the Vanities , que também fracassou. [2]
8 Blake Edwards
Não é de surpreender que Blake Edwards tenha começado no cinema brincando de rir no facilmente esquecível Bring Your Smile Along (1955). Ele conseguiu uma atualização significativa com Operação Petticoat (1959), estrelado por Cary Grant, antes de deixar uma marca indelével com A Pantera Cor de Rosa (1963) e suas primeiras sequências. Um toque dessa palhaçada chegou ao humor mais sofisticado de 10 (1979) e Victor/Victoria (1982), ambos apresentando sua esposa, Julie Andrews. O roteiro deste último rendeu a Edwards sua única indicação ao Oscar.
Em contraste, pouco antes de lançar a franquia Pantera Cor-de-Rosa , Edwards dirigiu dois dramas aclamados pela crítica, o comovente Breakfast at Tiffany’s (1961) e Days of Wine and Roses (1962), sobre um casamento destruído pelo alcoolismo. Um de seus primeiros colaboradores faria uma mudança de gênero literalmente horrível.
William Peter Blatty, o roteirista de Um tiro no escuro (1964), a segunda – e alguns diriam a mais engraçada – aventura do inspetor Clousseau, mais tarde escreveria O Exorcista . Sua adaptação cinematográfica produziu o maior sucesso de bilheteria de 1973 e rendeu a Blatty sua única vitória no Oscar. [3]
7 Martin Scorsese
Martin Scorsese é frequentemente associado a Robert De Niro ou Leonardo DiCaprio interpretando homens intensos fazendo coisas violentas e/ou imorais em filmes como Raging Bull (1980), Goodfellas (1990), Gangs of New York (2002), The Wolf of Wall Street. (2013) e, mais recentemente, Killers of the Flower Moon (2023). Esses filmes durões renderam a Scorsese quatorze indicações ao Oscar, com o prêmio de Melhor Diretor por Os Infiltrados (2006).
No entanto, entre Mean Streets (1973) e Taxi Driver (1976), Scorsese filmou uma história de amor discreta que se tornou uma pedra de toque feminista. Alice não mora mais aqui (1974) estrelou Ellen Burstyn como uma mãe recentemente viúva perseguindo seus próprios sonhos. Após sua atuação indicada ao Oscar em O Exorcista , a Warner Bros. deu a Burstyn o controle criativo sobre seu próximo projeto.
Ansiosa por trabalhar com um diretor promissor, ela entrevistou Scorsese. Preocupada com o fato de ele ter trabalhado principalmente com homens, ela perguntou o que ele sabia sobre mulheres e ele respondeu: “Nada, mas gostaria de aprender”. Scorsese deve ter sido um estudo rápido porque o filme rendeu a Burstyn a terceira de seis indicações ao Oscar e apenas a vitória, além de uma indicação para Diane Ladd em um papel coadjuvante. [4]
6 Sidney Lumet
Depois de anos de trabalho na TV, o salto de Sidney Lumet para a tela grande trouxe sua primeira de quatro indicações ao Oscar como Melhor Diretor pelo drama de tribunal Twelve Angry Men (1957). Ele seguiu com outras histórias contundentes em Fail Safe (1964), Serpico (1973), Dog Day Afternoon (1975) e The Verdict (1982).
Esse histórico de assuntos corajosos fez de Lumet uma escolha surpreendente para dirigir The Wiz (1978), baseado no grande musical da Broadway. A versão cinematográfica estrelou Diana Ross como Dorothy (apresentada como professora de jardim de infância do Harlem para se adequar à estrela de 34 anos), Michael Jackson como o Espantalho e Richard Pryor como o Feiticeiro. Apesar de seu premiado pedigree teatral e de um elenco de estrelas, o filme despencou, assim como o casamento de Lumet com a filha de Lena Horne, que apareceu como Glinda, a Boa. [5]
5 Stanley Kubrick
Stanley Kubrick fez filmes de proporções épicas, seja dirigindo o drama anti-guerra (1957), a sátira anti-guerra Dr. Strangelove ou: Como aprendi a parar de me preocupar e amar a bomba (1964), a extravagância de ficção científica de 2001: Uma Odisseia no Espaço (1968), ou o igualmente extravagante Laranja Mecânica (1971). Ele também ajudou a esmagar a última influência do Comitê de Atividades Antiamericanas da Câmara em Hollywood, insistindo que Spartacus (1960) carregasse o nome do roteirista Dalton Trumbo, anteriormente colocado na lista negra.
Familiarizado com a controvérsia, Kubrick desafiou as convenções sociais de um tipo radicalmente diferente com Lolita (1962), baseado no romance de Vladimir Nabakov sobre um homem de meia-idade que se apaixona pela filha de doze anos de sua senhoria (alterada no filme para envelhecer). quatorze – nada melhor). Anos mais tarde, Kubrick afirmou que provavelmente não teria feito o filme se tivesse apreciado plenamente as implicações morais da história e a dificuldade que encontraria com questões de censura.
Isto não deveria ter sido surpresa, dado que apenas alguns anos antes, o livro tinha sido proibido como obsceno em vários países, até mesmo em França. Embora oficialmente sem classificação, o filme foi anunciado como “para maiores de 18 anos”. Sua estrela, Sue Lyon, não compareceu à estreia em Nova York porque, aos dezesseis anos, ainda era jovem demais para vê-lo. [6]
4 Otto Preminger
Durante uma carreira que começou com o advento do cinema falado, Otto Preminger abordou uma série de assuntos pesados, incluindo o vício em heroína ( O Homem com o Braço de Ouro , 1955), a justiça criminal ( Anatomia de um Assassinato , 1959), a fundação de Israel ( Exodus , 1960) e intriga política ( Advise & Consent , 1962). Recebeu indicações ao Oscar pelos dramas Laura (1944) e O Cardeal (1963).
Após décadas de filmes sérios de Preminger, o lançamento de Skidoo (1968) pode ter dado ao público bons motivos para perguntar: o que ele estava fumando? A realidade não estava longe. O relato do filho de Preminger sobre ser um hippie de Greenwich Village inspirou a própria experimentação do diretor com LSD, uma experiência que ele esperava recriar nesta comédia psicodélica sobre rivalidades entre gângsteres.
Outra questão seria como Preminger conseguiu trazer nomes populares como Jackie Gleason, Frankie Avalon, Peter Lawford, George Raft, Cesar Romero, Mickey Rooney e Carol Channing – aqui, cantando a música-título e saltitando de cuecas e meias apenas um pouco. alguns anos depois de receber o prêmio Tony por Hello, Dolly! Do lado positivo, esta viagem não longa, mas certamente estranha, oferece uma rara oportunidade de ver Groucho Marx em cores vivas, com bigode pintado e tudo, enquanto ele interpreta o chefão da máfia no centro do que poderia ser caridosamente chamado de trama. [7]
3 Alfred Hitchcock
O nome Hitchcock traz à mente histórias de suspense e assassinos a sangue frio, incluindo O Homem que Sabia Demais (1934, refeito em 1956), A Senhora Desaparece (1938), Estranhos no Trem (1951), Disque M para Assassinato (1954), Vertigem (1958) e Psicose (1960). Mas seu catálogo de filmes também inclui uma comédia negra romântica com final feliz, The Trouble with Harry (1955), reconhecida em sua promoção como “O inesperado de Hitchcock!”
O personagem-título é um cadáver descoberto em um campo rural, seu “problema” é que a confusão faz com que ele seja repetidamente enterrado e desenterrado. As decisões de elenco de Hitchcock correspondem à sua mudança de tom. Os atores que interpretam moradores da cidade que temem ser responsáveis pela morte de Harry incluem Edmund Gwenn, mais conhecido como Kris Kringle em Miracle on 34th Street (1947), e a estreante Shirley MacLaine, uma morena alegre em vez de uma loira sensual como Grace Kelly, que estrelou os três thrillers anteriores de Hitchcock. [8]
2 Billy Wilder
Ao longo de quase meio século de produção cinematográfica, Billy Wilder mudou de direção quase sempre que pisou em um palco sonoro, dirigindo filmes que estão entre os melhores em vários gêneros: comédia ( The Seven Year Itch , 1955, e Some Like It Hot , 1959) , drama ( The Lost Weekend , 1945, Stalag 17 , 1953, e Witness for the Prosecution , 1957) e filme noir ( Double Indemnity , 1944, e Sunset Blvd. , 1950). Seja trabalhando para rir ou para causar tensão, Wilder criou performances atemporais de protagonistas tão diferentes quanto Greta Garbo, Barbara Stanwyck e Marilyn Monroe. Ele até fez o público acreditar que Audrey Hepburn escolheria Humphrey Bogart em vez de William Holden em Sabrina (1954).
Embora Wilder não falasse inglês quando fugiu da Europa em 1933, com a ascensão de Hitler, logo começou a escrever seus próprios filmes. Ele compartilhou uma indicação ao Oscar pelas brincadeiras românticas da comédia política Ninotchka (1939), a primeira de uma dúzia que receberia por roteiros, fossem engraçados ou sombrios. Como diretor, ele acumulou oito indicações ao Oscar e duas vitórias, inclusive por The Apartment (1960), um exame cínico, mas comovente, da ambição corporativa e da infidelidade conjugal superada pelo amor verdadeiro que abrange gêneros por si só. [9]
1 João Ford
Nascido John Martin Feeney, filho de pais imigrantes irlandeses, Ford é mais lembrado por dirigir westerns clássicos como Stagecoach (1939), que tirou John Wayne dos filmes de cowboy de baixo orçamento e fez dele uma estrela. Ford colocou Wayne a cavalo repetidas vezes, principalmente em Fort Apache (1948), She Wore a Yellow Ribbon (1949), The Searchers (1956) e The Man Who Shot Liberty Valance (1962).
Mesmo assim, Ford recebeu os maiores elogios da crítica por filmes que trocaram as vastas paisagens de Monument Valley pela intimidade do coração humano. Ele ganhou seu primeiro Oscar por dirigir The Informer (1935), sobre um irlandês pobre na década de 1920 que entrega um rebelde do IRA para garantir uma recompensa das autoridades britânicas.
Mais tarde, ele levou para casa Oscars consecutivos por As Vinhas da Ira (1940) e Como era verde meu vale (1941), um olhar sensível sobre as dificuldades em uma cidade mineira galesa. Ford voltou às suas raízes e ganhou seu último Oscar por The Quiet Man (1952), novamente escalando Wayne, mas desta vez como um boxeador irlandês-americano que se retira para sua cidade natal depois de matar um oponente no ringue. Este filme permitiu a Ford unir suas vertentes criativas. [10]
