Batida (2005). O Artista (2011). Livro Verde (2018). O esquecível Marty (1955). Esses estão entre os filmes desanimadores que receberam a maior homenagem do cinema: o cobiçado Oscar de Melhor Filme.
Mas, infelizmente, é uma honra ser nomeado. A menos que você não seja, mas mereça ser. Então é uma merda – e muitos filmes maravilhosos foram esquecidos entre seus contemporâneos pela frequentemente menosprezada Academia de Artes e Ciências Cinematográficas. Aqui estão dez, em ordem cronológica.
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10 Luzes da cidade (1931)
Embora muitos dos melhores filmes de Charlie Chaplin, incluindo The Kid, de 1921, e The Gold Rush , de 1925 , sejam anteriores à primeira cerimônia do Oscar em 1929, o filme que muitos consideram sua obra-prima, City Lights , estreou dois anos após o início da era do Oscar.
Escrito, estrelado e dirigido pelo próprio Little Tramp, City Lights incorpora dois elementos-chave de muitos filmes de Chaplin. A primeira é a simplicidade – um tema enraizado nos filmes mudos, onde a incapacidade de comunicar auditivamente diminui inevitavelmente a complexidade. Como quase todos os filmes de Chaplin, Luzes da Cidade conta uma história simples; neste caso, o protagonista de Chaplin se apaixona por uma garota cega, mas, enquanto arrecada dinheiro para sua cirurgia de restauração da visão, teme que ela o rejeite por sua aparência desanimadora.
O que City Lights oferece em troca é o próprio Chaplin. Ele está, simplesmente, entre os atores mais simpáticos que já apareceram na tela – uma espécie de anti-Ryan Reynolds silencioso e bigodudo. Num cenário cinematográfico cada vez mais dominado pela então nascente tecnologia de som, City Lights mantém-se firme contra uma maré crescente e inevitável – chegando ao ponto de zombar dos chamados “talkies” na sua cena de abertura. Sua capacidade de fazer isso depende diretamente dos ombros largos de seu diminuto protagonista.
No final, porém, Oscar bocejou. Quando chegar a hora Luzes da Cidade chegou aos cinemas no início de 1931, a proliferação de filmes falados tornou-o uma resistência excepcional, mas mesmo assim uma relíquia instantânea. Foi assim que, sem dúvida, o melhor filme de uma das maiores estrelas do cinema foi ignorado na indicação de Melhor Filme. [1]
9 Toque do Mal (1958)
Considerado por muitos críticos como o quase apogeu do filme noir, Touch of Evil foi uma adaptação do romance de 1956 Badge of Evil . O thriller hesitante sobre assassinato, prevaricação e engano foi escrito, dirigido e estrelado por um dos mestres do gênero: Orson Welles.
Ou, pelo menos, sua versão original era. Depois que as filmagens foram concluídas e o filme passou para a edição de pós-produção, Welles entrou em conflito com os executivos da Universal-International – um estúdio cujas escolhas nada perfeitas incluem Howard the Duck , de 1986, e o candidato a pior sequência de todos os tempos, de 2010, Little Fockers. e Ed , de 1996 , a história edificante de um chimpanzé jogando beisebol na liga secundária.
De qualquer forma, vamos assumir que Welles sabia mais sobre cinema do que esses idiotas. A briga resultou na saída de Welles da pós-produção. A Universal prontamente ordenou refilmagens de algumas cenas e revisou seu estilo de edição frenético para ser mais convencional. Welles respondeu com uma diatribe de 58 páginas exigindo que seu trabalho original fosse lançado.
Felizmente, a visão de Welles foi restaurada; infelizmente, isso só ocorreu em 1998. O resultado foi um filme já bom que se tornou imortal. Roger Ebert adicionou-o à sua lista exclusiva de Grandes Filmes. Michael Wilmington, do Chicago Tribune, elogiou-o como “próximo do auge do filme noir”, graças às “fotos de câmera em movimento mágico, ângulos de pesadelo e performances incrivelmente floridas e divertidas”.
Permanece um mistério se a Academia de 1958 teria merecido a visão de Welles, que só se concretizou quatro décadas depois. [2]
8 Psicopata (1960)
Continuemos com a inevitável entrada de Alfred Hitchcock. Vários de seus outros filmes – The Birds , de 1963, vem à mente – poderiam facilmente ser incluídos. Psicose supera isso com base em grande parte em sua influência descomunal no cinema e na cultura popular.
Psycho foi pioneiro no formato “anti-whodunnit”. A partir do momento em que a secretária que virou estelionatária Marion Crane é esfaqueada até a morte na cena de morte mais famosa da história do cinema, todo mundo sabe que o culpado é o esquisito hoteleiro Norman Bates ou sua mãe; em qualquer cenário, Bates é claramente culpado. Até mesmo a revelação de que a mãe irritante de Norman está morta há uma década – pelas mãos do filho, é claro – é apenas um mero enfeite para sua estranha insanidade.
A escolha de Hitchcock de evitar qualquer mistério real em relação à identidade do assassino é intencional. O ritmo e a cinematografia de Psycho – e a interpretação maravilhosamente perturbadora de Bates por Anthony Perkins – transcendem a necessidade de manter o público na dúvida. Ao mostrar suas cartas no início do que muitos consideram o primeiro verdadeiro filme de terror, Hitchcock cria uma tensão em torno de Bates e seu motel, que pode ter sido diminuída pela ambiguidade.
Psicose foi tão magistral que um remake de 1998 foi quase uma réplica cena a cena do esforço de Hitchcock. Por que tentar mexer em um filme frequentemente classificado entre os melhores de todos os tempos?
Quanto à Academia, ela não ignorou completamente Psycho ; o filme recebeu quatro indicações, incluindo Melhor Diretor e Melhor Atriz Coadjuvante. Uma das razões para a rejeição de Melhor Filme foi sua produção em preto e branco de baixo orçamento – um afastamento do filme anterior de Hitchcock, North by Northwest , de 1959 . [3]
7 O Iluminado (1980)
Muitas das críticas ao Oscar de Melhor Filme nesta lista foram, pelo menos, atiradas em alguns ossos pela Academia. Alguns foram reconhecidos pela edição, outros pelos efeitos visuais e assim por diante. Mas, surpreendentemente, um dos thrillers de suspense mais icônicos da história do cinema recebeu exatamente… (verifica a internet)… zero indicações.
Não só isso, mas o filme de 1980 foi difamado com duas indicações ao Razzies: uma para Pior Diretor – Stanley Kubrick, de todas as pessoas! – e outra na categoria Pior Atriz pela interpretação de Shelley Duvall da protagonista Wendy Torrance.
The Shining , uma adaptação do romance homônimo de Stephen King, teve um desempenho admirável nas bilheterias, apesar de um lançamento inicial propositalmente limitado (porque estreou no mesmo fim de semana da próxima entrada desta lista). Quatro décadas depois, suas primeiras críticas pareciam algo saído de uma pegadinha do Dia da Mentira. “Kubrick se uniu ao nervoso Jack Nicholson para destruir tudo o que havia de tão assustador no best-seller de Stephen King”, escreve a Variety . Gene Siskel deu ao filme duas de quatro estrelas e declarou-o “uma decepção estrondosa”.
As reações antes e depois de The Shining são tão desarticuladas que sua página na Wikipedia tem uma seção intitulada “Reavaliação”. Sua avaliação é simples: o esforço de mudança de perspectiva de Kubrick foi simplesmente mais inteligente do que seu público, incluindo os revisores. Enquanto as críticas iniciais criticaram o desvio de Kubrick do livro de King, com o tempo – e considerando seu impecável catálogo de direção – a admiração por seu gênio maníaco tornou-se mais um consenso do que uma exceção. Johnny concordaria. [4]
6 Star Wars: O Império Contra-Ataca (!980)
Certos tipos de filmes tendem a ser ignorados quando se trata de receber todos os elogios. Comédias, thrillers e filmes de ficção científica têm uma colina mais íngreme a subir no caminho para a indicação de Melhor Filme.
Mas o maior filme de ficção científica de todos os tempos? Vamos lá pessoal.
OK, digamos “indiscutivelmente” o melhor filme de ficção científica de todos os tempos. Listas confiáveis têm pelo menos The Empire Strikes Back entre os cinco primeiros. Mas mesmo que filmes como Alien e Blade Runner superem, Empire é o melhor capítulo de uma franquia que, no seu lançamento, já era um fenômeno. Perde apenas para O Poderoso Chefão Parte II como a melhor continuação da história do cinema.
Esqueça tudo o que aconteceu no universo Star Wars desde então. Esqueça os cafonas Ewoks, o pré-púbere Anakin, que corre em cápsulas, e a história idiota de origem de Darth Vader. E pelo amor de Deus, por favor, esqueça os Episódios VII-IX desconexos, desorientadores e desorganizados em sua totalidade.
Faça The Empire Strikes Back sozinho. Um filme que se baseou nos efeitos especiais inovadores de seu antecessor e no encantador enredo de faroeste no espaço, de forma tão maravilhosa que até mesmo um boneco de 60 centímetros de altura era intrigante. O desprezo de Empire é o preconceito de gênero, puro e simples.
Cinco filmes de 1980 receberam indicações para Melhor Filme. Dois – Pessoas Comuns e Touro Furioso – eram extraordinários. Os outros eram Homem Elefante , Tess e Filha do Mineiro de Carvão . Não se pode argumentar razoavelmente que Império – e O Iluminado , nesse caso – foi pior que todos os três. [5]
5 Faça a coisa certa (1989)
Três décadas antes de #OscarsSoWhite se tornar uma coisa, não havia dúvidas de que filmes com elencos e equipes de filmagem minoritários muitas vezes levavam a pior no negócio. Talvez nenhum dos fantásticos filmes feitos por minorias tenha sido mais esquecido do que Do the Right Thing, de Spike Lee .
O segundo longa-metragem de Lee apresentou ao mundo Martin Lawrence e Rosie Perez, ao mesmo tempo em que solidificou a emergência do escritor/diretor como uma voz proeminente na cultura americana. Suspeitamente, sua única atuação recompensada com uma indicação ao Oscar foi para Danny Aiello, que é branco.
Faça a coisa certa explora as tensões raciais entre as comunidades negra e ítalo-americana do Brooklyn, no bairro de maioria negra de Bensonhurst. Aqui, a realidade encontra o simbolismo, enquanto Lee mostra o conflito entre uma minoria de pele escura que está na América desde antes de sua fundação e um relativamente recém-chegado de pele mais clara que colheu os benefícios da suposta branquidade.
Do the Right Thing prova que Lee é um mestre na produção de filmes microcosmo. O proprietário de uma pizzaria italiana que se recusa a sair de um bairro cada vez mais negro reflete o tema mais amplo da relutância dos brancos em ceder terreno aos negros. O preconceito policial e a violência contra os negros reforçam o motivo.
Apesar dos críticos de cinema mais influentes da época – Gene Siskel e Robert Ebert – elogiarem Do the Right Thing como o melhor filme de 1989, naquele ano a Academia indicou filmes muito menores (e muito mais brancos) como Field of Dreams e Dead Poets Society . [6]
4 Defendendo sua vida (1991)
Ok, tempo total de azarão. É certo que é herético argumentar que uma comédia romântica deveria ter sido indicada ao prêmio de todos os prêmios do cinema. Ainda assim, exceções na indústria do entretenimento podem ser encontradas em todos os lugares. Sandra Bullock ganhou o Oscar de Melhor Atriz, pelo amor de Deus.
Lançado em 1991, Defending Your Life foi escrito, dirigido e estrelado por um cara chamado (sem brincadeira) Albert Einstein. Esse nome foi adotado, então ele mudou para Albert Brooks. Coestrelado pela impecável Meryl Streep, o filme estreia na Los Angeles dos dias modernos antes de mudar rapidamente… para o norte. Ou melhor, para cima.
O personagem de Brooks é atropelado por um ônibus. Então, sua alma segue para a Cidade do Julgamento para um painel para revisar sua vida – especificamente, sua capacidade de superar o medo – e determinar se ele (polegar para cima) “segue em frente” ou (polegar para baixo) é enviado de volta à Terra, com a memória apagada. por outra vida.
Julia de Streep claramente seguirá em frente, mas Daniel de Brooks terá um destino mais duvidoso. Os dois se apaixonam instantaneamente, namorando em seu limbo sobrenatural com trocas vigorosas e viagens a atrações como o Pavilhão de Vidas Passadas. O defensor nomeado por Daniel, Rip Torn, brilha como um ator coadjuvante autoritário, porém salgado, que lembra seu papel no The Larry Sanders Show .
Defendendo sua vida é tão… bem executado. Romance sem sentimentalismo e com consequências invencíveis. Comédia enraizada na criatividade e não na obscenidade. Teria sido o pioneiro da comédia romântica perfeito para consideração no Oscar. [7]
3 A Matriz (1999)
Esta lista apresenta dois filmes de 1999. Um foi desprezado apesar da incrível capacidade de capturar seu presente. A outra, esta entrada, foi omitida apesar da sua capacidade de imaginar e representar um futuro assustador.
Traçando paralelos com as preocupações modernas sobre a proliferação da Inteligência Artificial, o tema de Matrix está enraizado na besta potencialmente libertada de um novo e poderoso meio. Com o uso generalizado da Internet há pouco mais de meia década, o filme do final da década de 1990 constrói um ciberespaço de ficção científica tão preocupante e atraente que mesmo a atuação recortada de Keanu Reeves não conseguiu arruiná-lo.
Matrix está entre os primeiros filmes semi-convincentes a explorar um potencial outro lado da tecnologia: que a destruição da humanidade poderia advir não de lutas internas, mas através da inovação. O enredo do filme “E se os computadores se voltarem contra nós” combina efetivamente os Jogos de Guerra de 1983 e o Exterminador do Futuro 2 de 1991 de uma forma perturbadora, colha o que você semeia. No processo, não só se consolidou na cultura ocidental, mas também na língua inglesa, introduzindo frases como “pílula vermelha” que se tornaram elementos do vocabulário.
Então, por que nenhum aceno de Melhor Filme – especialmente em um ano em que filmes bons, mas não ótimos, como The Green Mile e The Insider foram indicados? Provavelmente, Matrix foi erroneamente rotulado como um filme de ficção científica / ação pela enfadonha Academia, em vez do sinal de alerta vermelho brilhante e piscante de um filme que realmente era. [8]
2 Clube da Luta (1999)
Talvez nenhum outro filme nesta lista capture tão perfeitamente seu momento preciso como Clube da Luta , a adaptação de 1999 do romance de mesmo nome de Chuck Palahniuk. O filme é uma representação de socos, chutes e crimes criminosos do tédio masculino da Geração X em um ponto em que a história parecia estagnada e, para muitos, decepcionante.
O narrador de Ed Norton, que tem vários nomes ao longo do filme, está fervilhando com a raiva da engrenagem de uma minigeração pós-Guerra Fria, pré-11 de setembro, aparentemente sem nada pelo que lutar. Norton como narrador esquizofrenicamente inicia uma série de reuniões clandestinas onde a violência reprimida é o fim e não o meio. Como alter ego Tyler Durden (Brad Pitt), o narrador fornece uma saída para o que ele chama de “filhos do meio da história”.
“Não temos uma Grande Guerra”, exclama Durden, andando de um lado para o outro enquanto se dirige à sua sociedade secreta. “Sem Grande Depressão. Nossa Grande Guerra é uma guerra espiritual. Nossa Grande Depressão são nossas vidas. Todos nós fomos criados na televisão para acreditar que um dia seríamos milionários, deuses do cinema e estrelas do rock. Mas não vamos… E estamos muito, muito chateados.”
Então, por que o desprezo por um filme que reflete tanto sua época? Uma das razões é que ninguém poderia ter previsto quão rapidamente terminaria o período de angústia sem objetivo da América pós-URSS – 11 de setembro de 2001. Em retrospectiva, é quase impossível argumentar que Clube da Luta não estava entre os cinco filmes mais comoventes e relevantes. de 1999. [9]
1 Os Tenenbaums Reais (2001)
O terceiro longa-metragem de Wes Anderson pode ser a mais desconcertante indicação de Melhor Filme desta lista. Um filme magistral, sua indicação para um mísero Oscar, Melhor Roteiro, desafia qualquer explicação credível.
The Royal Tenenbaums é um exemplo clássico de cineasta clássico instantâneo. Os filmes de Anderson se distinguem por serem mais livros de histórias de ação ao vivo do que filmes convencionais, com enredos descomplicados servindo em grande parte como veículos para tipografia ornamentada, cenários elaboradamente embelezados, simetria de tomadas elegante, porém fantástica, e personagens peculiares alternando entre párias, anti-heróis e excêntricos.
Existem duas desculpas possíveis (e são desculpas, não razões) para os Royal Tenenbaums obterem a flecha real da Academia. Nenhum dos dois passa no teste. Em primeiro lugar, pode-se argumentar que cineastas com estilos únicos levam tempo para ganhar notoriedade como gênios, em vez de meros discrepantes. No entanto, os Royal Tenenbaums não surgiram do nada; Rushmore já havia estabelecido a peculiaridade de Anderson e, além disso, o elenco do filme é tão repleto de estrelas (Gene Hackman, Angelica Houston, Bill Murray… precisamos continuar?) que a ideia de sua demissão imediata pela Academia não faz sentido.
A outra possibilidade é que desafiasse qualquer categorização e pudesse ter sido considerada uma comédia. Mas só porque um filme tem momentos de humor não significa que seja uma comédia. O capricho divertido de Anderson tem pouco em comum com, digamos, o famoso Frank Drebin de Naked Gun , de Leslie Nielsen . Um filme apresentando uma cena de tentativa de suicídio com uma música sinistra de Elliott Smith pode ser muitas coisas; uma comédia não é uma delas. [10]
