O tempo cinematográfico tem pouca semelhança com o que vivenciamos no mundo real, invariavelmente eliminando as partes chatas e pulando horas, dias e anos por capricho. Condensar uma história dessa maneira normalmente aguça o enredo, e a maioria dos cineastas faz uso liberal disso, trocando cenas de personagens indo ao banheiro por sequências emocionantes e viajando pelo mundo, cujas qualidades temporais temos que juntar em nossas cabeças.
Mas às vezes os diretores dizem não, devemos ver nossos personagens comerem, andarem e urinarem! Os filmes que eles produzem monitoram meticulosamente cada segundo do tempo de exibição em tempo real, indo do começo ao fim sem um minuto não dito – e estes são dez dos melhores.
Relacionado: Dez diretores de cinema incríveis com estilos distintos
10 Cabine Telefônica (2002)
O thriller tenso de Joel Schumacher, Phone Booth, se perdeu nos anais do cinema nas duas décadas desde seu lançamento, mas realmente se destaca da obra do diretor em um nível técnico. Nunca tendo feito algo assim, Schumacher decidiu fazer o filme – que se passa em tempo real dentro do estande titular – porque parecia genuinamente original.
Situado na Times Square, o publicitário Stu Shepard (Colin Farrell) atende um telefone público e logo está lutando por sua vida e admitindo suas mentiras para um interlocutor desconhecido com um rifle de precisão (Kiefer Sutherland). Farrell ficou na cabine das sete da manhã às quatro da tarde, sem intervalo para almoço, para uma filmagem de dez dias porque ele está em todas as cenas do filme. Mesmo quando outro personagem está na tela, Schumacher usa a tela dividida para manter Stu presente e o tempo correndo.
Mas para um filme que se passa em tão pouco tempo, demorou muito para ser lançado. Phone Booth foi adiado pela primeira vez em 11 de setembro e novamente pelos ataques de atiradores de elite de DC. Numa estranha reviravolta, os jornalistas usaram imagens do filme para relatar o último incidente, aumentando a sua audiência antes do lançamento. [1]
9 Carnificina (2011)
Roman Polanski conhece bem as adaptações e usou toda a força de sua abordagem inovadora ao transformar a peça de Yasmina Reza, Le Dieu du Carnage, no peso pesado de Hollywood, Carnage .
Ambientado em um apartamento no Brooklyn, esta comédia de costumes é estrelada por Christoph Waltz, Kate Winslet, John C. Reilly e Jodie Foster como dois casais que se encontram para discutir uma briga entre seus filhos em idade escolar. A civilidade logo desaparece e as verdadeiras personalidades dos pais iniciam uma guerra de palavras.
Ocorrendo nos mesmos 80 minutos de duração do filme, a inspiração para a ação contínua de Carnificina veio da peça, que não possui pausas ou mudanças de cena. E embora isto faça sentido para o palco, onde o público vê a acção a partir de uma perspectiva, representa um desafio mais técnico para o cinema. Assim, o desejo declarado de Polanski pelo desafio artístico em cada produção veio à tona, e ele cresceu com ele. Ele não queria “trapacear” na edição como Hitchcock fez com Rope (palavras dele), e então apresentou tudo em uma sequência contínua e em tempo real. [2]
8 Manivela (2006)
Se os filmes do Transporter não tivessem garantido que Jason Statham fosse o herdeiro britânico do império do cinema de ação, Mark Neveldine e Crank , de Brian Taylor , o teriam feito. Statham estrela como Chev Chelios, um assassino de aluguel de Los Angeles que é envenenado pela máfia e deve manter a adrenalina correndo por seu corpo para permanecer vivo enquanto busca vingança.
Até agora, é um típico thriller de ação de alto conceito. No entanto, ao contrário de entradas de gênero igualmente frenéticas, Crank lança toda a sua ação contra o relógio do coração pulsante de Chelios, movendo-se com ele a cada segundo de sua jornada maluca pela cidade e dando ao filme um imediatismo que mantém a tensão firme até a conclusão.
O objetivo de Neveldine e Taylor ao fazer Crank era simples: encontrar maneiras criativas de sustentar uma descarga de adrenalina a cada segundo (como, digamos, uma cena de sexo em público em Chinatown), sem nunca dar ao público tempo suficiente para ficar entediado. Para conseguir isso, eles adotaram uma abordagem “ADD” na redação de roteiros, considerando que, se conseguissem se manter entretidos e surpresos, poderiam fazer o mesmo pelo público. [3]
7 Enterrado (2010)
Na transição de Ryan Reynolds de galã da comédia romântica para superstar global, ele desempenhou papéis em filmes menores e mais íntimos – e não existe nada mais íntimo do que Enterrado . Reynolds estrela como Paul Conroy, um motorista de caminhão que trabalha no Iraque que é capturado por terroristas e enterrado vivo em um caixão, com apenas algumas bugigangas variadas e um celular como companhia.
Com duração de 95 minutos, o filme mostra as tentativas de Conroy de se comunicar com o mundo exterior e levá-los ao cemitério enquanto a areia enche seu caixão e ele consome o que resta de seu oxigênio. Embora cada aspecto dessa configuração exalte pavor e tensão, a verdadeira razão para o filme ser construído dessa forma é um pouco mais mundana.
Ao decidir escrever o roteiro, Chris Sparling tinha apenas um orçamento de US$ 5.000 disponível, então escreveu Buried como uma história direta sobre um homem em uma caixa, sem equipamentos de câmera caros, efeitos especiais, figurinos ou atores adicionais. Felizmente para ele, Hollywood percebeu, anexou Reynolds ao projeto e arrecadou US$ 2 milhões para fazer algo muito maior, mas não menos restrito. [4]
6 Ponto Cego (2018)
O drama norueguês Blind Spot conta a história de Marie (Pia Tjetla), uma mãe que luta para enfrentar a doença mental de sua filha Thea (Nora Mathea Øien). Tem a dupla honra de ser filmado e apresentado em tempo real.
Ocorrendo a partir do momento em que Thea chega em casa depois do treino de handebol e pula da janela de seu quarto, o filme permanece com Marie enquanto ela encontra ajuda, viaja para o hospital e faz um ajuste de contas pessoal com seu próprio ponto cego. E tudo isso é capturado com duas câmeras filmando um único plano longo.
O roteirista e diretor Tuva Novotny queria apresentar uma visão clara do desenrolar do drama, sem obscurecimento ou influenciado pela edição, e com bastante tempo para o espectador absorver todos os aspectos, incluindo pausas, silêncios e espaços entre a ação palpável. Os minutos na tela são os minutos usados para rodar o filme e, embora tenha sido um desafio técnico gigantesco, principalmente considerando as mudanças de local, o elenco e a equipe conseguiram isso em apenas três tentativas. [5]
5 Tarde de Dia de Cachorro (1975)
Baseado no roubo de uma filial do Chase Manhattan no Brooklyn em 1972, Dog Day Afternoon é estrelado por Al Pacino e John Cazale como os ineptos ladrões de banco Sonny Wortzik e Sal Naturile. Numa tarde de agosto, enquanto assaltavam um banco, a dupla de pequenos vigaristas consegue mais e menos do que esperavam. Eles quase não encontram dinheiro, a polícia chega antes que eles possam escapar e uma situação com reféns se desenrola. O filme acompanha todos os acontecimentos daquela tarde fatídica, segundo a segundo, enquanto Sonny negocia com a polícia, atrai a atenção da imprensa nacional e se torna uma espécie de herói público improvisado.
O diretor Sidney Lumet se dedicou a criar algo que permanecesse o mais fiel possível aos eventos reais, ao mesmo tempo em que permitia que o público estivesse presente e obtivesse uma compreensão não filtrada dos personagens e do núcleo emocional de sua história, em vez de como os “malucos” que a imprensa retratou. homens de verdade como. Isso não significou apenas contar os acontecimentos em tempo real, mas, infelizmente, também descartar totalmente a trilha sonora, o que Lumet sentiu que prejudicou o senso de realismo e tirou o público da história. [6]
4 Antes do pôr do sol (2004)
Richard Linklater estabeleceu um novo padrão para o romance com Before Sunrise , de 1995 , no qual um jovem casal – Jesse (Ethan Hawke) e Céline (Julie Delpy) – tem a chance de se encontrar em Viena e passa a noite vagando pelas ruas discutindo amor, vida, morte e tempo, antes de partirem separadamente.
Em vez de recauchutar o mesmo terreno para a sequência, Linklater aumentou a aposta, mas também atenuou a sensação de admiração romântica ao fazê-la acontecer em tempo real (seu antecessor condensou uma noite inteira em 100 minutos). Assim, nove anos depois, ele levou seus dois protagonistas a Paris e tirou uma foto de 80 minutos que os acompanha desde o reencontro na livraria e em diante, enquanto, novamente, eles caminham, conversam e se apaixonam, com o prazo final do voo iminente de Jesse pendente. sobre eles.
Mas nem sempre foi esse o plano. Originalmente, Linklater escreveu um filme com vários locais e orçamento maior que expandiria o escopo do original, mas não conseguiu financiá-lo. Então ele voltou à prancheta e escreveu um novo filme com Hawke e Delpy, e o estilo firme, prático e em tempo real nasceu dessas restrições. [7]
3 Cléo dos 5 aos 7 (1962)
A ícone da New Wave francesa Agnès Varda procurou rasgar o roteiro e fazer um filme sem convenções quando estava escrevendo e dirigindo Cléo das 5 às 7 , que acompanha a cantora Florence “Cléo” por Paris entre as 5 e as 6h30 em a noite (tornando o famoso título um nome impróprio) enquanto ela aguarda o diagnóstico de câncer.
Evitando convenções de tempo narrativo e cinematográfico, o filme não tem atos bem definidos e se passa nos 90 minutos em que se passa, oferecendo todos os detalhes dos encontros muitas vezes mundanos que Cléo tem com outros parisienses. Embora tenha surpreendido o público na época, esta abordagem faz sentido no contexto do início da carreira de Varda como fotógrafo, onde a imagem, o seu entorno e as narrativas implícitas são mais importantes do que a ficção direta.
No final das contas, porém, a diretora optou por abordar o filme dessa forma porque queria mostrar como situações ruins podem moldar as pessoas em tão pouco tempo. E Cléo é mutável, se unindo a um soldado (Antoine Bourseiller) que conheceu no parque no final do filme. [8]
2 Vitória (2015)
O thriller em alemão de Sebastian Schipper, Victoria, segue sua protagonista titular (Laia Costa) em uma noite complicada em Berlim, que progride de estranha a ruim e a assalto a banco – como essas coisas costumam acontecer. E quando dizemos que segue Victoria, estamos falando sério: o filme inteiro é uma tomada única e contínua, sem cortes ou transições, acompanhando obstinadamente sua protagonista. E é ainda mais impressionante considerando que chega a 138 minutos.
Impressionantemente, Schipper conseguiu isso em apenas três execuções, com um estilo quase perfeito que faz uso de uma variedade de locais e diálogos improvisados em três idiomas (alemão, espanhol e inglês). E foi uma sorte que ele tenha feito isso, porque seu orçamento de produção permitia apenas três tentativas de tomada única, após as quais ele teria que apenas cortar e editar como um filme convencional. A perseverança valeu a pena, e o domínio técnico e o sucesso do filme em unificar tempo, lugar e forma cinematográfica levaram a ampla atenção da mídia e a uma indicação ao Oscar. [9]
1 12 Homens Furiosos (1957)
O primeiro longa-metragem de Sidney Lumet, 12 Angry Men , colocou o diretor no mapa e iniciou sua carreira com três indicações ao Oscar. Adaptado do teleplay de 1954 com o mesmo nome, o filme é um drama de tribunal sem tribunal, que segue 12 – você adivinhou – jurados masculinos furiosos enquanto deliberam sobre um julgamento e discutem sobre a decisão de enviar o réu para a cadeira elétrica. .
Escusado será dizer que as origens do filme como teleplay influenciaram muito a apresentação do filme e a decisão de Lumet de reproduzir a ação em tempo real. E, dado o resultado final – onde nos movemos através dos próprios pensamentos dos jurados enquanto eles discutem e mudam de posição – foi a decisão certa a tomar.
No entanto, o filme não se saiu bem nas bilheterias, com o astro Henry Fonda (que aceitou um adiamento de salário para que o filme pudesse ser feito) recebendo apenas metade do pagamento um ano e meio após o lançamento. Ironicamente, 12 Angry Men inicialmente teve uma vida útil maior no teatro, já que uma variedade de versões teatrais foram adaptadas do filme internacionalmente e conquistaram o público de uma forma que o filme não conseguiu. [10]
