A arte é muito pessoal para o artista; eles pintam seus sentimentos, esperanças e sonhos na tela, depois recuam e esperam que os espectadores entendam. Às vezes fazemos, e às vezes não. Muitas pinturas carregam mensagens contrárias, o que não facilita o processo. Sem o contexto necessário, os espectadores veem a imagem e, naturalmente, a consideram pelo seu valor nominal.
Pode ser difícil distinguir esses tipos de pinturas dos demais. Mesmo uma natureza morta aparentemente “simples” pode estar repleta de detalhes intrincados e significados ocultos. Da mesma forma, algumas das obras de arte mais famosas da história contêm pelo menos um aspecto que a maioria dos espectadores não percebeu. Isso sempre faz diferença? Não necessariamente. Mas geralmente é bem interessante. Continue lendo para conhecer 10 obras de arte famosas que não são exatamente o que parecem.
Relacionado: As 10 principais pinturas famosas que inspiraram cineastas de terror
10 Auto-retrato com orelha enfaixada (1889) de Vincent Van Gogh
Entre as pinturas mais famosas da história está o Auto-retrato com orelha enfaixada, de Vincent Van Gogh . A obra de arte é mais conhecida por ter sido pintada logo depois que o artista cortou a orelha. Uma teoria popular é que isso aconteceu depois que ele bebeu muito da substância alucinógena absinto, mas isso não é tudo.
O colega artista Paul Gauguin veio morar e trabalhar ao lado de Van Gogh em sua pequena casa amarela no sul da França. Apesar de um começo promissor, o relacionamento deles tornou-se tumultuado e tenso. Quando Van Gogh suspeitou que Gauguin estava planejando partir, e Gauguin confirmou, Van Gogh não recebeu muito bem a notícia.
De acordo com Gauguin, Van Gogh “atacou-o” ameaçadoramente com uma “navalha na mão”. Mais tarde naquela noite, Van Gogh usou a mesma lâmina para remover a orelha. Inicialmente, Van Gogh parecia morto, com sangue cobrindo a cama e grande parte de sua casa. Gauguin confirmou que estava vivo, mas disse às autoridades para avisarem Van Gogh que ele havia retornado a Paris. Van Gogh pintou o autorretrato como uma garantia de que estava são, descansando e cooperando totalmente com as ordens de seus médicos – como se manter aquecido com casaco e chapéu. [1]
9 Duas mulheres taitianas (1899) de Paul Gauguin
Falando em Gauguin, depois que o artista parisiense deixou a casa amarela, ele se tornou um artista que muitos afirmam ser “mais importante que Van Gogh”. Duas Mulheres Taitianas é uma das várias pinturas de Gauguin que apresentam mulheres indígenas retratadas como a “Eva Taitiana” ideal. Apesar de sua aparência inocente, a pintura guarda segredos obscuros. Mais tarde, revelou-se que as mulheres eram mais do que modelos do artista. Eles também eram seus escravos sexuais.
Quando Gauguin se mudou para as ilhas do Taiti e Hiva Oa, no Pacífico Sul, ele tomou três noivas nativas – com idades entre 13, 14 e 14 anos. jovens esposas, e inúmeras outras, com sífilis na casa que ele batizou de La Maison du Jouir (“a Casa do Orgasmo”). Rachaduras em seu caráter apareceram antes, quando ele deixou a esposa e os cinco filhos para ir morar com Van Gogh durante aqueles nove árduos meses. A punição por seus erros? Uma falta póstuma de exposição. [2]
8 O Grito (1893) de Edvard Munch
Icônico a ponto de ter seu próprio emoji, The Scream , de Edvard Munch , não é exatamente o que parece. O famoso artista expressionista forneceu algum contexto sobre sua inspiração em um diário datado de 22 de janeiro de 1892:
“Eu estava caminhando pela estrada com dois amigos. O sol se pôs – senti uma rajada de melancolia – de repente o céu ficou vermelho sangrento. Parei, encostei-me no corrimão, cansado de morrer enquanto os céus flamejantes pairavam como sangue e espada sobre o fiorde preto-azulado e a cidade. Meus amigos continuaram – eu fiquei ali tremendo de ansiedade – e senti um grito vasto e infinito através da natureza.”
Suas palavras levaram muitos a teorizar que a figura na pintura representa o próprio Munch. Mas os historiadores da arte afirmam que a figura lembra uma múmia peruana que Munch viu na Feira Mundial de Paris em 1889. [3]
7 A Morte e a Criança (1889) de Edvard Munch
O Grito não é a única pintura do artista norueguês Edvard Munch que contém mais do que aparenta. Sua pintura A Morte e a Criança retrata uma jovem em frente à cama de sua mãe recentemente falecida.
Toda a família de Munch, exceto seu devoto pai, morreu de uma doença quando ele era menino. Seu pai lhe ensinou que suas mortes foram “retribuição divina por seus crimes”, uma lição que influenciou fortemente Munch durante a infância e o início da idade adulta. A Morte e a Criança representa a tragédia inicial e a dor silenciosa que sofreu, como pode ser visto na expressão perturbada da menina. Ao mesmo tempo, seus olhos retratam uma expressão distante que sugere que ela se afastou da realidade.
Também se fala que a pintura é mal-assombrada. Muitos de seus proprietários anteriores relataram estranhas experiências sobrenaturais após trazerem a Morte e a Criança para suas casas. Isso incluía alegações de que os olhos das meninas as seguiriam onde quer que fossem e os lençóis da mãe farfalhavam audivelmente sempre que elas se aproximavam da obra de arte. [4]
6 A réplica da carta de amor (1887) de Richard King
Apesar de ser uma réplica das Cartas de Amor de Charles Trevor Garland (1885-1906), algo na pintura de Richard King a diferencia de seu antecessor. Mais conhecida por ser exibida no Driskill Hotel em Austin, Texas, a pintura de King foi comprada para servir de memorial para Samantha Houston, uma menina de cinco anos que caiu para a morte na escada principal enquanto perseguia sua bola de brinquedo. (Há rumores de que o tema da pintura tem uma notável semelhança com a jovem Samantha).
Os hóspedes relataram experiências estranhas desde que a pintura passou a residir no quinto andar. Eles descreveram crises inexplicáveis de tontura, náusea e a sensação alarmante de ser levantado do chão. Alguns hóspedes do hotel alegaram que o tema da pintura tentou se comunicar com eles porque notaram que sua expressão mudava sempre que desviavam o olhar. O fantasma de Samantha chegou a sacudir a maçaneta do apartamento Yellow Rose, que fica perto da pintura. [5]
5 O fantasma de uma pulga (1819–20), de William Blake
O fantasma de uma pulga, do artista, gravador e poeta londrino William Blake, contrasta com a maioria de suas obras que lhe trouxeram fama, que consiste principalmente em formas celestiais. A inspiração de Blake para essas obras “iluminadas” foram visões que ele teve desde os quatro anos de idade, quando afirmou ter visto a cabeça de Deus aparecer pela janela da casa de sua família.
Ele também viu anjos ocupando as árvores vizinhas com “brilhantes asas angelicais enfeitando cada galho como estrelas”. A visão o acompanhou durante a adolescência. Na idade adulta, esses tipos de visões eram comuns para Blake. Como resultado, muitos de seus contemporâneos pensaram que ele estava louco.
A inspiração para O Fantasma de uma Pulga veio de um tipo diferente de visão. John Varley, um colega artista e amigo próximo de Blake, explicou em seu Tratado sobre Fisionomia Zodiacal que a pintura foi baseada na visão espiritual de um fantasma e uma pulga. Enquanto Blake desenhava o espírito, ele lhe disse que “todas as pulgas eram habitadas pelas almas de homens que eram ‘por natureza sedentos de sangue em excesso’”. A criatura, uma mistura aterrorizante de humano e animal, tem como objetivo transmitir um caráter humano. deformado por traços animalescos. [6]
4 A Capela Sistina (1508-1512) de Michelangelo
Uma das obras de arte mais famosas da história, a pintura de Michelangelo no teto da Capela Sistina, contém alguns segredos científicos surpreendentes. Em “A Cena da Criação”, quando Deus dá a Adão sua primeira centelha de vida, Deus é retratado com um manto marrom-avermelhado fluindo atrás dele e de seus anjos, que tem a mesma forma de um cérebro humano.
Os pesquisadores da John Hopkins relataram uma adição anatômica semelhante em “Separação da Luz e das Trevas”, onde acreditam que Michelangelo pintou um tronco cerebral e uma medula espinhal na parte inferior do pescoço de Deus. Considerando que Michelangelo era um artista, escultor e anatomista talentoso, estes são tipicamente considerados protestos secretos da atitude da Igreja em relação à ciência e à descoberta.
Também presente na famosa obra de arte está um anjo com uma atitude que parece puxar “o figo”, um gesto sarcástico e antiquado, para o profeta Zacarias. Zacarias tem uma estranha semelhança com o Papa Júlio II, que encomendou a pintura. Ele era odiado por muitos, incluindo Michelangelo. [7]
3 Flor ainda vida (1726) por Rachel Ruysch
Muitos consideram a pintora de naturezas mortas Rachel Ruysch, da Idade de Ouro Holandesa, como a maior pintora de flores de seu tempo. Reconhecida internacionalmente por suas representações “elaboradas e microscopicamente detalhadas”, Ruysch frequentemente pintava combinações únicas de flores que desabrochavam durante diferentes estações. Dessa forma, eles nunca poderiam ser confundidos com a coisa real.
“Cada buquê Ruysch foi cuidadosamente elaborado para revelar uma amplitude de conhecimento, seja ele transmitido nos tipos específicos de flores ou em seu estado de floração.”
Em Flower Still Life , papoulas, snapdragons, rosas, cravos, malvas-rosa, malmequeres, ipomeias e uma única tulipa vermelha e branca com chamas saem do vaso e preenchem todo o espaço. Algumas estão em plena floração, outras murcham e morrem, e os insetos fizeram buracos nas folhas.
Os estudiosos afirmam que os vários estados das flores retratadas representam vanitas, uma mensagem moral de que “a beleza desaparece e todas as coisas vivas morrem”. Eles sugerem que a pintura de Ruysch pretendia alertar seus ricos consumidores holandeses para não se apegarem demais aos seus bens materiais e aos prazeres mundanos, porque a salvação eterna só vem através de Deus. [8]
2 El Autobus (1929), de Frida Kahlo
El Autobus , de Frida Kahlo, pode parecer uma representação simples das diferentes classes da sociedade mexicana sentadas lado a lado num banco de madeira numa paragem de autocarro. Mas tem um significado mais profundo e oculto. Apesar de seus seguidores quase cult, nem todo mundo sabe que a artista mexicana se envolveu em um acidente de ônibus quatro anos antes de pintar a obra de arte, no qual um corrimão de ferro ficou empalado em sua pélvis.
Como Kahlo descreveu mais tarde, parecia “a forma como uma espada perfura um touro”. O corrimão fraturou sua pélvis, perfurando seu abdômen e útero. Sua coluna quebrou em três lugares, sua perna direita em 11 lugares, seu ombro deslocou e sua clavícula quebrou. Mais tarde, foi descoberto que três vértebras adicionais também foram quebradas.
A recuperação de Kahlo foi longa e desconfortável. Ela passou a maior parte do tempo na cama, engessada. A dor persistente causada pelos ferimentos a levou a abandonar o sonho de se tornar uma ilustradora médica. Também foi dito que o acidente a deixou incapaz de ter filhos. El Autobus retrata Kahlo e um grupo de passageiros esperando o ônibus naquele dia trágico. A mulher à direita parece ser Kahlo. [9]
1 32 latas de sopa Campbell (1962) de Andy Warhol
Poucas obras de arte são menos reconhecíveis do que 32 Latas de Sopa Campbell de Andy Warhol . Apresentando as 32 variedades de sopa Campbell’s, a série era a favorita de Warhol. De acordo com o famoso artista pop:
“Eu deveria ter feito as sopas Campbell e continuado a fazê-las… porque todo mundo só faz uma pintura de qualquer maneira.”
Uma sensação instantânea quando exibido na Galeria Ferus de Los Angeles, nem todo mundo sabe que eles não foram originalmente criados para ficarem juntos. O proprietário da galeria, Irving Blum, vendeu cinco painéis antes de perceber que faria uma venda mais significativa como conjunto. Blum teve que rastrear as peças vendidas e comprá-las de volta, incluindo uma do ator Dennis Hopper. Ele então comprou a série inteira de Warhol por modestos US$ 3.000.
Apesar de ser sua obra de arte favorita, corre o boato de que Warhol odiava a sopa Campbell’s. Em seu livro Pop , o biógrafo Tony Scherman afirmou que Warhol tomava sopa diariamente quando criança porque era tudo o que sua família podia pagar. Um fato que, se for verdade, pinta um quadro significativamente diferente. [10]
